以身體為對話、雕塑為轉譯，臺北市立美術館（北美館）「未來身體：超自然雕塑」展覽，由德國圖賓根藝術館館長妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）與德國圖賓根文化交流協會麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）共同策畫；集結23位國際藝術家，從不同面向，開放向後人類時代提問。

直截以視覺挑戰觀者思辨，「未來身體：超自然雕塑」用生而為人的肉體，拼接環境、科技等複雜訊息，在圍繞強烈氛圍的作品場域，推進未來生存樣貌的可能性。如果說ChatGPT的議題已成為顛覆科技與人類發展史的炙熱引信？那麼，北美館的未來身體展覽，更將讓你深入反思全球80億人類的生猛未來式！

以「人」為關係，思考未來

歷經翻騰世界的疫情，這幾年，關注未來風向的各式議題的確騷動著。3年後，登入後疫情時代的我們，除了明顯感受到自然環境劇烈震盪，也意識到人類生活框架的不堪一擊及身體的脆弱；於此同時，由元宇宙到AI科技介入日常生活的普及性，更在在持續顛覆人類世界。甫於北美館登場的「未來身體：超自然雕塑」，試圖歸納梳理出「混種人」、「後自然」、「藝術家4.0」、「科技 人類 變體」四個主題，以新創肉體的形式，陳述身體的解構與重構、人與環境及機器之間的關係、與當中隱含的欲望與倫理議題。這些主題，不是個別上的分類或架構，而是總結過去60年的超寫實及寫實雕塑作品，窺探生態與人類的處境、使人體成為一種運用科技介面的未來總觀。

共同策展人之一的麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）在專訪中，更如此說道：「我們並不是企圖透過展覽來回應任何問題，而是希望透過這些作品，讓觀眾產生反思、並對未來提問。就連規劃觀展路線時，我們也考慮著每件作品之間的訊息與互動，期望觀者從場域中，就能直覺生成一種對作品的感知。雖然說展場分為四個主題，但其實大部分的作品都已經帶著強烈訊息，甚至比四個主題還要強大。」

寫實或荒誕？端看你怎麼解讀！

直觀縫合其他物種、談論人類棲地變化、基因演化、重塑生態系等議題現象，「混種人」展區，以探究混種生命體的奇異概念，揭開意味悠遠的推論波濤；像是澳洲雕塑藝術家山姆・詹克斯（Sam Jinks）在作品《犬頭》中，就以一副蘊含精微肌理細節的狐狸頭與男子混合身軀，闡述人類不只是人類、也是動物的寓意，進而帶出人類脆弱、老化的生存處境與自然本能。進入「後自然」主題展區，作品不僅著眼大自然如何在基因轉殖與人工科技中被交互挪用，亦傳達人類對環境的破壞性變化及物種的極限。策展人麥斯米蘭．雷澤推薦的伊山・貝哈達（Hicham Macuga）作品《預兆 2019年5月9日10時15分》，也以化學物質之間的相互作用，產生微生態宇宙，藉此探討所謂的能動性（Agency），「他刻意把『人』從當中抹除，讓人去思考到底這件作品的創造者是藝術家、還是化學物質？並探討所謂的創作或創造，是不是一定要產生什麼？還是它是可以被避免的？這些論點很有趣，也呈現出一種正面意義。」麥斯米蘭．雷澤這麼說道。

而派翠西亞・佩奇尼尼（Patricia Piccinini）的《輓歌》，則是以男人捧著似魚的奇異物種，平實描繪人與自然間的溫柔時刻；麥斯米蘭．雷澤說：「我很欣賞派翠西亞・佩奇尼尼作品中對於人生的思辨，她能訴諸觀眾感官、使其產生同情共感的情緒；在她的作品中，亦提出許多對於社會道德觀的思考及一些睿智想法，訴說一種人類同舟共濟、同為一體的正面能量。」

科技對於藝術創作的影響力

進入「藝術家4.0」展區，觀者也似乎貼近一種未來身體對於完美不朽的想望。我們該如何與所謂的未來機器人共處、交流或同理？AI是否最終能付諸人類獨有的幻想、直覺或創造性？這些作品，都是讓寓意無限延伸的子題。安德羅・韋庫亞（Andro Wekua）的《無題》以沒有靈魂的半機器人作品，闡述未來人類與科技裝置的共存方式；作品中女孩右手的抖動，是唯一看得出生命跳動的指標，藝術家也藉由作品中不安與詭異的氛圍，強化觀者對科技與人類並存的提問。

而反詰各種科技和數位轉型發展交合對人類內在、外在、心理、生理層面影響力的「科技 人類 變體」展區，彼特・蘭德（Peter Land）和喬許・克萊恩（Josh Kline）的《神童》、《不用找錢了》兩樣作品，就是一個很好的對話；「來自以社會福利著稱的丹麥藝術家彼特・蘭德和來自美國制度、勞工受到保護相對比較少的喬許・克萊恩，能從生長背景及作品上，輕易看到兩者之間的不同觀念。不管是社會壓力還是科技對於就業市場或社會結構有什麼樣的影響，這都是藝術家想要探討的課題。」麥斯米蘭．雷澤繼續說道。

而第9屆柏林雙年展的瑞典籍參展藝術家安娜・烏登伯格（Anna Uddenberg），則是將扭曲的女性雕塑與行李箱融為一體，她在作品《野蠻人 #7（零重力）》中，分別以不同物件、呼應當代對於女性的不同要求，進而扭曲地陳述社群媒體上網紅們對於「理想形象」的荒誕追求。麥斯米蘭．雷澤說：「安娜・烏登伯格談論女性形象的這個作品，我覺得是觀眾很容易能夠看懂的；她的身體變得扭曲、然後有各式各樣的衝突，讓作品產生共感的劇烈效果。」

在採訪中，我們問策展人麥斯米蘭．雷澤認為現代科技是如何影響或形塑雕塑的未來？他回答：「當科技加入雕塑，藝術家才能開始創作以前沒辦法完成的形體或量體，這些利用數位、電腦演算法等新穎科技發展的藝術作品，不僅顛覆著藝術家，對於觀者來說，也同時能用新的方式去體驗，所以我認為對於未來而言，這是一個令人振奮的時刻。」

未來人類的生存演變是什麼樣的路徑，我們也許無法預知，但透過本次北美館的「未來身體：超自然雕塑」，你也許能先行在心中伏流對未來的不同提問；在走逛展覽時，再次回望何謂你心中的人類本質，更可親自感受麥斯米蘭．雷澤所說的，「用全新方式體驗雕塑及藝術」。

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策展人：麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）

2015年起，麥斯米蘭．雷澤擔任德國圖賓根文化交流協會總監，專注當代藝術領域的國際展覽。他曾在美國波士頓愛默生學院、義大利馬蘭的路易吉·博科尼商業大學學習文科與商業管理。隨後於2011年獲得萊比錫大學、倫敦商學院和佛羅茨瓦夫大學頒發的伊拉斯莫世界聯盟(Erasmus Mundus Consortium)全球研究文學碩士學位。他在全球策劃和監督了40多個展覽，包括在澳洲國家美術館舉辦的《重塑現實—超寫實雕塑50年》（Reshaped Reality. 50 Years of Hyperrealistic sculpture）、在維也納利奧波德博物館展出的《回到天堂—波西米亞表現主義大師》（Back to Paradise. Masterspieces of Expressionism）和在德國莫里茨堡藝術博物館展出的《圖盧茲·羅特列克和蒙馬特大師》（Toulouse-Lautrec and the Masters of Montmartre）。

未來身體：超自然雕塑

展期：2023.02.18-2023.06.04

地點：臺北市立美術館 2A、2B展覽室

展覽概念：德國圖賓根藝術館　妮可．芙麗茲（Nicole Fritz）

共同策展人：德國圖賓根文化交流協會　麥斯米蘭．雷澤（Maximilian Letze）

本展預計將於4月15日推出展覽漫遊活動，後續活動報名及展覽訊息請參見北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）關注。

舊金山現代藝術博物館（San Francisco Museum of Modern Art，簡稱SFMOMA）成立於1935年，是美國西岸首座聚焦現代與當代藝術的博物館。其擁有豐富館藏與精彩的展覽規劃，是到灣區旅遊時不可錯過的藝文景點之一。

最初，博物館設立於舊金山戰爭紀念退伍軍人大樓的其中一層，而後逐漸擴張，並成立60週年之際（1995年），遷入由瑞士建築師Mario Botta所設計的全新建築，正式擁有自己專屬的據點。至今，SFMOMA收藏超過50,000件藝術品，涵蓋繪畫、雕塑、攝影、建築設計與新媒體藝術等，致力透過展覽和公共計畫連結藝術與社會，成為舊金山灣區的重要文化中心。

Snøhetta負責翻新擴建

Mario Botta打造的這棟五層樓建築，在2016年交由Snøhetta進行翻新與擴建，保留既有的階梯式磚砌立面、頂部高聳的圓柱形塔樓和圓形天窗等，根據博物館藏品量身規劃展間，消除視覺混亂並保留空間簡潔。翻新後，博物館內部展示空間增加了近三倍，免費開放的空間也大幅增加，活動與展覽參觀人數也顯著成長，促進市民參與藝文發展。

SFMOMA必看當期展覽

▸ Afterimages: Echoes of the 1960s from the Fisher and SFMOMA Collections

展期｜常設展

本展探討1960年代的文化浪潮與藝術運動如何持續影響當代藝術。1960年代的藝術運動與彼時社會、政治與科技的快速發展密切相關，展覽從普普藝術、概念藝術、極簡主義等子展區切入，展出包括Felix Gonzalez-Torres、Kerry James Marshall、Jenny Holzer、Andy Warhol，以及館藏最新收錄的Virginia Jaramillo、William T. Williams、Charlotte Posenenske等藝術家。

▸ Yayoi Kusama: Aspiring to Pumpkin’s Love, the Love in My Heart

展期｜2023年9月16日至2025年秋季

作為草間彌生長期以來的標誌性符號，南瓜自1940 年代便出現在她的繪畫、雕塑、裝置藝術與詩歌中；而象徵「自我消融」的圓點圖案，則是一種與宇宙合而為一的過程。這件南瓜雕塑為草間彌生近期的創作之一，為一顆龐大的五莖南瓜，呈現藝術家對於和平與喜悅的嚮往。

▸ Yayoi Kusama: Dreaming of Earth’s Sphericity, I Would Offer My Love

2024年6月22日至2025年秋季

SFMOMA展出的另一件草間彌生作品，帶領觀眾進入藝術家萬花筒般的世界。這件沉浸式裝置以多彩光線宇宙為主題，表面鑲嵌大型透明壓克力圓點，內部則透過彩色窗戶的折射光線，營造出動態變化的重疊圓形圖案，搭配鏡面材質使整個空間呈現持續變化的視覺效果。

▸ Olafur Eliasson: One-way colour tunnel

展期｜常設展

冰島-丹麥藝術家Olafur Eliasson作品，其為一座由三角形玻璃與壓克力面板組成的拱形隧道，位於SFMOMA最上層，橫跨建築中央的圓形挖空區域。當觀眾穿越其中時，色彩會不斷變化，帶來流動的視覺體驗。藝術家希望藉由此裝置邀請觀眾重新思考自身與周圍環境的關係：「花時間去感受空間，無論是在博物館內，或是外部世界。」

▸ Ragnar Kjartansson: The Visitors

展期｜2022年11月5日至2025年9月28日

冰島藝術家Ragnar Kjartansson的影像裝置作品，以九個同步播放的螢幕，呈現一場沉浸式的音樂體驗。影片拍攝於紐約上州Rokeby，由藝術家本人與他的音樂家朋友們分別身處不同房間，透過各自的樂器與聲音，合奏出一首動人的歌曲。每個房間的場景與聲音彼此獨立，卻又在音樂中交織成一體，形成獨特的合奏效果。

說到法國，你最先想到什麼？是浪漫，或是時尚？以上兩者都被巧妙融入2025大阪世博「法國館」當中！

法國館以「愛的頌歌」為題呈獻一座「自然劇場」，外觀如劇院舞台的場館內暗藏著蜿蜒廊道，揭開法國在藝文、時尚、科技等領域的精湛技藝，屋頂花園則重現法國自然風光，鼓勵人們與大自然建立聯繫。此外，由LVMH策劃的時尚內容亦值得關注，集團旗下時裝屋Louis Vuitton、Dior、Celine及珠寶世家Chaumet，都將以工藝為切角，帶來結合日本文化與自然元素結合的展覽。

發想自日本紅線傳說的「愛」之敘事

日本流傳著「命運紅線」的傳說，意指命運註定被牽絆的兩個人，會透過小拇指上一條看不見卻堅韌、彷彿被施以魔法的紅線相互聯繫著。法國館浪漫地以紅線傳說延伸出「愛的頌歌」主題，讓愛的3種形式——「愛自己」、「愛他人」及「愛自然」——貫穿展館建築及展覽內容，講述法國在藝術文化、科技等領域的精湛技藝（savoir-faire），如何成就法式生活風尚；同時將法國自然地貌融入展館，揭示人類在生活中與自然連結的重要性。

連結人類與非人類世界的「自然劇場」

法國館的位置非常理想，面向大阪世博主入口，訪客一出地鐵站遠遠就能看到。場館由法國、義大利建築及設計團隊Coldefy、CRA-Carlo Ratti Associati攜手，以「自然劇場」（Theatrum Naturae）為概念，打造一處人類與自然共生的棲地，詮釋設計連結人類與非人類世界的力量，鼓勵觀眾重新發現與大自然之間的連結。

來到法國館入口，迎面的是富現代感、向外開放的立面，正面像是一座面向公眾的劇院舞台，側面則完全被覆蓋，為後續「好戲」保留神秘感，吸引訪客入內一探究竟。場館路徑先引領訪客沿著蜿蜒樓梯向上，漫步觀景陽台般視野開闊的環形步道觀展，最後抵達屋頂花園，再緩緩步行返回地面。

屋頂花園，人類與自然共生的棲地

屋頂花園是法國館的一大亮點，這是一座歡迎所有生物棲息的樂園，景觀重現法國不同地區、從高山到海岸的自然風光，提醒人們時刻與自然保持聯繫。此外，完全被植物覆蓋的屋頂自成微氣候，能在炎熱夏日有效為場館內部降溫，有助於減少可能產生的城市熱島效應。

深入探究法式工藝！LV、Dior、Celine、Chaumet齊聚法國館

雖法國館內容涵蓋藝術、文化、科技、生態等領域，但說到法國，怎能不提時尚？繼擔任2024巴黎奧運主要贊助商後，LVMH集團再度參與國家盛事，其旗下時裝屋、珠寶世家等都將呈獻精彩內容：Louis Vuitton、Dior將策劃常設展（4/13～10/13），Celine、Chaumet帶來快閃展覽（4/13～5/12），展現深厚的硬箱、時裝及珠寶工藝底蘊，呼應法國館展現法式精湛技藝（savoir-faire）的精神。以下帶看各展覽亮點：

▍Louis Vuitton，穿越時空的硬箱圖書館

繼2024年底開幕的紐約臨時旗艦店，Louis Vuitton再度與來自OMA的日本建築師重松象平（Shohei Shigematsu）合作，構思一場以「硬箱圖書館」為亮點的展覽。現場將集結85件Louis Vuitton具代表性的硬箱作品，及日本新媒體藝術家真鍋大度（Daito Manabe）創作、畫面如夢幻晶洞的錄像裝置，展現品牌引以為傲的硬箱製作工藝；聲音場景也毫不馬虎，由法國媒體聲音研究中心（IRCAM）特別設計。

▍Dior，時裝到香氛、歷久彌新的法式優雅

展覽以呼應法國國旗藍、白、紅三色的經典「Dior Bar Jacket」揭開序幕，這款源自1947年的設計藉束腰剪裁凸顯女性身體線條，在二戰後掀起「New Look」時尚革命，傳承至今也由歷任創意總監延伸出多代版本。

緊接時裝的是Dior香氛作品，Miss Dior、J’adore等名作一字排開，將與日本設計師吉岡德仁、攝影師高木由利子之作，一同在法國佈景設計大師Nathalie Crinière打造的佈景中閃耀光芒。

▍Celine，串連巴黎意象與日本傳統工藝

Celine從日本「漆器」（Urushi）切入，將其與自家經典標誌「Triomphe」串連，展現品牌與日本文化及工藝知識間的連結；現場也將展出視覺藝術家中村壯志（Soshi Nakamura）及致力推廣漆器工藝的「彦十蒔絵」之作。

開展之前，先來認識「Triomphe」的有趣出身！故事得從1970年代說起，當時品牌創辦人Céline Vipiana的車子在巴黎凱旋門附近拋錨，等待支援時她意外發現圍繞凱旋門的鎖鏈是由雙C組成，恰巧呼應自家品牌，於是以鎖鏈為靈感設計出「Blazon Chaîne」圖樣；時間來到2018年，Hedi Slimane擔任品牌創意總監時為這經典圖樣取了新名「Triomphe」，並推出同名方包，風靡一時。究竟Celine會如何將「Triomphe」與漆器結合？令人期待。

▍Chaumet，以「蜂巢」為題的珠寶工藝饗宴

擁有兩百多年歷史、擅於將大自然之美轉譯為珠寶的Chaumet，將以自家最具代表性的「蜂巢」標誌為題，展現精湛珠寶工藝。為什麼是蜂巢？在拿破崙時代，Chaumet曾是皇家御用珠寶商，而蜜蜂是當時的皇室標誌之一，象徵著權力、忠誠與豐饒；蜂巢則蘊藏大自然的豐沛生命力，其六角形結構和繁複幾何線條不僅為珠寶造型注入無限靈感，也巧妙呼應著法國的國土輪廓，自那時起蜜蜂及蜂巢元素便常見於Chaumet的珠寶作品中，品牌備受歡迎的「Bee de Chaumet」系列即是以蜂巢為意象打造。

2025大阪世博「法國館」

展期｜2025年4月13日至10月13日

更多資訊可至法國館官網查詢