在阿姆斯特丹實現反轉重力、逆流的光之瀑布!跟著台灣藝術團隊「有用主張」重回創作現場

有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節

捱過疫情籠罩下的展演寒冬,被列為世界十大光影藝術節之一的「阿姆斯特丹燈節」(Amsterdam Light Festival)終於在2022年重新向全世界展開徵件,來自台灣的跨領域創作團隊「有用主張 UxU Studio」第四度入選,藝術家陳冠宏、陳映竹以NEOM科學博物館如巨船般的建築為背景,帶來尺度達10層樓高的聲光藝術作品〈Inversion Waterfall〉,這座「逆流的光瀑布」尺幅達歷年阿姆斯特丹燈節之最。本篇深入有用主張的創作幕後,一探磅礡背後長達6年的心路歷程。

↑ 有用主張〈Inversion Waterfall〉展出現場

先了解2022阿姆斯特丹燈節徵件目標

歷經兩年規模限縮、策展團隊重組後,阿姆斯特丹燈節在2022年的徵件條件明顯不同於以往,聚焦於過去「已發表過的創作」。面對今年度的策展主題「IMAGINE BEYOND」,有用主張最終選擇哪件作品應戰,以實現「想像之外」的畫面?曾在台南月津港燈節展出的〈Updown River〉雀屏中選。展出已發表過的作品,聽來簡單,但實際操作時並不然,除了要面對截然不同的展覽場域和環境,有用主張還必須解開阿姆斯特丹燈節策展團隊拋出的考題——如何讓作品再進化?

圖1-2014-Updown River_水上天來_高6米
有用主張〈Updown River〉展出於2014月津港燈節 

回望長達6年的「光之瀑布」實現之路

 2017年|第一次嘗試|與NEMO結緣、更理解創意與實務之間的平衡 

把時間拉回2017年,陳映竹回憶,當年完成月津港燈節的作品後,剛好有朋友分享了阿姆斯特丹燈節的國際徵件消息,並建議有用主張嘗試投件。2018年之前,阿姆斯特丹燈節因作品分佈範圍廣泛,且城市環境與水共生,於是發展出陸地、海上兩種不同的觀展動線;討論過後,初試身手的陳冠宏和陳映竹選擇陸地展區,並將〈Updown River〉改版為〈Light River〉參加徵選,嘗試透過作品如同「光成」之外觀,以水的意象呼應阿姆斯特丹特殊的地理和歷史紋理。

作品入選第一階段後,評審們給出回饋:「希望將作品調整為海上的規格,並將尺度放大,與參觀航線上的建築物立面相結合。」同時推薦NEMO為展出場地,這座科學博物館由曾獲普立茲克獎肯定的義大利建築師Renzo Piano設計,外形猶如巨船,貼合著水岸而生。當時,有用主張大膽回應評審們的建議,一舉將〈Light River〉的尺度從6米拉高為20米,並想像這座巨大光河流淌在NEMO立面。

圖2-2017-Light River_逆流河光_高20米_1
2017年〈Light River〉設計模擬圖 

這個大膽的修正最終落選,陳冠宏、陳映竹在討論檢討後也得到「預期之中」的結論,為何這麼說?主要是〈Light River〉以鷹架系統為主要結構,當作品高度拔升為20米,不僅造假昂貴,龐大的鷹架結構也難以跟NEMO的建築融洽結合。

有了這次經驗,兩人深知如果無法簡化作品的結構系統,未來再次遇到類似的情況也很難順利入選,更深刻了解到這樣一個每年有數百、甚至上千件作品參賽的國際盛事,除了注重創意之外,藝術家是否能落實作品、如何落實也非常重要,畢竟作品需要在戶外展出兩個多月,並度過氣候多變且零度以下的寒冬。從此,一顆待解的種子埋藏在他們心中。

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NEMO科學博物館(圖片來源:Tripadvisor) 

 2020年|第二次嘗試|光之瀑布尺度再突破,卻與荷蘭擦肩而過 

隨著經驗的累積、技術的精進,有用主張在2018年至2020年連續三年獲選阿姆斯特丹燈節參展,不只是台灣最初,也是華語圈創作者第一人。2020年,他們再度透過〈運用幻象-瀑布〉一作,試圖在城市景色中創造一座達15米的光之瀑布,將彷彿世界末日場景才能看見的超現實景色,生動地再現於都市當中。

圖3-2020-ALF版本_USE YOUR ILLUSION-WATERFALL_運用幻象-瀑布_高15米
2020年〈運用幻象-瀑布〉設計模擬圖 

可惜的是,當年疫情大爆發,策展團隊在封城的情況下,決定取消所有荷蘭境外的獲選作品,雖然遺憾,但卻是因應情勢的不得不。隔年,有用主張仍將遺珠之作製作出來,只是尺度縮小一半為7.5米高,並在2021月津港燈節展出。

圖4-2021-月津港版本_USE YOUR ILLUSION-WATERFALL_運用幻象-瀑布_高7.5米
有用主張〈運用幻象-瀑布〉展出於2021月津港燈節 

 2022年|第三次嘗試|把光之瀑布「送回」阿姆斯特丹 

雖然光之瀑布的尺度不斷突破,但將瀑布在阿姆斯特丹重現的夢想還未實踐,那顆種子仍在陳冠宏與陳映竹心中。也許是冥冥之中有註定,或許是策展團隊也對過去兩年未能展出的作品抱有遺憾,2022阿姆斯特丹燈節徵件的內容不若以往鼓勵並強調全新的創作,反而以發表過的作品為主要徵件對象,這讓陳冠宏在看到徵件消息時,馬上萌生將瀑布「送回」阿姆斯特丹展出的想法,畢竟這件創作是因應當年的主題、基地所發展而生的構想。

圖17- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節 

⭔ 讓光「反轉」成就逆流瀑布

前有〈Updown River〉、〈Light River〉和〈運用幻象-瀑布〉多種版本,針對這次投件,有用主張依然希望能讓光之瀑布再次進化;最後突發奇想,在不變動外觀形式的條件下,做了一個非常微妙的調整,讓作品擁有全新面貌——讓光反轉,變成向上逆流的逆轉瀑布,〈Inversion Waterfall〉於焉而生。

以光呈現的逆流瀑布,反轉了現實中不可逆的重力,創造彷彿時間倒流般的幻象,除了符合2022年度的「IMAGINE BEYOND」策展主題,亦有逆流而上的象徵,以正向意涵回應世界動盪的局勢。

圖15- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜

圖11- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_日
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節  

⭔ 克服未竟的任務:無數次的說服館方、計算結構與討論工法

有趣的是,作品在第一階段入選後獲得的回饋建議,竟與2017年時完全相同:希望將瀑布再次放大,並倚附在NEMO地標建築上。而有用主張的挑戰,就是實現這項過去未竟的艱難任務。

圖8- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_ALF

圖9- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_ALF
〈Inversion Waterfall〉佈展過程  

歷經數個月的溝通與證明(工法的討論、結構的計算),終於成功說服NEMO館方同意讓〈Inversion Waterfall〉在外立面上展出;期間內,藝術家也和阿姆斯特丹燈節團隊來回討論近百次,逐步克服如何將作品從30米的高空架設至海上浮台?如何不破壞建築外立面?如何維持緊急出口運作及地面車道暢通?⋯⋯等種種難題。

圖6- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_台灣

圖5- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_過程_台灣
〈Inversion Waterfall〉製作過程 

最終,〈Inversion Waterfall〉透過懸吊結構以自然垂掛形成的弧線來設置,創造出NEMO館方要求的疏散動線與車道場域,同時彈性地建構出瀑布尾段與海上浮台銜接時所需的緩衝空間。由於全部的組件都事先在台灣及荷蘭分別預製,有用主張與阿姆斯特丹燈節的技術團隊,在現場僅花4天就設置好作品並完成燈光測試,成功攜手完成燈節歷年來最高大的作品。

圖18- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
仰望〈Inversion Waterfall〉 

↑ 有用主張分享〈Inversion Waterfall〉的幕後功臣

⭔ 幕後花絮:不再愁眉苦臉的NEMO代表

藝術家也分享佈展過程中的趣事,當時NEMO的負責主管每天都苦著臉來監工,當10層樓高的〈Inversion Waterfall〉完成試燈時,主管才終於露出笑容說道:「我們是科學博物館,逆流而上的瀑布在現實上是不可能的,但你們卻用光的元素實現了這個美麗的想像,並成功地將這樣的意象與建築完美的結合,真是太棒了!」

圖13- 2022-Inversion Waterfall_逆轉瀑布_完成_夜
有用主張〈Inversion Waterfall〉展出於2022阿姆斯特丹燈節  

有用主張 UxU Studio

由陳冠宏與陳映竹於2013年共同創立,為一多元取向的跨領域團隊,工作內容涵括藝術創作、建築、室內、工業設計等,以跨域尋求更多的可能性。

資料、圖片|都市藝術工作室、有用主張 UxU Studio

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台灣・和平製品

在zine的世界裡 不會有人跟你說這樣做不可以

我的zine創作之路始於大三,那時偶然在FB上看到一個名為Not Big Issue的小誌市集,辦在一間理髮廳的地下室,氣氛隨性且充滿活力。 創作者們將作品擺放在簡單的咖啡桌上,直接與觀眾交流,整個空間彷彿是自由創作的聚集地。我第一次感受到創作可以如此直接與他人 連結。於是我下定決心,把自己零散的創作整理成zine,開始參與這個充滿無限可能的領域。zine的魅力對我而言,在於它的實體性。紙本作品需要專注地翻閱與感受,這種「一對一」的交流無法被數位取代。我尤其珍惜參加zine市集的經驗,遇見了許多酷朋友,這些人和事都為後來的創作之路注入更多意義與動力。

圖像小說《巨人王國》。(圖片提供:和平製品)
圖像小說《巨人王國》。(圖片提供:和平製品)

我歷來的zine,有幾本是特別重要且深刻的存在。像是在大學開啟的《5400計畫》,是一個以練習為核心的長期創作,當時我看到一段話,說若要成為某個領域的專家,就得花上一萬個小時訓練,一直到現在這個計畫仍在進行中,每隔一段時間,我也會用低成本印刷,將各階段的創作集結成冊。《紅書》是我在德國交換學生期間的紀錄,內含照片、手稿和家庭故事,採用德國獨立書店常見的小開本設計,搭配簡單的紅色與粉紅色印刷,傳遞一種溫暖而私密的感覺。《巨人王國》則是一部圖像小說,透過虛構的故事,描繪留學經歷和對我家庭的情感,並使用Risograph印刷,讓作品更具層次感。

記錄個人在德國交換學生期間所思所想的《紅書》。(圖片提供:和平製品)
記錄個人在德國交換學生期間所思所想的《紅書》。(圖片提供:和平製品)

zine也給了我在商業案中無法實現的自由,不會有人跟我說「不可以這樣做」;商業案需要考量市場與客戶需求,而zine則讓我能完全遵循自己的直覺,像是我曾嘗試「手翻動畫」,讓讀者在翻動頁面時能感受到動態效果。這些純粹的實驗與嘗試,都是我最享受的部分。身為一個收藏大量zine的人,我常思考它還可以怎樣變化,甚至讓人一直想留在身邊。最近,想到或許可以嘗試做一本黑膠形式的插畫集,裡頭放的不是唱片,而是方形插畫,讓整體變得更實用。zine對我而言,不僅是一種創作方式,更是一個讓我與世界交流的管道,希望它能繼續成為人與人交流的橋樑,帶來更多感動與連結。

 自大學開啟、持續至 今的長期「修行式」創作《5400計畫》。(圖片提供:和平製品)
自大學開啟、持續至今的長期「修行式」創作《5400計畫》。(圖片提供:和平製品)
《1001夜》是和平製品的第一版刊物,也是首次嘗試RISO印 刷,5本不同的漫畫裝在一個墨綠色的紙袋中,圖為第4本。漫畫無台詞,開放讀者以想像力自由解讀。(圖片提供:和平製品)
《1001夜》是和平製品的第一版刊物,也是首次嘗試RISO印刷,5本不同的漫畫裝在一個墨綠色的紙袋中,圖為第4本。漫畫無台詞,開放讀者以想像力自由解讀。(圖片提供:和平製品)

和平製品

獨立設計師蔡賢臻所創立之平面設計工作室。專注在平面、海報、識別設計,擅長運用各種隱喻來創造視覺敘事,並喜歡觀察日常生活中的細微事物,透過書寫方式捕捉靈感。IG@paixpro

香港・Forrest Lau

zine重新定義了我的設計生涯

我自2005年入行,如今整整20年的設計旅程,想起來還是有點不真實。第一份工作是在雜誌社負責設計排版,一直到2014年公司解散,那9年多雖然忙碌,但漸漸地,開始感到創意被束縛,內心對自由表達設計的渴望越來越強烈。

《坪洲350呎》記錄Forrest目前和女友在香港離島坪洲的同居小宅,立體且可拆分的編排結構,呼應室內不同格局空間。(圖片提供:Forrest Lau)
《坪洲350呎》記錄Forrest目前和女友在香港離島坪洲的同居小宅,立體且可拆分的編排結構,呼應室內不同格局空間。(圖片提供:Forrest Lau)
《藝術書展與食物》是Forrest參與過30多次藝術書展的情感見聞。(圖片提供:Forrest Lau)
《藝術書展與食物》是Forrest參與過30多次藝術書展的情感見聞。(圖片提供:Forrest Lau)

2010年,我第一次接觸到zine,更是第一次看到創作者用簡單的方式將熱情與想法付諸實現;那年,我也創作了第一本zine《電影夢囈》,將對電影的熱愛,用隨性且自由的形式呈現,這不僅成為我投身做zine的開端,也重新定義了自己的設計生涯。之後我進入出版社,白天忙工作,晚上則忙zine創作。如今一共做了42本zine,每一本都承載著我的熱情與靈感。像是《薄簿仔》,一個輕巧靈活的zine系列,採用A6尺寸、Risograph印刷與蝴蝶釘裝訂,以「薄」為概念,強調即使是簡約的形式也能承載深刻的內容,每期主題貼近當下的社會議題,例如香港人的「離散」與「爭取自由」,見證並記錄下時代,也反映了我對社會現象的思考。

《Zinema電影自學誌》系列第2本,收錄影史15大變態角色。(圖片提供:Forrest Lau)
《Zinema電影自學誌》系列第2本,收錄影史15大變態角色。(圖片提供:Forrest Lau)

《Zinema電影自學誌》源於我對電影的熱愛,同樣使用Risograph印刷,結合貼紙與拼貼藝術,探索電影的角色、服裝、音樂與視覺風格,這種跨越影像與平面設計的創作形式,讓我深深著迷。《坪洲街閘》是以現在居住的香港坪洲街道閘門紋路為主題,將手工攝影與拼貼結合成視覺作品。《3 Days with Herbal Master》誕生於我和女友在泰國清邁旅居時,跟著草藥大師學習的經驗,整本zine以A4紙摺疊完成,展示了即興創作的可能性。《坪洲350呎》則聚焦我們的小居所,探索在有限的空間內生活與設計的創意。

《Zinema》第7本聚焦電影中的少年時光。(圖片提供:Forrest Lau)
《Zinema》第7本聚焦電影中的少年時光。(圖片提供:Forrest Lau)
《坪洲街閘》是Forrest又一觀察及關懷居住社區的創作。(圖片提供:Forrest Lau)
《坪洲街閘》是Forrest又一觀察及關懷居住社區的創作。(圖片提供:Forrest Lau)

對我來說,zine的魅力在於自主性與自由度,相比傳統出版物,製作成本較低,形式不拘一格,更容易進行創意上的實驗。zine不僅是創作的工具,還是釋放玩心的載體,可以嘗試不完美的概念,甚至用超低預算測試各種新穎的摺法、紙質與印刷技術。zine讓我突破框架, 從純粹的熱情出發,實現了無數想法。它不僅記錄了我的生活與思考,也成為我與世界對話的方式——期望繼續挑戰新形式,探索更多未曾嘗試的可能。

《3 Days with Herbal Master》來自在泰國清邁跟隨草藥大師學習的經驗。(圖片提供:Forrest Lau)
《3 Days with Herbal Master》來自在泰國清邁跟隨草藥大師學習的經驗。(圖片提供:Forrest Lau)

Forrest Lau

香港平面設計師,2014年成立個人小誌品牌與視覺設計工作室zineforest studio,專注於書籍/雜誌設計、獨立出版物和創意發想。同年也與好友創立ZINE COOP,一個專注於推廣小誌文化的合作社。目前與女友居住於香港離島坪洲,並共同成立wild side press小徑出版。IG@4res

新加坡・Claire Boon 萱穎

zine像珍藏創作情緒&思考的時間膠囊

多年來我不斷尋找靈感,試圖發掘作為設計師的「自我聲音」——平面設計是一種服務的藝術,但在用設計幫助他人之前,我想先了解自己;於是,我開始嘗試不同創作方式,發現自己對出版物和編輯設計有濃厚的興趣,也是在那時接觸到了zine,它獨特的手工感,又能無拘無束地揮灑創意,讓我看到設計的不同可能性。

《TOO MUCH?》展現Claire對「極繁主義」的探索,藏有她挑戰傳統閱讀方式的野心。(圖片提供:Claire Boon)
《TOO MUCH?》展現Claire對「極繁主義」的探索,藏有她挑戰傳統閱讀方式的野心。(圖片提供:Claire Boon)

我喜歡許多獨特出版物的結構和張力,但zine可以引出更爆發的創造力。zine的製作更加隨性且低成本,如何盡可能地將想法濃縮在小小的頁面中,是一種極具挑戰性且充滿樂趣的過程。創作zine也成為我抒發情感的管道,試圖把自己的興趣和感受傾注其中,每一頁都彷彿時間膠囊,珍藏著創作時的情緒與思考。目前我創作了大約9~10本的zine,每一本都記錄了自己的成長和對設計的探索。《TIED UP》是以我在世界各地旅遊時收藏的二手領帶為題,將它設計為細長格式,模仿領帶形狀;整本使用數位印刷,並選用100gsm紙張讓色彩鮮明。此外,還為每本綁上一個領帶造型的標籤鑰匙圈,讓藏家真的像是「帶回一條領帶」。

Claire也熱愛蒐集二手領帶,《TIED UP》收錄她旅行世界各地的收藏,開本及裝飾都形似真的領帶。(圖片提供:Claire Boon)
Claire也熱愛蒐集二手領帶,《TIED UP》收錄她旅行世界各地的收藏,開本及裝飾都形似真的領帶。(圖片提供:Claire Boon)

製作於2023年的《TOO MUCH?》,則是對極繁主義風格的探索。濃烈的色彩與圖像層次,對有些人來說可能有點繁複,但對我來說卻是個性的延伸。透過拼字和摺頁設計增加趣味性,可以說每一頁的設計都在挑戰傳統閱讀方式,鼓勵讀者探索,而這正是我想傳遞的創意精神。常有人好奇商業設計與zine之間的差異,我會說前者是幫助客戶找到一個發聲方式,需要有簡單明瞭的表達,才能達到最明確的目標。zine的創作形式則提供更大的自由,可以更大膽地嘗試和實驗,不必過於擔心要將意圖表達得很清楚,正是這樣的自由讓做zine的過程有趣,也更具有探索精神。

《Viability》探討「我們需要什麼才能生存?」(圖片提供:Claire Boon)
《Viability》探討「我們需要什麼才能生存?」(圖片提供:Claire Boon)

創作zine也讓我學到許多新技能,無論是裝幀、排版還是紙材挑選,過程中我變得更有耐心、更注重細節。做設計有時候會孤單,但zine讓我可以與志同道合的人建立連結,找到歸屬感。目前我正在構思以「諺語」為主題,以及關於圖案與海報設計的兩本小誌,繼續延續我對zine創作的熱愛,期待和更多人分享!

Claire至今已累積約10本小誌創作,並還會繼續下去。(圖片提供:Claire Boon)
Claire至今已累積約10本小誌創作,並還會繼續下去。(圖片提供:Claire Boon)

Claire Boon

新加坡平面設計師,二手領帶收藏家,音樂愛好者。作品充滿熱情、色彩與表現力,盡力透過每件作品傳遞強烈的訊息。目前專注於品牌設計,熱衷以字體為基礎的設計,也喜愛編輯與出版。IG@phrawgcraft

企劃|李尤 文|劉子維
圖片提供|和平製品、Forrest Lau、Claire Boon

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術

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海外特蒐!盤點西班牙、泰國、韓國等5家獨立藝術出版社

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世界各地有許多出版人,無論資深或新興,都看得見也珍視藝術家的才華,且相信紙本的力量——但作為讀者,我們的視線應該聚焦在哪裡?為你從全世界海選介紹值得關注的5間獨立藝術出版社,作為認識更多有趣出版品的管道!

西班牙・Handshake Books

兩位創辦人Jaime Sebastián、 Rubén Montesinos為西班牙設計師,工作室除出版品之外,還承攬包括視覺識別、網站、包裝設計等業務。出版品風格較具實驗性,共同與當代創作者探索出版的邊界。如今年台灣也有引進販售的《A Guide on Gardening》,捕捉夾藏在人類生活中的「植物雕塑」;《Pica Pica》則記錄下巴塞隆納藝術家Mark Bohle大膽幽默的繪畫作品。

(圖片提供:Handshake Books)
(圖片提供:Handshake Books)

泰國・SPACEBAR ZINE

2016年創立,是泰國作家、插畫家與藝術家的合作計畫,致力推廣zine文化,倡導「人人皆可創作出版物」的理念。位於曼谷的書店販售眾多與泰國藝術家合作的zine,以及來自世界各地的出版品。還特別設有「一日小誌製作工 作坊」,協助人們從構思到印刷,逐步完成自己的作品,同時舉辦若干講座及獨立出版相關活動,打造充滿活力的zine文化交流平台。

(圖片提供:SPACEBAR ZINE)
(圖片提供:SPACEBAR ZINE)

瑞士・Nieves

2001年成立於瑞士蘇黎世,專注於藝術家書籍和zine的出版,其中後者每年會發行約20本。創辦人暨總編輯 Benjamin Sommerhalder自1990年代開始對zine產生興趣,如今已是歐洲最重要的獨立藝術出版社之一。Benjamin曾表示,自己的創作理念為高品質、簡約與直覺,編輯方針則完全基於自己的品味。他的出版品大多圍繞單一主題,不見多餘文字,只有純粹的視覺表現。

(圖片提供:Nieves)
(圖片提供:Nieves)

韓國・mediabus

總部位於韓國首爾的mediabus發跡自2007年,除出版品之外也會舉辦各式展覽、活動、工作坊,2010年更成立獨立書店「The Book Society」推廣自出版文化。值得一提的是,探討亞洲當代藝術出版實踐的《Publishing as method: Ways of Working Together in Asia》,是先前人氣日本獨立雜誌 《Neutral Colors》主編加藤直德來台於「朋丁」舉辦講座時,分享他去年讀到最喜歡的出版物。

(圖片提供:mediabus)
(圖片提供:mediabus)

荷蘭・Set Margins'

儘管是2022年才成立的年輕品牌,但創辦人Freek Lomme已經擁有20多年的策展工作經驗。Set Margins’致力於為當代邊緣化文化發聲,出版物兼具實驗性與可讀性。Freek本人推薦,他們於2022年出版的《Can you feel it?Effectuating tactility and print in the contemporary》恰好與La Vie此次封面故事對應,收錄科學家、哲學家、藝術評論者對於印刷媒材思考的專文,並以虛構角色生動介紹複雜的印刷技術。

(圖片提供:Set Margins')
(圖片提供:Set Margins')

企劃|李尤、文|郭振宇、圖片提供|各單位

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

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