結合藝術與工藝精神、徹底展現白瓷之美的德國瓷器品牌赫昀柏林hering berlin，於今（2023）年迎來30週年，品牌創辦人赫昀女士（Stefanie Hering）選定台灣為紀念展《演化－Evolution》亞洲首站，本展由寬合國際藝術總監陳依廷策劃，網羅上百件生活瓷作品，並邀集攝影、新媒體創作等跨界共演，試圖拓展大眾對瓷器的想像。展出時間自2023年3月13日至4月30日，於台中西區老宅空間限時登場。

裝盛藝術靈魂的極致工藝

赫昀女士於1992年的柏林創辦個人工作坊及瓷器品牌赫昀柏林，她致力採用不上釉的素胚白瓷，並以具有嚴謹線條和結構的形狀、節制或有目的性的裝飾及繪畫，加以幾乎被遺忘的工藝技術，在當時陶瓷產業低迷的氛圍中，找到新的破口。其「讓藝術走進生活」的理念受到眾人喜愛，不僅國際著名博物館與名人時尚圈爭相收藏、米其林星級餐廳與名廚指定使用，士紳名流家中的餐桌日常也均可看見赫昀柏林的身影。台灣餐廳如態芮 Taïrrior、Impromptu by Paul Lee、AD Astra、栗林裏、鹽之華、文公館、簡天才Restaurant Thomas Chien、樹也ChooArt Villa等均可體驗到赫昀柏林餐瓷的細緻之美。

 展覽6大亮點 

01｜回顧赫昀柏林30年創作軌跡

展覽位於台中市西區的三層樓老宅中，一樓「瓷器博物館」從經典作「創造星空」開始，自草創到成熟，帶出近百件生活瓷作品，展示牆橫跨一至三樓牆面，演譯赫昀柏林30年足跡的精彩風華；一旁的大圓桌擺設也出自赫昀女士之手，將東方華人「圓滿」意象融入西式餐瓷中，打造中西合璧的美學共演。一樓後方則設置了工坊的示意空間，在此可以一窺赫昀柏林的產製過程。

二樓為一精巧的走道露台，從這裡可以換一個角度欣賞壯觀的牆面展示。三樓展間相對一樓的商業性質，則更具概念性，可以說是反映了赫昀女士的創作心理——同樣在「創造星空」的迎接下，極簡的展間中擺放著「雕塑白瓷 再生系列Extrapositions」作品，此系列受到泰國黑陶土的高度韌性啟發，赫昀女士創作出兼具俐落稜角與起伏平面的大型雕塑，在不完美的美中，展現其身為藝術創作者追求材料極限的執著。

02｜MoMA藏品「創造星空Cielo」首次亮相亞洲

赫昀柏林看似單純、無過多墜飾的作品，其實都是奠基於宛如機械般的精湛工藝。以赫昀女士第一項代表作、被MoMA收藏的「創造星空Cielo」為例，其盤面上的每一個孔洞都是人工手動鑽出，未燒製的瓷土極為易碎，且僅有短暫的黃金時間適合加工，是對技術的精準、速度及穩定的一大考驗，且因其為純手工製作，每一個「創造星空」都是獨一無二的。本展為「創造星空」首次於亞洲展出，若想一睹其風姿，務必把握時間前往。

03｜零距離接觸重啟感官想像

位於三樓的「雕塑白瓷 再生系列Extrapositions」作品，共分為平滑的「絲絨Velvet」以及具有立體條紋的「悸動Pulse」兩種類，觀者可以用手觸摸其表面，感受白瓷宛如嬰兒肌膚的細緻觸感，進而理解材質如何透過最純粹的設計說故事，回歸最初始的感動。

04｜從攝影鏡頭微觀器物的表情

來自德國電影世家、柏林影展紀錄片導演攝影師烏爾麗克・夏莫尼（Ulrike Schamoni），為赫昀柏林作品拍攝了一系列影像創作《白之表情》，從微觀的角度，重新觀察瓷器的喜怒哀樂，當光影遊走於富含生命力的刻紋與鑿洞間，靜謐的詩意就此綻放。莫尼女士也分享道：「請讓我透過我的眼睛，帶著你一同經過物品中的光線、顏色、線條和情緒，一起來感受瓷器情感的一面。這就像是一場談話、結交新朋友，而且不會停止。」

05｜新媒體藝術跨界共演

光雕藝術家「喬大Jo-Ta （Juan José Zenteno Pacheco）」以光影藝術打造「流動的器物」，結合光雕藝術投射在赫昀柏林「絲絨Velvet」花瓶表面，使瓶器不再是單一的擺飾品，而是有無限可能的畫布。投影畫面中不時可見一上下顛倒的山景，其為藝術家於2018年冬季捕捉到的多洛米提山脈景象，其因氣候異常而有著過少的積雪，雖對一位藝術家而言，碰上此景是幸運的，但對環境議題卻沉重無比，故此創作透過光影漸進，帶出人類背離自然的批判。另一方面，將山景投射於以土為材料的瓷器上，亦有呼應大地循環之意。另一角落的「迷幻暗室」由德國音樂製作人暨DJ視聽影像創作家朵勒斯．馮．維寧（Dorothee von Winning）打造，在全黑無光的暗室中，將五感聚焦在聽覺，感受迷幻電子旋律與鮮明藍調的雙重刺激，以及五感更高程度的解放。

06｜冉冉茶室「赫昀柏林．浮光茶席（Tea Salon by hering berlin）」

瓷器與茶，都是在時間與火候的淬煉下獲得昇華，並且需要在悠久的傳統中，擺脫框架走向創新，因此，本展特別與冉冉茶室合作，由主理人藍大誠設計「赫昀柏林．浮光茶席（Tea Salon by hering berlin）」，以德國白瓷裝盛台灣茶品的真實風土，透過實際體驗展示器皿對品飲的重要性，直觀地感受兩者相遇所譜出的陶醉風味。

《演化－Evolution》赫昀柏林30週年－創辦人 Stefanie Hering 設計特展

展覽時間｜2023年3月10日至2023年4月30日

展覽地點｜寬合藝廊K.H. Living Gallery（台中市西區中美街11號）

開放時間｜週二至週六10:30-17:00，週日、一休展（參觀採預約制）

門票費用｜每人350元，包含：浮光茶席－冉冉茶品與私廚點心一份

預約電話｜（04）2377-0999

線上預約｜請點此

資料、圖｜寬合藝廊K.H. Living Gallery

將於日本大阪舉辦的「安藤忠雄展｜青春」，為繼2017年東京國立新美術館「挑戰—安藤忠雄展」之後的大規模個展，本展將全面呈現這位建築大師從過去到現在的創作歷程。

出生於大阪的安藤忠雄，透過自學習得建築知識，並於1969年開始建築設計活動。自此之後，他不斷打破既有概念、接連打造嶄新的建築作品；90年代起，他不僅活躍於全球建築界，還積極投身於環境再生與與震災復興等社會公益項目，影響力早已超越建築家的領域。

睽違16年在大阪的大規模個展

而這場將於3月20日至7月21日在大阪新文化設施「VS.（ヴイエス）」登場的「安藤忠雄展｜青春」，更是安藤忠雄睽違16年在大阪舉辦的大規模個展。如同其展覽名稱，半個世紀以來，安藤忠雄始終站在第一線，仍懷抱著「青春」之心，奮戰不懈，而作為一名不斷挑戰的建築家，他所傳遞的人生訊息，也將為觀者帶來極大的啟發。

從挑戰的軌跡到安藤忠雄的現在

本展將分為「挑戰的軌跡（挑戦の軌跡）」與「安藤忠雄的現在（安藤忠雄の現在）」兩大區域，前者將完整介紹安藤忠雄過去的住宅、教堂、美術館等文化設施的代表性作品；後者將呈現其目前的建築作品，包含長期進行的「直島計畫（直島の一連のプロジェクト）」、以「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」為代表的歷史建築再生項目，以及如「童書之森（こども本の森）」的社會公益項目。

原尺寸重現「水之教堂」

值得一提的是，本展也將打造高達15公尺的沉浸式影像空間，引領觀者遊覽安藤忠雄的代表作，同時展場也將以原尺寸重現其早期經典之作「水之教堂」，讓人們能以五感體驗這件建築作品。此外，本展也將透過模型、影像與音樂裝置，呈現安藤忠雄與直島共同走過的37年軌跡。

安藤忠雄展｜青春
展期：2025年3月20日― 7月21日
展場：VS.（大阪市北区大深町6番86号 グラングリーン大阪 うめきた公園 ノースパーク VS）
休館日：毎週一；開館時間：10：00 - 18：00（五・六到 20：00）
票價資訊請點此

資料來源｜VS.共同事業体

2025年2月15日在双方藝廊登場的當代藝術聯展《質譯》（Material Metamorphosis），集結彼得．亨特納（Peter Gentenaar）、塩田千春（Chiharu Shiota）、橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）、劉文瑄、黃裕智、徐永旭等六位國內外藝術家，展覽聚焦於傳統創作媒材的轉化與延伸，探索材質與外在的對話。

6位藝術家突破對傳統材質的想像

當代藝術透過材質的轉化與創造，從繪畫、裝置到雕塑不斷延伸形式。《質譯》聯展中的藝術家們，以各自獨特的視角探索了材質、身體、空間與自然之間的關聯，展現藝術創造與觀念之間的豐富對話。 

▍劉文瑄

劉文瑄以開放自由的狀態進行創作，對「繪畫」與「繪畫性」重新認識與反思，專注於在平凡中挖掘抽象的詩意，並以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，體現當下的生命哲思。這次展出的作品延續了平面與空間結合的實踐，透過裁剪、折疊與黏貼等手工技術，將紙張從靜態的平面媒材轉化為結構豐富的藝術品。

作品《無聲的蜘蛛》靈感取自美國詩人華特·惠特曼的詩句，以生活中再普通不過的米粉為素材，將其細心拼接、編織成一張巨大的網，宛如蜘蛛耐心吐絲結網的過程。最終，這張網被塗上各種色彩，就像捕捉夢境的網一般，體現材質的轉化與情感的延展。

▍塩田千春

塩田千春（Chiharu Shiota）的作品以身體為核心，結合了行為藝術、身體藝術與裝置藝術。在創作過程中，塩田千春探索無形概念的意義，如記憶、創傷、死亡等，並透過這些跨越邊界的思考，試圖連結觀眾的情感，讓來自世界各地的人們都能產生共鳴。

本次展出的《State of Being》系列以層層交織的絲線構建出詩意〈Child’s Dress〉中的白色絲線包裹著一件白色洋裝，象徵純潔與開始，也暗示著結束與死亡；而〈Buddha〉則以黑色絲線環繞佛像，營造出如同記憶網絡般的靜謐空間，呈現出深刻的冥想氛圍。絲線的交織如同自然紋理，承載了時間的痕跡與生命的重量，將個體記憶轉化為宇宙性的沉思。 

▍黃裕智

黃裕智因喜愛多維造型在空間中舒展之態，突破工具與場域之限制，發展出「金屬編織」的表現手法，成為為個人創作語彙。堅硬的金屬因編織軟化身段，成為富有生命氣息之軟性雕塑，並與時間，與觀者產生多角互動之有機關係。

本次展出的作品同樣在細膩與強韌之間尋找平衡，看似柔軟輕盈的雕塑，實由金屬線多層交織而成，展現材質在剛與柔、輕與重的對話，構築出動態且充滿生機的空間氛圍。金屬在光線下微微閃爍，並隨著光影變化延伸至空間，仿若植物般自然生長，形成空間與觀者之間的有機互動，展現材質的柔韌與包容。

▍徐永旭

徐永旭強調身體與作品間的對話，以主體與身體融為一體的方式面對創作材質，藉由身體的知覺、觸覺與痛覺，透過按壓、捏塑等身體動作，賦予陶土有機的自由形態。經過不斷解構與建構，陶土表現出極為輕薄柔和的線條及形態，也形成了充滿反差的新觀點。

藝術家以絕對身體性的自發行為，轉化其生命經驗於作品中，材質經過身體性的轉移，彷彿一個生物的本能般，不斷交織與相疊，如同一種生之慾望的勃發，一種竄出與崢嶸的象徵。

▍橫溝美由紀

橫溝美由紀（Miyuki Yokomizo）擅長使用現成物製作極簡裝置，作品中往往可見時間、空間與光線的交互作用。近年來，她一直嘗試在平面畫布上結構出立體空間與裝置性，以此創造嶄新的視覺體驗。

透過雕塑化的繪畫手法，橫溝美由紀結合自然元素與藝術行為，展現出介於偶然與可控之間的張力。她在畫布上設置螺絲釘與細繩，將顏料以彈射的方式覆蓋，形成富有雕塑深度與光影流動的視覺效果，模糊了繪畫與雕塑的界限。

▍彼得．亨特納

彼得．亨特納（Peter Gentenaar）專注於植物纖維的自然特性，如麻、棉花和亞麻等。他研發出專門用來製作紙纖維的機器「Peter beater」，透過擊打纖維釋放出微小的纖維絲，當這些纖維絲在水中懸浮，並逐漸沉澱後，形成一張天然的紙張。

不同於傳統紙張的平整處理，亨特納讓材料保持其原有的植物纖維記憶，允許紙張纖維自然捲曲。他運用這樣的特性，以紙雕作品豐富的褶皺與紋理，模擬模擬自然界的地形與流水，突破了紙漿作為靜態媒材的限制，賦予其強烈的動態與生命感。 

《質譯》

展覽日期｜2025.02.15–2025.04.05
開放時間｜週二至週六12:00–18:00
展覽地點｜双方藝廊Double Square Gallery（台北市中山區北安路770巷28號）