2023第42屆新一代設計展將於5月19日（五）至5月22日（一）在台北南港展覽館2館登場，線上線下同步開展。而本屆展覽由打造全新國民法官法庭空間的本埠設計蔡嘉豪建築師擔任策展人、新銳設計團隊StudioPros Design李宜軒操刀主視覺，以「原點 ORIGIN」為主題，展現設計學子與產學間的跨界對話與交流，看見台灣年輕設計力的無限可能。

2023新一代設計展5月登場

由經濟部及教育部共同指導，經濟部工業局主辦、台灣設計研究院執行的「新一代設計展」，自1981年開辦迄今，致力朝品牌化、專業化、國際化的方向推進，每年匯聚全台逾百個設計科系、近4千件作品共同展出，為全球最具規模的新銳設計聯展之一。近年展覽更持續創新變革，透過設計領域分區、全展區導入專業策展、籌組品牌形象委員會、增設產學合作主題展區等作法，全面深化展覽內涵及品質；在疫情期間亦不斷精進線上展內容及使用互動體驗，讓年輕學子的創意，獲得多方曝光及企業媒合機會。

以「原點」（ORIGIN）為展覽主題

今年度展覽主題為「原點」（ORIGIN），以數學上XYZ座標軸的交點（0,0,0），象徵新一代設計展作為跨領域、跨校系交流的現場，以設計為共同語言，讓產學之間、不同領域間的觀點及想法在此交會，進而相互碰撞、發酵，開啟更多對話機會，並由此延展開拓出新的可能性。期盼新一代設計展不只是設計學子的一次成果展出，更是前瞻創意迸發的現場，也是產學間共同思索、展望未來設計的契機與過程。

本埠設計建築師蔡嘉豪擔任策展人

本屆展覽邀請到本埠設計 B+P Architects 創辦人蔡嘉豪建築師擔綱策展人，為展場空間進行總體規劃，全面提升展出及觀展體驗，並策劃主題展區，精彩呈現產學攜手合作的成果。本埠設計為專業空間設計及跨領域創作整合團隊，作品涵蓋公共與私人建築、室內與展場等不同尺度，近年更陸續以教育部美感教育計畫成果展「紙屋簷」、新竹及嘉義火車站微改造、國民法官法庭空間、基隆潮境智能海洋館、屏東菸葉廠常設展示、2022臺灣文博會嘉義館展場設計等精彩作品，屢獲金點設計獎、台灣室內設計大獎金獎等肯定，本次將為新一代設計展打造出什麼樣的嶄新面貌，值得期待。

優仕創意操刀年度主視覺

年度主視覺則由新銳設計團隊 StudioPros Design 優仕創意首度操刀，創辦人暨設計師李宜軒擅長從使⽤者體驗出發，整合創意、設計和科技，為品牌建構全方位解決方案，近年為獨立媒體《報導者》打造的品牌識別、美感掃具視覺改造計畫、《VERSE》雜誌視覺設計、2021教科圖書設計獎主視覺等，亮眼成果備受矚目。本次為新一代設計展打造的主視覺，呼應年度主題，從設計的最小元素「點、線、面」出發，創造出無數種幾何圖像組合，期待透過靈活且不拘一格的豐富視覺變化，傳遞年輕設計創意的多元與不可限量的未來性。除了首波釋出的平面及2D動態視覺，優仕創意團隊也將整合AR技術，在主視覺圖像中埋入驚喜彩蛋，將於展前在新一代社群平台陸續公開。

全台55校、121系及海外設計院校參與

「2023第42屆新一代設計展」將於5月19日（五）至5月22日（一）在台北南港展覽館2館舉辦，線上線下同步開展。本屆展覽共有全台55校、121系及海外設計院校參與展出，橫跨產品與工藝、視覺傳達、數位多媒體、空間與建築設計、服裝與時尚、跨領域整合等多元設計領域。透過近年一連串的創新變革，結合國內外新銳設計師的創意及產學資源，今年新一代設計展將會以全新面貌的實體展覽盛大回歸，精彩可期。

而今年度展覽將於3月14日（二）正式開放售票，早鳥票與團體票皆享150元優惠。購票歡迎至「TaiTIX」南港展覽館售票平台（taitix.com.tw）、全家FamiPort等通路購買，亦可於展期間至展場售票口，或以悠遊卡、一卡通或icash刷卡入場。更多購票資訊，歡迎至新一代設計展官網查詢。

更多資訊可至官網或臉書查詢

官方網站

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資料提供｜台灣設計研究院

2025大阪世博將於4月13日開幕，除了各具特色的國家館外，主題館（Signature Pavilions）展區也不能錯過！共8座主題館分別由日本建築、設計、音樂、影視等各界大師領銜，切入生命的各個面向，用趣味的互動式探索體驗，引領觀眾反思人類、藝術、自然、科技間的緊密連結。

Better Co-Being（Resonance of Lives）

由建築師妹島和世與西澤立衛共同創立的建築事務所SANAA操刀、金澤21世紀美術館館長長谷川祐子擔任策展人。展館位於世博會場中央的一片寧靜森林，以無屋頂、無牆壁的設計，模糊室內與戶外的界限，傳遞開放性與共享的理念。

展館主題聚焦於多元社會中的資源共享、互相尊重與人際關係，將結合3D觸覺科技互動裝置與專屬體驗APP等創新技術與藝術，讓觀眾體驗深層情感共鳴。展覽共分為三個展區：「人與人之間的共鳴」以多媒體藝術表現情感交流的可能性，幫助人們重新挖掘彼此的連結；「人與世界的共鳴」以象徵多元價值的彩虹視覺呈現未來願景，鼓勵對平等與包容的深思；「人與未來的共鳴」通過互動裝置，展現環境與人類之間的動態變化，啟發對未來生活模式的想像。

Future of Life（Amplification of Lives）

由日本人形機器人權威石黑浩領銜，這座展館描繪未來五十年間科技可能如何影響並擴展人類的生活。展館內的互動展覽探討科技與社會融合的多樣可能性，像是科技與日本文化的關聯、科技為生活創造的便利、存在於科技中的生命（機器人）、千年後生命的形態等，啟發性地呈現未來生活藍圖，鼓勵觀眾重新審視人類與科技的共存關係。

Playground of Life: Jellyfish Pavilion（Invigorating Lives）

由音樂家中島幸子策劃的「Playground of Life」以「水母」為靈感，建築外觀採用半透明膜結構，呈現萬物生命的柔軟流動性。展館主打創造力與遊戲性，致力於打造一個結合藝術、音樂與互動體驗的夢幻空間。

館內，二樓的「遊戲山」結合原生植被的攀爬設施與滑梯，觀眾可以盡情地攀爬，喚起童年時期的純真與活力；一樓則是現場音樂的表演場域。該展館致力塑造一間「未來地球學校」，不為年齡設限，讓觀眾在玩樂中體會學習的樂趣。

null2（Forging Lives）

該展館的核心設計概念是重塑「鏡子」的象徵意義，利用互動裝置與數位科技讓觀眾探索超越現實的景觀，讓人感受到自然與建築的交融。走進展館，觀眾的身體將被數位化，與有機變形的自己互動。

DYNAMIC EQUILIBRIUM OF LIFE（Quest of Life）

根據熱力學第二定律「熵增定律」，有序只會朝無序的方向移動。然而，唯有生命才是無視這法則、尋求維持秩序的力量；只有生物才會主動地同時分解、重塑自己，而這種「動態平衡」就是生命本身的本質。

該展館內容由設計顧問公司Takram策劃，通過互動燈光裝置展現「生命的動態平衡」。展館巨大的屋頂以輕柔漂浮的形象，象徵生命的循環與流動，而館內展覽則佈滿流動的燈光與多重感官體驗。觀眾將在此感受身體轉化為粒子，溶解到環境之中，重新審視個體生命在整體生態中所扮演的角色，並重新思考生命的短暫與無限。

LIVE EARTH JOURNEY（Totality of Life）

設計師河森正治策劃的展館，聚焦在宇宙、海洋、陸地上所有生命的連結，從以人為本的思考轉變回以全生命為本，強調保護和培育生命的重要性。展覽共分為四個展區：沉浸式XR體驗整合虛擬與現實空間；五感音樂劇場展現生命的活力與熱忱；4公尺的巨幕投影出太空中所看見的地球，與雞蛋內的生命成長情形，是人類感官所無法捕捉的時空尺度；最後一個展間則放大微生物的生長動態，揭開平日視線之外的生命循環。

EARTH MART（Cycle of Lives）

「Earth Mart」由建築師隈研吾與設計師八木保共同打造，其靈感源自於農村生活。展館以里山常見的茅草屋頂建成，象徵過往鄉村生活的繁榮。

「Earth Mart」內部設計如同一座未來市集，而觀眾可以在此認識糧食的循環議題。展覽內容涵蓋未來飲食模式、傳統文化與新興科技的比較、當前社會的糧食挑戰與創新解決方案等，並邀請觀眾以趣味的形式踏上這趟探索之旅，重新塑造新時代的生活見解。

Dialogue Theater –sign of life–（Embracing Lives）

最後一個展館由導演河瀨直美策劃，是一座參與式的對話劇場，每日設定不同主題，隨機邀請參觀者與預先招募的對話者共同展開討論，藉由個人經驗交流、全球議題討論，激盪出更多互動火花。策劃團隊表示，發生在這裡的都是「一生中只有一次」的偶然對話，也無法被預見。展期間的每次對話都將被留存，將傳承給未來人類。

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}