近年來，嘉義隨著台灣設計展、台灣文博會嘉義館等文化盛事為人所知，而在逐步深入這座迷人小城之際，也有不少人發覺嘉義作為「木都」的悠久歷史。

從十大設計出發，將木器融入當代生活裡

原來，日治時期阿里山林場開發，帶動嘉義製材業及木材加工業發展，也為這座摩登小城贏得「木都」美名。如今，嘉義市政府文化局更推出全台首創、以木產品為重點的「優木良品」嘉義市木產品認證計畫，並邀請10組設計團隊，從嘉義小城的「產業」、「生活型態」、「自然景觀」等元素發想，透過複合材質的使用、加工技術的演繹，開發出令人耳目一新的10組木產品。

像是由國立嘉義高級工業職業學校室內空間設計科張永昌創作的「線譜分享椅」，以胡桃木、鵝掌楸為材質，透過好似五線譜的線條設計，將座椅由單人使用延展至雙人座椅，雙色木材搭配樂曲元素，更巧思獨具地展現木製座椅的結構特性；楊字民、張永昌作品「來嘉座」則以胡桃木、梣木為材質，以積層曲木技術製作出帶有螺旋形、之字型姿態的設計，讓人坐在椅上便彷彿乘坐阿里山林鐵般愜意；另一項令人驚豔的作品則是國立屏東科技大學木材科學與設計系侯博倫以梣木結合強化玻璃打造的「取山徑茶桌椅組」，將台灣山川、河谷的印象轉譯為優美曲線，也藉此呼籲大眾有效利用山林資源；同樣由嘉義山林風景出發的還有國立嘉義大學農業科學博士學位學程的謝婉婷、林翰謙設計的「眺望．阿里山」，其以檜木、桃花心木、柚木、台灣杉等國產材特有的紋理與豐富色彩變化，表現出山林景色的豐富迷人，更可成為書桌一隅最美的風景。

「木琴椅」、「線譜分享椅」「取山徑茶桌椅組」讓人看見木藝的多元。

透過設計與新意，讓更多人感受木藝的美好奧義

另一方面，「與與設計」石珉瑄、劉芯彤打造的「染香」則以見證嘉義木都風華的「欄間雕刻」為靈感，以胡桃木、貝殼杉、雞翅木、鋁合金、紅銅打造出典雅木藝品；「福樟良材木創工坊」的陳垣璋則同樣從嘉義文化特色發想，以嘉義作為管樂之都的概念出發，結合木琴及家具機能，設計出可作為樂器的公共家具；劉晨旭以胡桃木、山毛櫸、櫻桃木打造的「轉轉豬公」則以車木旋轉加工方式、可拆裝卡榫設計，製作出外型圓潤討喜的豬公撲滿，也帶有好運轉動、財富滾滾而來的吉祥寓意。

不只如此，南臺科技大學「物學與設計文化研究室」的王文雄則著眼於木材加工過程中所產生往往被焚化的大量邊角料，透過不同木頭邊角料的拼接，凸顯紅木、檜木、栓木等各類木頭的獨特紋理，再結合舊時常用的藤編，不僅凸顯了木藤材料的溫潤之美，也充分利用了珍貴的木料；至於「微一設計有限公司」的鍾立愷則以嘉義遠近馳名的火雞肉飯為靈感，以胡桃木、楓木、橡木、紅酸枝等鑲嵌拼接成身著紳士禮服的火雞，溫文儒雅的氣質正如蘊藉美好的小城嘉義。至於由「格子設計有限公司」林靖格操刀的「秩材」木製吊燈則以簡約半圓形、正方形木條交錯編排成「秩材」燈罩，藉以散發出溫暖光線，未來更可能延伸出菱形、橢圓形、梯形、三角形等不同造型。

這十項令人驚豔的設計為「優木良品」計畫揭開美好序幕，未來嘉義市政府文化局更將以此為平台，號召更多木產業設計工作者及業者加入。透過觸動人心的設計、細膩迷人的工藝推廣台灣木業，不僅延續木都的城市往昔，也讓木器融入當代生活裡，更讓人們感受到木器的迷人奧義。

文字 | Ling Hsu 圖片提供 | 嘉義市政府文化局

 攝影是一場不斷穿梭於內外的旅程，既是對外在人事物的觀察，也反應創作者內心思考的探索過程。以街頭攝影為核心出發的《IN & OUT 內外之間》攝影展，集結陳尚平、李威辰、Emily Hsieh 等三位台灣當代影像的作品，以多樣的創作手法探討街頭攝影的轉化歷程，由傳統方式拍攝至AI共創，直到室內情境的物化詮釋，更展現內外交界的思考。12/6（五）至12/15（日）於鬧空間 NOW space、鬧房間 NOW room 展出！

內外交錯與穿梭的街頭攝影旅程

《IN & OUT 內外之間》攝影展探究街頭攝影的本質，聚焦攝影師與觀者在內外之間的交融過程，主視覺以「隧道」為隱喻，不只象徵著鏡頭的通道，更表達由外在景物通往內在意識的過渡，因為由外而內、由內而外的旅程，始終體現於攝影師與觀者的思考行為之中。簡言之，街頭攝影應非僅是將外在現實捕捉入鏡，而是拍攝者經由篩選和內化的創作過程，將街景透過內在理解後，經由影像輸出為藝術語言；觀者凝視作品時，也猶如進入影像構成的隧道，交揉個人經驗與情感，最終轉化為近身思索與回應。從外部街景，到攝影師的內在視角，再到觀者接收後之意識游移，可說是一個內外穿梭、交互反饋的多重轉換歷程。《IN & OUT 內外之間》便呈現了三位影像藝術家對此歷程的各自辯證。

兩層樓共計逾 50 幅作品，帶來三種截然不同的風格創作，首先以傳統街頭攝影的形式，細膩觀察街頭外部環境，進而跨度至以街頭攝影實驗創作 AI 生成藝術，嘗試擴增內外跨界之間的維度，最後則進入室內情境，探究拍與被拍的物化歷程與主從哲學。亦以展覽動線規劃、子主題策展與別出心裁的作品演繹形式，一步步引領觀者游移於內外邊界之間，嘗試置身交會、過渡與對話的可能。

三大子題翻玩街頭攝影的創作形式 陳尚平《內外同框》

位於 3 樓鬧空間展出動線開端的是街頭攝影家陳尚平的作品，其創作方式最接近於傳統意義的街拍。陳尚平長期在台北街頭進行拍攝，並從事都市觀察，著有攝影書《我在台北放框框》等，也於新活水網站撰寫「毛邊意識」專欄。本次帶來超過 20張作品，以《內外同框》為題，從中可見對台灣都市環境的細膩觀察與其自身狀態的交織融合。

「我在街頭拍攝時，會不斷在兩種身分間切換：一是偏重於解析外境的城市觀察者，另一則是尋求影像內在意味的攝影者。這兩種視角初時各自獨立，但隨著時間推移卻也逐漸融合，難以分割」。因此，此次展出作品既呈現台北人的環境態度，也滲透了攝影師的內在，表達出內外同框的交疊。

李威辰《虛實之間》

李威辰則以城市與鄉村的生活經歷為靈感，帶來了具實驗性的嘗試。將自身街頭攝影的作品與 AI 生成影像逐步結合，提出「在虛擬世界中街拍」的概念，擴展街頭攝影的可能性。在本次展覽子題《虛實之間》中，11幅作品從原始街拍逐漸過渡至AI生成的街景、模特兒外拍圖像對比，呈現真實、虛擬至超現實的模糊邊界，賦予街拍攝影新的敘事與審美維度，進一步顛覆觀眾對影像的認知與詮釋。

Emily Hsieh《主從關係》

展覽由外而內的探索，也於展覽空間、動線與作品內涵中體現。策展人 Emily Hsieh 於 4 樓鬧房間再由挑戰性的方式切入街頭攝影，藉《主從關係》提出攝影行為與模特之間觀看與被觀看的關係，並將身體自主權作為創作的核心議題，呈現出影像創作中權力交替的微妙瞬間。「模特兒的身體在商業攝影中通常被視為展示商品的道具，攝影師也往往居於主導角色。但在這個創作過程中，我們希望透過交替與互換的關係變化，共同完成此系列作品。」

在本次展覽 18 件作品中，Emily Hsieh 邀請街頭攝影師林國喬 KC Lin進入室內情境合作拍攝，她既將身體化為物件，全權交付給攝影師的視角，而在拍攝後保有討論、挑選、認定作品等主導權，藉此形式挑戰傳統人像拍攝之主從關係的意圖，並於創作的基礎上深入探討身體、意志與視覺再現的邊界。

空間裡外、意識內外的反覆交錯

《IN & OUT 內外之間》藉由三位創作者的作品，引領觀者從外部的街頭世界進入攝影師的內在視野，並在觀看過程中完成個人化的詮釋。展覽選址於台北相機街廓，地點與攝影創作媒材間的互動成為意外的彩蛋，也可說是場域與影像的一場對話。不妨通過影像的「隧道」，進入攝影師的內在視角，並與自身經驗相互交織，感受由外到內再由內而外的深層共鳴！

《IN & OUT 內外之間》攝影展

時間：2024.12.6(五)-12.15（日）

地點：鬧空間 NOW space & 鬧房間 NOW room

（台北市中正區延平南路58號 3樓&4樓）

開幕座談：12.7（六)）14:00-15:00 《創作者三方對談》

展覽講座：12.14（六）14:00-16:00 
演講主題：陳尚平《內外同框》、李威辰《AI中的街頭攝影》

贊助單位：鬧工作室 NOW studio @nowstudio.tw

主辦單位：Emily Liu of Art 工作室 @emilyliu_of_art

《大美不言》展覽遵循主題性探索的脈絡，共展出96件國立故宮博物院藏品、80件裝飾藝術博物館藏品和85件Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏珍品，透過傳統工藝的豐富內蘊，令觀者毋須依賴文字或語言來傳達意義，而是藉由視覺、情感與心靈的共鳴，感受設計背後的美學哲思，展現藝術無國界的雋永魅力。

「大美不言」出自《莊子・知北遊》，談天地間有自然之美，四時交替、萬物榮枯、都有定序，但卻不必言語。惟自然之美有其時空環境，未必可以隨時再現或任意轉移，於是人們取材如珍珠、珊瑚、琥珀、珍貴寶石及金屬礦物，透過藝術家的修飾與雕琢，成為可以隨身佩帶的珠寶及裝飾藝術。

本次展覽所規劃5個主題單元：「自然萬物」展示取法自然並以自然萬物為藍本的作品；「動靜有形」呈現動感與活力的設計；「奇幻仙境」則構築奇幻天地；「神祕莫測」揭示作品中隱藏的驚喜與奧祕；「五彩繽紛」展現製作上的色彩運用與巧妙技藝。《大美不言》特展更是國立故宮博物院國際合作的重要里程碑，同時開啟故宮百週年院慶的展覽，於台北及嘉義接力舉行。在獨有沉浸式氛圍的展場中，還可以體驗色彩之極致應用，透明玻璃及壓克力展台，營造出展件漂浮於空間中的視覺效果，在充滿色彩又晶瑩剔透的環境中，欣賞與感受作品之美。

自然萬物

第一個展區中，藝術家致力於再現動植物的美麗與和諧，瞬息萬變又亙古長存，脆弱嬌嫩與強大並存。花卉於東方文化傳統中經常用以象徵季節——梅花代表嚴冬、蘭花喻示春意盎然、蓮花象徵夏日盛景，而菊花則象徵秋高氣爽。故宮院藏〈剔紅菊花圓盤〉、〈銅胎畫琺瑯菊花紋方壺〉正是運用後者作為主要裝飾元素，圓盤正面雕刻5朵菊花，線條奔放有致，裝飾華麗，營造出生機盎然的視覺效果。茶壺則施以釉面抑或雕塑，均勻遍布呈現這種花卉，並列這兩件藝術品，便不難發現單一題材如何透過多樣的創作手法，呈現截然不同的藝術效果。

再看到巴黎裝飾藝術博物館館藏〈摺疊屏風〉、〈伊勢形紙〉，菊花與長壽的概念有密切關聯，亦與日本藝術備受崇敬的季節之一——秋天，密不可分，是裝飾藝術中常見的題材。在這些型紙上，花朵逼真的特寫，映襯著茂密的葉叢，捕捉花瓣在微風中飄逸婆娑的動態美。而屏風則於一面配飾山水圖景，另一面則繪有各式菊花。據說這面屏風很可能在1889年的巴黎萬國博覽會上展出，是日本首次參與的西方國際盛事。而使用了Van Cleef & Arpels梵克雅寶於1933年獲取專利的Mystery Set隱密式鑲嵌技術，〈CHRYSANTHEMUM胸針〉設計於上層採用黃K金隱密式鑲嵌紅寶石，下層則以鉑金鑲嵌鑽石，完美捕捉菊花綻放之美，並展現獨特紋理與細節，體現梵克雅寶卓越非凡的工藝造詣。

動靜有形

藝術作品如何以獨特方式展現輕盈活躍的生命力？此展區的51件作品體現藝術家出色的工藝，運用材質、技法和巧奪天工的機關，栩栩如生地表達動感效果。故宮院藏〈端石海天浴日硯〉儘管尺寸不大，整件作品的雕刻深淺起伏疏密有致，令渦流波瀾富有韻律感，起伏滾動的流線形塑造洶湧澎湃、氣勢磅礡的海洋氣勢。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈向竇加致敬雕塑〉，則為玻璃藝術大師Matei Negreanu巧妙玩轉運動的物理面向、非物質面向與無形的面向，營造形式與空間之間搖搖欲墜的平衡，他獨特的創作手法流露在作品表面流轉的光影效果、霧面質 感與半透明的特質，在80年代的法國玻璃工藝界別樹一幟。

而自1906年以來，Van Cleef & Arpels梵克雅寶便憑藉對黃金精湛的駕馭能力，以多樣的手法塑造作品的紋理與細節。〈煙盒〉上綴飾的起伏紋路，或稱「璣鏤雕花」（guilloché）工藝，乃是透過在黃金表面刻劃密集平行的波浪紋，營造出光影變幻的浮雕效果；時至70年代，〈歐普藝術御門手鐲〉運用「米蘭網」（Milanese mesh）工藝，於作品表面進行壓模處理，呈現錯落有致的波浪紋路，彷彿泛起了陣陣漣漪。

奇幻仙境

此展區共34件作品皆生動展現居住於夢境的奇形動物、奇美拉與混合生物的形態與符號，隨著時代與文化的演變而不斷蛻變。故宮院藏〈朱碧山款「張騫乘槎」銀槎〉指涉的正是漢代探險家張騫的故事，運用空心樹幹的形象描繪張騫從天界返回時乘坐的著名木筏。這件作品以簡潔流暢的線條雕琢乾燥樹幹的紋理，彰顯人物的平滑面容。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈蓋碗〉由法國銀匠Jean-Baptiste Odiot於1819年製造，握把上兩位身披羽翼的女性造型，象徵著羅馬女神維多利亞，支座還綴有羽冠獅頭裝飾與棕櫚葉紋。Odiot為這類蓋碗創造多款握把，蛇形和天鵝造型便是其二，包括此類蓋碗的大型餐具系列，為法國餐具工藝帶來卓著聲譽。

2010年的〈LUNA長項鍊〉，採用隱密的機關設計，可拆卸單獨作為胸針佩戴，它出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶「Les Voyages Extraordinaires」主題高級珠寶系列，影射了法國作家儒勒・凡爾納的小說《海底兩萬里》，講述尼莫船長和他的船員在潛艇「諾第勒斯號」內探索深海的故事。玉髓、月光石、黑色蛋白石和縞瑪瑙，營造一系列淡雅和深邃的漸層色調，彷彿海底世界的深邃無垠，彈奏豎琴的娜伊亞德女妖圖案凝聚了整件作品，鑽石琴弦宛如水滴般閃爍。

神祕莫測

即便一件實用物品的功能看似一目瞭然，但仍可能蘊藏一些奧妙玄機之處和鮮為人知的工藝技術，這個展區中的28件作品，件件都在挑戰觀者的視角。根據記載，乾隆皇帝在他的宮殿內擺設眾多如故宮院藏〈竹黃貼花百什件〉的奇趣盒，作品以竹片拼貼而成，集美觀與實用於一身，其採用多層隔間的設計，並在側面設有隱藏抽屜，用於存放各類物品，如鼻煙盒、扇子、玉器、瓷器等。打開這件百什件，猶如揭開一則祕密，工匠巧妙設計一種既能保護、又能展示這些藝術品的神祕奇趣盒。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈文件櫃與座椅成套的辦公桌〉，由建築師兼室內設計師雅克・阿德內特（Jacques Adnet）設計。黃銅裝腳模仿竹子的輕盈，呈現X型，不只增強結構強度，亦反映出亞洲藝術的影響，突顯當時法國傳統風格的地位，也令人想起18世紀典型的女用書桌「bonheur du jour」。

另外，於1933年獲得專利的百寶匣（Minaudière），是結合精緻美學和實用性的長形方盒，可收納粉餅、唇膏、梳子、香煙等。1935年的〈CURL百寶匣〉在邊緣內設有隱藏的鏡子和腕錶，隔層設計令人聯想到Walter Gropius和Eileen Gray等現代主義者的作品，而這些作品於蓋子上的裝飾：鐫刻的金色圖案、鑲嵌細工或漆飾，皆如此件設計，展現了豐富多樣的珠寶藝術，以及亞洲裝飾藝術對世家的影響。

五彩繽紛

色彩可忠實再現自然界最細微的暈影，也能為想像賦予生命，第五展區的81件作品，展示裝飾藝術的領域中，隨著技術和材質的演進，色彩光譜不斷發展的方式。故宮院藏〈碧璽佩〉、〈碧璽雙耳瓶〉、〈玻璃碗〉、〈紫水晶鐲〉、〈胭脂紅彩杯〉，其中有3件作品的色彩源自礦物質，而另外2件碧璽作品，則以精湛的鐫刻工藝見長，打造如意、蝙蝠、龍等圖案。玻璃碗的金紅色，是經由燒製前於紅色染料中，加入金粒呈現出的效果，而白色的部分則是透過琺瑯層打造，其中晶瑩透亮的粉紅色是這件作為酒器的玻璃碗，獨樹一格的罕見特色。

蛋白石水晶由骨灰、錫和砷組成，是19世紀法國水晶製造業的一大創新技術，而採用蛋白石水晶製造的產品，稱為「類蛋白石」（opaline），一推出即廣受歡迎。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈戒指座〉點綴著小飾瓶的戒指架，充分展現當時生產作品琳瑯滿目的色彩：源自白蠟或砷的白色、金鹽的粉紅色、銅氧化物的藍綠色，以及銻的黃色。

20年代和30年代Van Cleef & Arpels梵克雅寶將目光轉移至紫水晶和石英等寶石，〈猴飾桌鐘〉上有著一隻環抱幼猴的紫水晶靈猴，停憩於縞瑪瑙和黃K金組成的分層圓形底座上，而時間則顯示在長方形的開口處，周圍環繞著琥珀砌成的菱形圖案，點綴閃爍鑽石；結構整齊、具幾何造型的〈煙具套組〉皆由玫瑰石英製成，火柴盒採用黃K金點綴，鑲嵌凸圓式車工藍寶石，呈現強烈對比的色彩，呼應了30年代的建築和室內設計的風格。

《大美不言》展覽經由多元的藝術形式，展示了無言之美的力量。這種美不依賴於語言的敘述或解釋，而是透過視覺與心靈的雙重感知，觸動觀者的內心深處。展覽的每一件作品都是一個靜謐的世界，等待著觀者以心靈去感受與體驗，正如「天地有大美而不言，四時有明法而不議，萬物有成理而不說」，真正的美隱於無聲無形之中，卻直擊人心。

焦點展品一次看！

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉——國立故宮博物院／陶瓷，清　乾隆皇帝（1736-1795）

此件乾隆時期瓶器的結構特別複雜，由4個相互銜接的旋轉部件組成。瓶身裝飾極為豐富，繪有五彩祥雲紋、紅色蝙蝠、如意紋（雙環相向纏繞，末端對稱）以及蓮花和芭蕉葉紋。裝飾輔以精緻的鏤空，形成兩對雙龍攫持蓮花和靈芝的圖案。這些不同的裝飾元素在瓶身旋轉中層疊交錯，變化繁複。此件作品的工藝技巧、機關裝置以及裝飾圖案，概括本次展覽的5大主題。

〈布洛瓦帶蓋長頸壺〉——巴黎裝飾藝術博物館／瓷器、琺瑯、鍍金，法國塞弗爾國家瓷器廠（1736-1795）

這件來自布洛瓦的長頸水壺是19世紀法國奢華製品上乘之作。當時塞弗爾國家瓷器廠將餐具等物品供應至整個歐洲，並受到法國文藝復興的啟發，揉合卓越的技術專長和知名藝術家才華。壺的底色和堆花裝飾（pâte-sur-pâte）手法則受到亞洲陶瓷的啟發，展現製造廠探索工藝的技術。

〈Zip項鍊〉——巴黎裝飾藝術博物Van Cleet & Arpels Collection／黃金、鉑金、祖母綠、鑽石（1952）

前衛的〈Zip Van〉項鍊出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶開創性的設計，靈感源自飛行外套和軍服上的拉鍊，後來於30年代時引入時裝設計。世家洞悉時尚動態，巧妙將此設計機制運用於珠寶創作。此項鍊於1938年獲得專利，1950年出產，其中滑動自如的流蘇式拉鍊頭，使得這件作品具備多樣佩戴方式，拉開時可做項鍊佩戴，拉闔時則可轉換為手鍊。這件1952年製的〈Zip〉項鍊，綴飾著由黃金製成的心形圖案，並點綴祖母綠寶石和鑽石，流露動感與神祕感，充分展現出世家所擅長的可轉換式珠寶的設計與偏好。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》