獨一無二的城市策展

不同於博物館、美術館白盒子式的展覽型式，每年的臺南新藝獎得主出爐時，正是藝文愛好者起身動起來的時刻。在這段時間裡，別想偷懶地在單一一座藝術場館裡飽覽所有得獎創作，想要補充新興的藝文能量？你只能攤開地圖，穿梭位於台南巷弄之間的藝廊，一位一位地找尋與蒐集這些藝術家，加上路上偶遇的道地小吃和風格店舖，小心，原本僅安排兩天一夜的藝文旅行嚴重超時！

已屆 11 年的臺南新藝獎，連年以得獎藝術家串連城市中 10 家各具特色的在地重要藝廊空間，點、線、面融入城市美學的策展型式已是臺南新藝獎的獨特之處，然而重點卻不只如此。今年度，臺南新藝獎由策展人胡朝聖以「匯聚的分岔點」為題，於藝廊展出得獎作品的同時，策展人更應請能夠與得獎藝術家進行對話的藝術創作，讓來自各地的年輕藝術家得主，能夠一舉前進藝術產業的第一線，與當代在線的藝術家、藝廊、藏家和學界、媒體共同交流，直擊藝術產業的務實面向。

藝術與空間偶然又必然的搭配

「我的功能其實更像是發現與媒合的角色。」策展人胡朝聖說道。以凸顯得獎作品為主軸，作為台南新藝獎的策展人可不簡單，除了思考作品與藝廊空間在具體條件與抽象屬性能否配對及合作之餘，更要從海量的藝術家創作中找到在概念上與得獎作品交集的可能性，也增加作品的更多元的閱讀視角。

策展人以位於台南運河岸邊的水色藝術工坊為例說明，「水色的作品都與光有所關係。」水色藝術工坊坐擁明媚風光，在陽光照入大片窗景的兩層樓的空間中，二樓展出新藝獎得獎藝術家黃立穎的系列作品《奇石40》。《奇石40》系列作品在黑色基底的平面上，玩轉鉛筆石墨於其上經由光線照射所展現出的反光特性，形成落筆越多、密度越高之處，越發閃耀金屬光澤，使得超現實形體的怪狀奇石化為 3D 的立體維度，入眼的角度亦影響著作品帶來的視覺感受和經驗。

同樣在水色藝術工坊，一樓則展出邀展的日籍藝術家平川祐樹於 2023 年的錄像裝置新作《Shadow Play》。《Shadow Play》擷取日常樹幹、樹葉在微風搖曳的光影變化片段，由自然的觀察提煉並封存抽象且無形的時間。展出空間更反其道而行，擋住本該是空間看點的落地窗，使展間能夠散發出與作品相呼應的幽微質感，讓觀者從波光粼粼的河岸邊進入水色藝術工坊時，光線的變化彷彿走進了與外部截然不同的森林幽境。「所以每一件作品會選擇到哪個空間展出，都是我認為的『必然』，是在偶然的情況下最後產生的必然結果。」在經歷了 10 家藝廊的藝術家安排與展覽規劃後，藝術作品彼此之間與藝廊空間彷彿產生了交互作用，策展人胡朝聖感性地如此總結。

入主特色藝術空間的對話

改建自電信局廠辦的甘樂阿舍美術館，由曾英棟先生一手打造出展覽空間與藝術家工作室，也重新整理戶外庭園，保留一絲靜謐，也讓位於街巷旁的場域在進入其中後瞬間轉變氛圍，恍如有著大隱隱於市之感。溫潤的空間中，展出新藝獎得主古孟萱作品《島上的無危之人》，針對新聞、網路中戰爭與災難的圖像反覆拓撲，表現出如同傳統水墨畫的特質，遠看花鳥祥和，近看卻是嚴肅的社會議題碎片，帶出衝突與沖擊。同樣以黑白色調的平面作品呈現的邀展藝術家溫佳寧，則關注於媒體影像所塑造的女性身體形象，以變形、虛構、扮裝等方式，反思影像中所塑造的文化框架，兩者也將當代藝術巧妙的融入環境氛圍中。

回應時代與市場的學習

藝術家們藉由作品與空間和其他藝術家對話，也回應對於當今社會的想法，也透過越發多元且複合的媒材進行創作，成為錄像、裝置或數位的 NFT。藝廊當然也需因應時代，跳脫只為傳統平面畫作服務的作法。對此，臺南新藝獎也抱持著讓藝術家與藝廊相互學習的策展哲學。就如已有 30 年歷史，卻可說是台南最具包容性的藝術空間加力畫廊，在本次新藝獎展出年僅大四的藝術團隊 2ENTER 貳進的數位互動作品。交融網路數據資訊、動畫、遊戲引擎等元素，充滿時下語彙及當代符號，擁有前衛的概念、形式與呈現方式的創作，促使資深藝廊主理人與年輕藝術家必須坐下來共同討論展出的型式、販售方式；年輕藝術家也得以藉由主理人的經驗與人脈，學習向藏家自薦、定價策略、媒體公關互動等所有學校不曾傳授的藝術市場面向眉角。而這也是臺南新藝獎不同於如台灣其他大型藝術獎項的特點與價值所在，也是保有歷史文化的台南能夠持續擁有新意的關鍵。

自成一格——城市專屬代名詞

「台南經過時間累積的文化底蘊與美感本就有其豐富度，自成一格的藝文生態與經濟圈來自於早期仕紳家族的世代傳承與累積，而逐漸內化成一種城市的美學生活習慣，使台南的藝術產業調性並非大鳴大放，反而是能夠自給自足，在一座古老的城市裡撐起活絡的藝術產業運作。」策展人胡朝聖分享個人對於台南藝文圈的觀察與見解。已邁入下一個十年的臺南新藝臺獎，儘管相較台北獎、高雄獎、國美展等獎項年輕，卻不因資歷而落人後，而是如同這座歷史之城一般，自己走出一條其他城市難以在短時間內效法的獨特路徑。

| 2023 臺南新藝獎《匯聚的分岔點》| 

時間：3/16（四）- 4/16（日）

地點：加力畫廊、絕對空間、醉美空間、甘樂阿舍美術館、大新美術館、德鴻畫廊、藝非凡畫廊、水色藝術工坊、弎畫廊、索卡藝術

官網：http://next-art.tainan.gov.tw/

文字 | Diane Tang 圖片提供 | 臺南新藝獎

雕塑藝術家何宇森個展《骨骼與根莖》即日起至2025年4月12日於谷公館展出，展覽由8件全新雕塑與相呼應的架上創作組成。長滿細毛的面容、柔軟坍塌的側臉、如毛怪的不知名生物體、下肢與植物交纏的健美先生……，何宇森將消融的人體雕塑骨架與根莖意象結合，以寫實的手法，創造出現實世界裡的超現實人物，挖掘隱於形體之下的內在力量。

骨骼與根莖，糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑，雕塑在光和熱的作用下逐漸融化，形體慢慢消失，最終露出裡面的骨架。這個過程，好像是關於生命的，也好像是關於結構本身的。融化的一刻，骨架，或者說支撐結構，開始變得突出，成了形體最後的痕跡，成了某種持續的力量。

作品以金屬和樹脂為材料塑造，同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型，讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中，骨架和根莖之間慢慢滲透彼此，逐漸模糊了邊界；而翻模的過程，彷彿是一種記錄，將暫時性的形體固定下來，但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的，是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量，而不只停留在形體的表面。

「讓材料自己說話，塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特，他的創作聚焦於材料與形態之間的關係，藉由流體材料的液化與固化過程，探索雕塑材料與造型的不同樣態，並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能，試圖在自然與人工之間找到平衡。

他曾在展覽自述中寫道：「我喜歡讓這些材料自己說話，讓它們的重力、流動和凝固自然發生，像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點，作品像是從一根乾枯的花開始生長，不銹鋼骨架是其支撐；但創作過程中，何宇森讓流動的石膏與水混合，形成不可預測的狀態，讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物，而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神，讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長，表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達，時而纖細柔弱。

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes》

展期｜2025.03.01－04.12

地點｜谷公館（台北市松山區敦化南路1段21號4樓之2）

營業時間｜週二至週六 11:00－19:00，每週日、週一公休

在一部動畫中，背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在，但從2007年至今，德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域，將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本，而畫面中的建築，更是他關注的核心——這其中，是什麽讓他著迷？

20年前，世紀剛翻篇的2005年，Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引，但還想不到，除了現實世界，即將對自己敞開大門的，還有更深邃無邊的另一個次元。

當時，他渴望能停留更久，卻眼看要沒有經費，恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請，順勢成為研究助理的Stefan，人生初次接觸日本動畫，便奇妙地走進東京多家動畫工作室，走進動畫幕後製成的核心。

一次，在《攻殼機動隊》（1995）美術指導小倉宏昌的工作室，那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市，以原作手稿的方式鋪展在他面前，極其複雜細膩的畫工和細節布局，憑空創造出一個既真實又異質的世界，那一刻，Stefan強烈意識到，「它們不只是動畫中的功能性元素，本身就是了不起的藝術。」

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分，更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作，在動畫上映後似乎就這樣結束生命，Stefan動念，並在往後的日子漸漸確立方法：透過策展和出版，保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究，Stefan也開始特別在意起其中的「建築」，「建築不只是裝飾布景，更能傳遞出作品的世界觀，直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年，Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》，並促成同名書籍（中譯：《日本經典動畫建築：架空世界&巨型城市》）在2020年出版，收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片，空前地揭開了1988～2010年代日本科幻動畫經典的背後，美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品，多是賽博龐克題材與風格，何以選題？Stefan解釋，「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題，它們本身就是一種敘事工具，能體現人們對於現代化的焦慮，也探索人性與科技之間的交互作用，創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

Stefan舉例，導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒，在《攻殼機動隊》中，他大量使用標誌性的「純背景」畫面，其中的2040年代城市「新濱市」，混合了真實的香港市景和未來主義元素，「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀，讓人產生迷失感，營造疏離和脫節的氛圍，呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

而 《AKIRA》（1988）中，設定在2019年的城市「新東京」（Neo Tokyo），則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區，氛圍狂亂，同時呈現出「進步」和「崩潰」，反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮，也鏡射出電影「破壞與重生」的主題，其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》（2001），在人類與機器人共存的未來，導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置，「這種二元性反映出社會的不平等，也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析，「在其中，建築作為視覺意象，象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

從手繪到數位

Stefan坦言，自己迷戀的日本動畫，更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫，用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作，讓城市景觀除了敘事功能，更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起，數位工具興起，數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效，也提升了視覺的錯綜層次。他舉例，《大都會》和《惡童當街》（2006）便是混合手繪技術和數位工具完成，畫面前所未有地細膩，「不過，儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度，有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地，也正是我和許多合作藝術家（Stefan視動畫背景為一門藝術，也以『藝術家』稱背景美術師們）一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

有趣的是，Stefan曾問小倉昌宏，他是否能憑藉畫風指認出自己的作品？但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家，常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的，就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多！」Stefan感嘆，雖然繪者各有風格，但要在動畫中創造一個虛擬世界，是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作，往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作， 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上，小倉老師的不確定，恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出，這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一，也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異，「前者發展與眾不同的個人風格，而後者則必須抑制個人性，為作品創造統一的視覺語言。」

2021年，Stefan創辦Riekeles Gallery，致力提升動畫背景美術師的個人創作地位，強調其作品的技術性和藝術價值，同時獨家發行、販售高品質複製作，希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一，前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」，在那裡，他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋，目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題，是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力，但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀，畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品，如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光；畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品，6月將展出林孝輔的《謝謝你，在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》，他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展，將其首次帶至歐洲。

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中， 2023年於日本谷口吉郎．吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展，無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國，但不再以隱身動畫中的一個環節，而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享，當時許多日本動畫業內人士，包括部分原畫藝術家，都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者（outsider）的他觀察，相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本，來自異文化、特別是歐美的觀眾，更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品，能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時，他也以「做家務」比擬動畫建築的成功，「總是做得不夠好時，你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴，且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人，也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信，動畫建築富想像力又具功能性的設計，展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感，也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後，好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動？

「老實說，這麼多年都待在『反烏托邦世界』，我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後，《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是，他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴：「角色背後沉默的世界，才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築，就是Stefan提煉給大家的，走入那個世界的密碼。

Stefan Riekeles

策展人，專注於動畫藝術領域，2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery，致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut：Spaces and Visions in Japanese Animation」，是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽；2020年出版 《Anime Architecture》 一書，現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林，2022；美國，2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」（日本，2023）。

_{文｜李尤　圖片提供｜Riekeles Gallery}

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