在喧囂台北，我們都嘗試圈起一方之地，在其中找尋屬於自己的幽靜，覓得自己眼中才能看見與感受、最感自在的城市樣貌。1999年，法籍攝影師余白Hubert Kilian從巴黎來到台北，他透過走訪街坊巷弄，找尋自己在陌生城市的生存之道，也藉由攝影捕捉心目中的台北之美。來台二十幾年，余白從攝影記者發展為攝影藝術家，出了《臺北原味》與《臺北之胃》兩本攝影集，一張張黑白與彩色相片框起了新舊交錯的街景、斑駁磚瓦、人情味流溢的市場、巷弄間飄香的小吃攤販⋯⋯等市井日常，演繹城市生命力與光陰流動下的生活之味，他從中看見了台北的複雜、混濁及難以定義，卻也發現了城市角落中隱晦的優雅。

要把一座城市當成家，先找到喜歡它的方式

聊起從法國來台的回憶，余白還清楚記得飛機在桃園機場落地的那一天——1999年10月4日。在這之前，他在巴黎待了15年，大學期間從法律系轉戰中文系，也對兩岸關係頗有研究，選擇來台灣是為了學習中文，最後留下定居是為了愛人和家庭。台北和巴黎非常不一樣，余白說要把一座城市當成家，就必須找到一個喜歡它的方式，於是他開始在閒暇時漫遊台北，拿著相機展開探索。

成為專職攝影師之前，余白做記者。無論是社會紀實或街拍，都十分仰賴持相機者的觀察與專注力，或許這也是余白對生活數十年的台北很有心得的原因之一，「台北不像紐約、東京、巴黎有很明確的風格和美，台北是混濁、複雜的。」紐約摩登、東京絢爛、巴黎浪漫，那說到台北，我們會想到什麼？余白回憶自己在巴黎生活時，是個習慣以深色打扮、對外性格冷漠的人，他認為因為這個城市很「完整」，反而令人難以跟城市產生對話；但台北恰恰相反，因為還難以被某種象徵性的風格定義，「所以每個人都可以用自己的方式去定義這座城市的美。」

一座沒有過去也沒有將來的城市

那余白的方式是什麼？他將對台北的觀察，濃縮在攝影集《臺北原味》與《臺北之胃》當中，透過影像留存台北不顯眼卻存在的美麗。其中，《臺北原味》呈現日間的街景氣息，黑白影像紀錄許多已不復存在的街頭記憶，引領觀者墜入不同時空，品嘗藏於其中的雋永之味；《臺北之胃》收錄了更深入巷弄的夜晚徒步尋訪——霓虹閃爍慢舞於水泥地上、小販招牌的微弱光源蔓延至街巷轉角，耳邊時而竄入街坊鄰居的閒聊話語，故事感深厚。

偏愛捕捉市井生活的碎片，對余白來說並非偶然，其實與他長期關注都市更新議題有關。都更會大規模、劇烈地影響居者的生活，時常夾帶著要迎新或存舊的兩難局勢，而來台的二十多年間，余白也親身體會到老台北的消逝，「台北一直在改變，像是一座沒有過去也沒有將來的城市。」所以他喜歡用黑白影像紀錄台北，刻意不讓觀者去猜、去想照片是哪一年拍的。

當照片褪去色彩，留下的是瞬時的景色和情緒，直觀地呈現了人們如何體驗台北？又如何在窄小的公共空間摸索屬於自己的生活模式？這也呼應著余白特別喜歡拍「市場」的原因——他認為市場充滿人們亟欲滿足日常基本所需、要生活更要生存的生命力。在這聽來與看似生猛的生活情境，余白卻看出了一份難以言喻的優雅。

這份對城市生活的考究，更反映在《臺北之胃》攝影集的命名由來，其靈感源自法國經典小說《巴黎之胃》（Le Ventre de Paris）——由法國知名作家埃米爾．左拉（Émile François Zola）執筆，述說一場19世紀中期的城市重建計畫，如何讓前身為傳統市集的巴黎中央市場，一改面貌為華美的巴黎大堂，這座新市場披著光鮮的糖衣，背後其實藏著掌權者對勞工階級的剝削與不公義。

鬧市中的一方靜謐

余白解讀城市的獨特視角，吸引了慕舍酒店Mvsa的注意，並受邀以影像重新詮釋這座位在台北市中心的藝術旅居。正式開拍之前，余白在慕舍待了三天左右，感受場域氛圍，也思考要如何透過鏡頭和它互動。對他來說，慕舍像是藏匿於台北都會中的靜謐莊園，外表雅緻，白天時室內縈繞著自然光線，隨處都有美麗光影；雖佇立鬧區，卻有遺世獨立的寧謐。

最後，慕舍門面、地下一樓的米其林餐廳渥達尼斯磨坊、位居八樓的天際別墅，成為余白聚焦拍攝的對象，每一地點都有他想表現的慕舍特質。先從建築說起，余白認為這棟樓沒有龐大且令人感到壓迫的量體，而是以接近「人類規模」的尺度佇立城市當中，人們可以自在地與建築空間互動，於是他特別將慕舍門口的線條、結構納入構圖，再帶到一點街景，並選在清晨五點拍攝，將慕舍和城市的安靜、平和都收進這張照片裡，表現心目中最理想的台北。

另外兩件作品，則展現了光影流瀉、嬉戲於慕舍樓內的姿態；有趣的是，它們的取景地分別在地下一樓與地上八樓。從大門走進慕舍，下樓才能抵達渥達尼斯磨坊，餐廳分成兩側，其中一側與戶外小庭院比鄰，讓賓客即便身在地下層，仍能感受到暖光流入所創造的愜意氛圍。

來到八樓，余白選擇擁有木棧陽台的天際別墅為取景地，他喜歡露台的開闊、大面開窗帶來的透明感，置身其中，雖身在台北市中心，卻不會感受到城市的壓迫感，好似一切喧囂被阻隔在外。余白巧妙運用玻璃的透視、反射特質，在一張黑白影像中集結了房景、陽台上搖曳的樹影，以及躲在綠樹背後的一小片城市景觀，平時城市的鬧與靜彷彿凝結在這幀畫面之中。

以攝影記錄生活百味

無論是過去發表的兩本攝影集，或本次為慕舍拍攝的作品，余白都將自己視為城市徒步者，探尋著城市中的人生之味，期待透過一張又一張跳脫時間框架的成像，封存台北難得的靜謐，也在一片複雜與混濁之中，用時間、腳步與鏡頭提煉出自己心目中台北的美——即便隱晦，卻真實存在；每個努力生活的身影背後，都藏著深邃細膩的生活百味。

資料、圖片｜慕舍酒店、Hubert Kilian 余白

「臺南國家美術館籌備處」於2025年3月25日正式掛牌成立，將以臺南市美術館2館為基地，展開臺灣第一座專責近現代美術發展、也是第二座國家級美術館的籌備工作。未來館內常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，全面且系統性建構臺灣藝術發展脈絡；值得一提的是，大量典藏由前輩藝術家家屬無償捐贈，表達對臺南國家美術館最有力的支持。

→南美館「福爾摩沙時代」大展集黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

為什麼臺灣需要一座國家級近現代美術館？

綜觀國際美術館發展趨勢，成立專題或斷代美術館，是國家美術發展達成熟階段的必然作為，例如羅浮宮收藏19世紀中葉以前廣義的古典藝術、奧塞美術館專責收藏1848年至1914年間的藝術作品、荷蘭國家博物館主要收藏荷蘭黃金時代藝術等。

2018年，臺灣啟動「重建臺灣藝術史」工作，展開對臺灣藝術文化、歷史的自我理解、詮釋工程，至今完成蒐藏前輩藝術家作品867件、檔案史料9萬件、修復作品文物8000件。前輩藝術家後代也大力響應，如順天美術館董事長許照信為完成父親許鴻源「為臺灣人留下一份文化遺產」的心願，將670件館藏全數無償捐給國家；許多前輩藝術家家屬也紛紛表示願意捐出珍藏作品。

目前臺灣僅有一座國家級美術館，即位於臺中的國立臺灣美術館（國美館），其自1988年開館至今累積豐富典藏，不過礙於現有館舍空間有限，臺南國家美術館成立後，將可適度減輕國美館典藏及展覽壓力。歷經各方協調，考量新建館舍曠日費時，為盡快以國家級資源典藏臺灣藝術家作品，最終由臺南市政府主動提出將臺南市美術館2館無償撥用給文化部，作為臺南國家美術館使用。

聚焦臺灣美術1895至1960年代作品

未來臺南國家美術常設展將聚焦臺灣美術1895至1960年代作品，持續研究、蒐藏及展示前輩藝術家作品，並完整、系統性地呈現臺灣藝術史發展脈絡；包含近現代領域的定義及研究、場館發展規劃、典藏制度訂定在內等工作，預計於2027年完成。

掛牌記者會上，陳澄波、郭柏川、郭雪湖、蒲添生、張萬傳、潘春源、潘麗水、潘瀛洲、鄭世璠、陳夏雨、黃歌川、楊英風、陳陽春、蒲浩明等前輩藝術家家屬，已陸續表達捐贈作品意願，並在眾人見證下，共同簽署捐贈典藏意向書，期盼未來由國家保存、研究及常態展示臺灣美術史重要美術資產。

首展集結黃土水《甘露水》、陳澄波未曝光之作等200件作品

隨著臺南國家美術館籌備處正式成立，館方委託臺南市美術館策劃的首檔展覽「福爾摩沙時代—臺灣近現代美術的知識啟蒙」同步揭幕。展覽內容橫跨日治時期到戰後的各種藝術樣式與思潮，討論「地方色彩」、「國族意識」與「現代性」等議題，回顧臺灣美術如何在外來與本土的雙重影響下，逐漸發展出獨具特色的藝術風格，並強調藝術家在各個歷史時期的創作歷程與精神，期盼喚起大眾對本土文化的深刻思考與認同。

「福爾摩沙時代」集結多件國寶級作品，包含陳澄波從未曝光的《南海普陀山》、黃土水《甘露水》、張大千《廬山圖》等，這些藝術作品既是臺灣美術歷史的縮影，也見證藝術家的創新精神與對當時社會的深刻反思。

「不管別人要如何稱呼我們，但我們絕不會低人一等。」

文化部長李遠於掛牌記者會致詞時，特別取玉山社出版《曙光來臨之前》序文說道：「黃土水、陳澄波、陳植棋等人入選帝展時的心情，其實就像是陳傑憲在胸前比出框框的感覺：我們只是還沒有自己的名字，但絕不會低人一等。」2024年李遠陪著黃土水作品《甘露水》回到母校東京藝術大學，同場也展出陳澄波、李梅樹、李石樵、郭柏川、顏水龍、陳植棋等藝術家的自畫像，當他仰望著前輩藝術家們年輕、充滿自信的模樣，彷彿回到一百年前，看見他們彼此扶持、鼓勵並昂首闊步，在臺灣被日本殖民統治的時代，心懷志氣走出自己的路。

臺南市美術館將擴建，保有城市美術館主體性

談及臺南市美術館未來動向，文化部表示，臺南市美術館將持續營運臺南市美術館1館，在臺南國家美術館籌備處正式營運前，也將協助館內策展，未來館舍將擴展至農水署嘉南管理處現有空間，保有臺南專屬的城市美術館主體性。

資料來源｜臺南市立美術館

英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）首次亞洲個展在台灣！《奧利・艾普的小鹹點》（Hors d’œuvres）即日起至2025年5月15日於師大美術館展出，不僅匯集藝術家多件知名作品、2025年新作，更有本次在台期間將故宮展品結合泡麵所完成的創作。此外，師大師生團隊也延伸Oli Epp的繪畫作品，透過動畫與AI生成技術打造沈浸式短篇，為展覽創造不同的觀看與體驗路徑。

社群媒體仿佛一座無疆界的巨型劇場，人們重現現實、或擷取現實摻點虛擬想像，在這座劇場中「扮裝」或「表演」——你是否也參與其中？英國藝術家Oli Epp（奧利．艾普）有感於此，於是將源自現實生活、影視作品、社群媒體等的元素挪用並解構，透過摩登、怪誕、略帶詼諧的繪畫作品，反映社群媒體文化盛行所衍生出的形象塑造、社交關係互動等等現象。

這場表演，我們都參與其中

當代社群媒體重即時性、視覺性，並設有公開、數據化的回饋機制，這讓使用者為了吸引視線、追求按讚及留言等互動，發展出不只是記錄生活、更是在「表演」生活的行為模式——人們在此塑造理想形象、編導自身的故事，在數位空間中進行刻意的展演。《奧利・艾普的小鹹點》透過Oli Epp平滑的電繪風格繪畫，聯想社交媒體的劇場表演，反思虛實生活中複雜的互動關係。

人、物合一的怪奇物種，在平面劇場輪番登台

Oli Epp常使用油彩、壓克力為材料，透過平滑、流暢的噴槍及繪畫方式，塑造色彩鮮明、輪廓清晰的畫面。他將對社群媒體、影視作品、當代生活的觀察融入繪畫，以怪誕奇異的構圖，讓筆下角色呈現戲劇化的非真實形象；然而，他們並非全然虛構——人物身穿的名牌服飾、臉上的時髦妝容、耳邊的AirPod、手上拿的信用卡……各種你我熟悉的消費象徵，都提醒著觀眾這是源於現實生活的觀察，展現現代人對於品牌與個人風格的過度執著，彷彿在提醒：「記得對生活中種種的『過量』行為保持距離。」

亮點作品《夢遊者》：以奇幻氛圍紀錄生活災難

Oli Epp的作品看似無厘頭，實則透過物件指涉特定意義與社會現象，或反映他個人的生活記憶。如作品《夢遊者》的角色穿著粉紅色長裙、身旁有隻小羔羊相伴，腳步輕盈地在斑馬線上跳躍；看似夢幻無害，遠方卻有顆紅色警示燈暗示著潛藏的危險即將到來。這件作品源自Oli Epp幾個月前一場生活災難，當時他在深夜半睡半醒之間，不慎沒將水龍頭關好，導致公寓淹水，於是將這場災難化為《夢遊者》，繪出一場暗藏危機的夢境。

在台完成新作《唐》：拼接故宮文物與泡麵，慢與快的矛盾對照

值得一提的是，《奧利・艾普的小鹹點》為Oli Epp首次亞洲個展，也是師大美術館規劃的學生交流展，主要代理藝廊Semiose及藝術家慎重看待這次與台灣觀眾與學生見面的機會。Oli Epp這次為個展來台停留一個月左右，充實異地體驗也期待開啟新的創作靈感，展覽中的《唐》（Tang）正是他在台期間完成的作品，其靈感來自藝術家參觀故宮時所見到的唐代三彩馬，陶馬的傳統工藝表現令他印象深刻，於是他靈機一動將三彩馬與泡麵結合，讓慢工煉成、流傳數百年的工藝品與速食、規模化產品組合，創造一種矛盾又詼諧的視覺印象。

師大學生響應數位沉浸短篇

展覽開幕當天，臺師大圖文傳播學系碩士班師生團隊自Oli Epp作品《阿爾戈斯》（Angos）延伸發展，透過動畫與AI生成技術，打造一充滿懸疑氛圍的沉浸式短篇。《阿爾戈斯》繪出一隻頂著9顆眼睛的黑貓，牠巨大的眼睛總凝視著前方，作品靈感源自希臘神話中的百眼巨人，傳說中他永不必眼，因此沒有秘密能逃脫他的視線。未來，師大美術館也將持續扶持新銳藝術家，並將學生團隊創作列入未來展覽主題之一，持續開拓大學美術館的展演深度及交流廣度。

《奧利・艾普的小鹹點》

展覽時間｜2025.03.16－05.15

展覽地點｜師大美術館3樓（台北市大安區和平東路一段129號）

開放時間｜週二至週五 09:30－17:30，週六日 10:00－17:30，週一及國定假日休館