攝影搭旋轉,用鏡頭創造宇宙星團!林炳存個展《蒼藍小點》探索萬物起源的輪廓

攝影搭旋轉,用鏡頭建構出宇宙星團!林炳存個展《蒼藍小點》呈現萬物起源的輪廓

看了文章首圖如宇宙神秘星團的畫面,你會想到什麼?其乍看如Midjourney產出的超現實風格影像,由AI接收精準的指令、對焦網路上的資料庫後生成,其實不然。這是攝影師林炳存全新系列作品——《蒼藍小點》,由他親手拿著相機,以人、石、水、植物4大元素為拍攝對象,經過無數次本人或物件「旋轉」,也仰賴數十年來當專業攝影師所積攢的測光經驗,不停實驗而成,過程中充滿近乎職人工藝式的專業與堅持。

蒼藍小點 - 人(八)  Pale Blue Dot - Human (8)
蒼藍小點 - 人(八)。(圖片提供:林炳存)

從商業攝影師到攝影藝術家

說到林炳存,許多人會想到他為國內外名人拍攝的人像作品——從70年代女神林青霞、崔苔菁的美好姿態;當代國內外實力派演藝人如張惠妹、全智賢、伍佰等的氣勢神情;再到舒淇與馮德倫拍婚紗的浪漫身影,都被他的鏡頭捕捉,並永遠留下。談到攝影,林炳存說能將興趣發展為事業無疑令人興奮,但耕耘攝影多年,他感受到商業攝影的「被動」,於是回歸自我、將個人念想注入作品,投入藝術攝影,探討更廣闊的攝影創作可能。

林炳存個人照01
攝影師林炳存。(圖片提供:林炳存)

個展展出中!攝影新作《蒼藍小點》以鏡頭想像宇宙起源

在最新作品《蒼藍小點》中,林炳存以宇宙為發想,將人體、山石、水、植物拍出猶如宇宙天體的奇幻面貌。林炳存說,《蒼藍小點》的起源是一場詭異的夢——夢裡存在飛碟、外星人,一旁卻是熟悉的街景與日常。聽來詼諧,但這場夢卻讓他開始思索——每個生物的眼球構造都不同,那麼在看到事物後的想法也會相異;換句話說,每一生物的眼裡,都存在著專屬自己的微縮宇宙,而宇宙沒有天南地北的邏輯,萬物多以「圓」的型態存在著。


「時間是相對的,我們雖然不斷前進,
在時間眼裡,我們卻是靜止不動。」 —林炳存

蒼藍小點 - 植物(五)  Pale Blue Dot - Plant (5)
蒼藍小點 - 植物(五)。(圖片提供:林炳存)

蒼藍小點 - 人(十)  Pale Blue Dot - Human (10)
蒼藍小點 - 人(十) 。(圖片提供:林炳存)

蒼藍小點 - 石(二)  Pale Blue Dot - Stone (2)
蒼藍小點 - 石(二)。(圖片提供:林炳存)

對林炳存來說,這個「圓」是「原」,同時也是「源」,於是一系列看似神秘星團、既為具象也為抽象的攝影作品誕生,呈現了他想象中萬物分子起源的輪廓。為了呼應這個想法,林炳存特別以NASA航海家一號從64億公里外的太空所拍攝到的地球照片「Pale Blue Dot」為發想,來為此系列作品命名,而即日起至2023年5月21日,同名展覽《蒼藍小點》在他位於台北內湖的私人攝影棚「ABOOK STUDIO」展出,現場集結19件尺幅多元的攝影創作。

林炳存個展蒼藍小點展場照02(photo credit_ABOOK STUDIO)
林炳存個展《蒼藍小點》展場照。(圖片提供:ABOOK STUDIO)

拍攝幕後:流動線條、奇幻色彩背後的秘密

創作《蒼藍小點》時,林炳存暫時拋開以底片及暗房為基底的慣用手法,展開投身藝術攝影後的首次全數位創作。畫面中被攝物難以描述、極為神秘的線條與色彩,由林炳存以長時間曝光搭配「旋轉」方式實驗而來,怎麼個轉法?創作過程中,他嘗試過把物件擺在轉盤上轉、讓相機轉,或自己直接在拍攝現場轉起來。

每次按下快門的結果都帶有一定程度的未知——他可以透過控制旋轉的角度、速度去想像成品,卻無法完全掌控最終畫面,且拍攝當下認為最理想的瞬間稍縱即逝,所以觀眾在展覽現場看到的作品,可以說是直覺、經驗和耐心的總和。

蒼藍小點 - 水(一)  Pale Blue Dot - Water (1)
蒼藍小點 - 水(一)。(圖片提供:林炳存)

相較於線條的不可控,色彩對林炳存來說相對容易掌握,因為擁有多年商業攝影經驗,且對於光線調控的技巧已爐火純青,這讓他單看拍攝對象或物件本身,就能夠清楚成品的色彩走向。

在這場攝影師、鏡頭、模特與物件的旋轉實驗中,相機在林炳存手中彷彿成為畫筆,繪出充滿流動感的影像軌跡。即使是靜態攝影作品,仍充滿宇宙獨有的生命能量,帶有令人忍不住想窺探的神秘吸引力。

林炳存個展蒼藍小點展場照03(photo credit_ABOOK STUDIO)
林炳存個展《蒼藍小點》展場照。(圖片提供:ABOOK STUDIO)

我們該如何理解《蒼藍小點》?

投入攝影多年,從人像商業攝影拓展至藝術創作,林炳存逐步跳脫具象形體的框架,在《蒼藍小點》更跟隨夢境的啟發,透過攝影追尋萬物的無形之姿,嘗試探尋鏡頭、人、物之間最原始的關係。因此,他特別不為《蒼藍小點》系列作品命名,而單純以被攝物標示,期待觀者自行發揮想像力,去思考影像的圓/原/源點是什麼?這非既定印象中攝影的視覺效果背後,有著什麼樣的物件,又堆疊了哪些動作與技法?看完展覽,也許每個人的眼中,都能窺見自己的微縮宇宙;也或者,看見的不是宇宙也無妨。無論如何,《蒼藍小點》都提供了一種看到本質及體驗世界的新方式。

蒼藍小點 - 植物(四)  Pale Blue Dot - Plant (4)
蒼藍小點 - 植物(四)。(圖片提供:林炳存)

蒼藍小點 - 人(四)  Pale Blue Dot - Human (4)
蒼藍小點 - 人(四) 。(圖片提供:林炳存)

蒼藍小點 - 人(九)  Pale Blue Dot - Human (9)
蒼藍小點 - 人(九)。(圖片提供:林炳存)

同場加映:伍佰看《蒼藍小點》

・一個又一個異世界

展覽開幕當天,林炳存多年的合作夥伴兼好友伍佰也親臨展場,兩人拋開平日身份,單純以攝影愛好者的角色,展開一場交流攝影與藝術的對談。現場,伍佰分享了《蒼藍小點》觀後感,「一開始用手機看,以為是一顆又一顆的寶石;看到實品,每張(攝影作品)都是一個異世界。」這也讓他想起過去與林炳存的合作經驗,「拍照時,他很喜歡用不同的語調喊『好』,那會讓人達到一個自信、釋放自己的境界,把人帶進他的異世界。」有幾次少了幾聲「好」,伍佰反而覺得是不是哪裡出了問題?

林炳存老師、伍佰老師(photo credit_ ABOOK STUDIO)
林炳存老師、伍佰老師。(圖片提供:ABOOK STUDIO)

・展場的選址巧思

曾多次到ABOOK STUDIO拍攝的伍佰也特別提到,《蒼藍小點》展覽選在這裡舉辦很有意思,「台灣八成的明星都來這裡拍過照,當人們在這看展,就會知道我們曾經在這裡工作,很妙,就好像我在我的錄音室辦演唱會。」而策展人林采頤也補充,這座攝影棚紀錄了藝術家本人的創作脈絡,且《蒼藍小點》也是在此拍攝,當觀眾置身其中,彷彿重回拍攝現場;此外,佈展時特意讓作品「發散式」排列,並搭配林炳存親選、氛圍寧靜幽謐的背景音樂,希望讓沈浸感更為深邃,讓觀者有種置身星系之中的感受。

林炳存個展蒼藍小點展場照01(photo credit_ABOOK STUDIO)
林炳存個展《蒼藍小點》展場照。(圖片提供:ABOOK STUDIO)

最後,伍佰也幽默對兩人的攝影風格做了收束,「藝術本身不是重點,『追求藝術』的過程才是重點——只是他在棚外、我在戶外,因為他會打光、我不會,他是找到的、我是矇到的。」5月21日前,不妨到《蒼藍小點》展覽現場沈浸於林炳存循著奇異夢境引領、神遊宇宙後,透過雙手與雙眼找到的光。


林炳存最新創作《蒼藍小點》 特展

展期|2023年5月5日至21日

時間|11:00-19:00(週一休息)

地點|ABOOK STUDIO

地址|台北市內湖區港墘路221巷39-1號 

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何宇森個展《骨骼與根莖》展覽現場。(圖片提供:谷公館)
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何宇森,《樁接》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,21x18x23cm/何宇森,《裂接》,2024,鋼鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,18x15x37cm。(圖片提供:谷公館)

骨骼與根莖,糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑,雕塑在光和熱的作用下逐漸融化,形體慢慢消失,最終露出裡面的骨架。這個過程,好像是關於生命的,也好像是關於結構本身的。融化的一刻,骨架,或者說支撐結構,開始變得突出,成了形體最後的痕跡,成了某種持續的力量。

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何宇森,《皮接 2》,2025,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,15x18x26cm。(圖片提供:谷公館)

作品以金屬和樹脂為材料塑造,同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型,讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中,骨架和根莖之間慢慢滲透彼此,逐漸模糊了邊界;而翻模的過程,彷彿是一種記錄,將暫時性的形體固定下來,但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的,是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量,而不只停留在形體的表面。

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何宇森,《皮接 1》,2024,玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,38x23x81cm。(圖片提供:谷公館)

「讓材料自己說話,塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特,他的創作聚焦於材料與形態之間的關係,藉由流體材料的液化與固化過程,探索雕塑材料與造型的不同樣態,並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能,試圖在自然與人工之間找到平衡。

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何宇森,《疊接》,2024,鋁、鐵、玻璃纖維強化塑膠、汽車清漆,58x56x120cm。(圖片提供:谷公館)

他曾在展覽自述中寫道:「我喜歡讓這些材料自己說話,讓它們的重力、流動和凝固自然發生,像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點,作品像是從一根乾枯的花開始生長,不銹鋼骨架是其支撐;但創作過程中,何宇森讓流動的石膏與水混合,形成不可預測的狀態,讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物,而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神,讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長,表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達,時而纖細柔弱。

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何宇森《南方雪》系列作品。(圖片來源:谷公館官方網站)

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes

展期|2025.03.0104.12

地點|谷公館(台北市松山區敦化南路1214樓之2

營業時間|週二至週六 11:0019:00,每週日、週一公休

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

無聲卻不沉默!二次元的建築,本身就是敘事者:專訪動畫藝術策展人Stefan Riekeles

在一部動畫中,背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在,但從2007年至今,德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域,將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本,而畫面中的建築,更是他關注的核心——這其中,是什麽讓他著迷?

20年前,世紀剛翻篇的2005年,Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引,但還想不到,除了現實世界,即將對自己敞開大門的,還有更深邃無邊的另一個次元。

當時,他渴望能停留更久,卻眼看要沒有經費,恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請,順勢成為研究助理的Stefan,人生初次接觸日本動畫,便奇妙地走進東京多家動畫工作室,走進動畫幕後製成的核心。

一次,在《攻殼機動隊》(1995)美術指導小倉宏昌的工作室,那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市,以原作手稿的方式鋪展在他面前,極其複雜細膩的畫工和細節布局,憑空創造出一個既真實又異質的世界,那一刻,Stefan強烈意識到,「它們不只是動畫中的功能性元素,本身就是了不起的藝術。」

《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》(1995)場景NO.683。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分,更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作,在動畫上映後似乎就這樣結束生命,Stefan動念,並在往後的日子漸漸確立方法:透過策展和出版,保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究,Stefan也開始特別在意起其中的「建築」,「建築不只是裝飾布景,更能傳遞出作品的世界觀,直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年,Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》,並促成同名書籍(中譯:《日本經典動畫建築:架空世界&巨型城市》)在2020年出版,收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片,空前地揭開了1988~2010年代日本科幻動畫經典的背後,美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品,多是賽博龐克題材與風格,何以選題?Stefan解釋,「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題,它們本身就是一種敘事工具,能體現人們對於現代化的焦慮,也探索人性與科技之間的交互作用,創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
《AKIRA》場景NO.2211,2019年重建於東京灣上的反烏托邦都市「新東京」,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1988 MASH • ROOM / AKIRA COMMITTEE All Rights Reserved)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan於2020年出版的著作《Anime Architecture》,在他的不懈拜訪和說服下,成功收錄近400張動畫珍貴草稿與幕後影像;收錄作品的年代,多落在Stefan認為是動畫背景手繪藝術巔峰期的1980∼2000年代。(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan舉例,導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒,在《攻殼機動隊》中,他大量使用標誌性的「純背景」畫面,其中的2040年代城市「新濱市」,混合了真實的香港市景和未來主義元素,「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀,讓人產生迷失感,營造疏離和脫節的氛圍,呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)
《攻殼機動隊》場景NO.341,小倉宏昌筆下的2040年代城市「新濱市」,是座混合了真實的香港市景和虛構未來元素的迷失之城。(圖片提供:Riekeles Gallery © 1995 Shirow Masamune / KODANSHA • BANDAI VISUAL • MANGA ENTERTAINMENT.All Rights Reserved.)

而 《AKIRA》(1988)中,設定在2019年的城市「新東京」(Neo Tokyo),則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區,氛圍狂亂,同時呈現出「進步」和「崩潰」,反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮,也鏡射出電影「破壞與重生」的主題,其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》(2001),在人類與機器人共存的未來,導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置,「這種二元性反映出社會的不平等,也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析,「在其中,建築作為視覺意象,象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

《大都會》背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)背景概念手稿,草森秀一繪,故事設定在人類與機器人共存的未來,是個烏托邦和工業化的反烏托邦並置的世界。(圖片提供:Riekeles Gallery © 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)
《大都會》(2001)場景12,第7cut,成品版背景。(圖片提供:Riekeles Gallery© 2001 TEZUKA PRODUCTIONS / METROPOLIS COMMITTEE. All Rights Reserved.)

從手繪到數位

Stefan坦言,自己迷戀的日本動畫,更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫,用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作,讓城市景觀除了敘事功能,更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起,數位工具興起,數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效,也提升了視覺的錯綜層次。他舉例,《大都會》和《惡童當街》(2006)便是混合手繪技術和數位工具完成,畫面前所未有地細膩,「不過,儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度,有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地,也正是我和許多合作藝術家(Stefan視動畫背景為一門藝術,也以『藝術家』稱背景美術師們)一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

(圖片提供:Riekeles Gallery)
Stefan參訪小倉宏昌的工作室,藝術家本人正翻閱與分享其手稿;Stefan目前正進行的最大計畫即是出版其職業生涯的大型專著。(圖片提供:Riekeles Gallery)

有趣的是,Stefan曾問小倉昌宏,他是否能憑藉畫風指認出自己的作品?但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家,常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的,就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多!」Stefan感嘆,雖然繪者各有風格,但要在動畫中創造一個虛擬世界,是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作,往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作, 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上,小倉老師的不確定,恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出,這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一,也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異,「前者發展與眾不同的個人風格,而後者則必須抑制個人性,為作品創造統一的視覺語言。」

2021年,Stefan創辦Riekeles Gallery,致力提升動畫背景美術師的個人創作地位,強調其作品的技術性和藝術價值,同時獨家發行、販售高品質複製作,希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一,前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」,在那裡,他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋,目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題,是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力,但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀,畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品,如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光;畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品,6月將展出林孝輔的《謝謝你,在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》,他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展,將其首次帶至歐洲。

《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)
《魔女宅急便》場景NO.141, 以斯德哥爾摩為原型的海港小鎮科里克市全景,大野廣司繪。(圖片提供:Riekeles Gallery© 1989 Eiko Kadono - Studio Ghibli - N)

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中, 2023年於日本谷口吉郎.吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展,無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國,但不再以隱身動畫中的一個環節,而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享,當時許多日本動畫業內人士,包括部分原畫藝術家,都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者(outsider)的他觀察,相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本,來自異文化、特別是歐美的觀眾,更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品,能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時,他也以「做家務」比擬動畫建築的成功,「總是做得不夠好時,你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴,且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人,也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信,動畫建築富想像力又具功能性的設計,展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感,也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後,好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動?

「老實說,這麼多年都待在『反烏托邦世界』,我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後,《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是,他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴:「角色背後沉默的世界,才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築,就是Stefan提煉給大家的,走入那個世界的密碼。

(圖片提供:Riekeles Gallery)
(圖片提供:Riekeles Gallery)

Stefan Riekeles

策展人,專注於動畫藝術領域,2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery,致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut:Spaces and Visions in Japanese Animation」,是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽;2020年出版 《Anime Architecture》 一書,現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林,2022;美國,2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」(日本,2023)。

文|李尤 圖片提供|Riekeles Gallery

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看?》

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