舉辦70餘年的日本NHK紅白歌合戰，2021年換上由佐佐木俊設計的全新漸層Logo，讓許多台灣人注意到這位作品氣場獨特的設計師，從平面視覺、書籍設計到展場空間策劃，總能在鮮豔大膽色彩裡保有俐落平衡。但他不只做設計案，私下更不間斷地投入個人獨立創作，透過創作反覆確認自己身為設計師的資質、興趣與潛力。

2010年佐佐木俊從多摩美術大學平面設計系畢業，進入廣告設計公司工作數年後，於2016年成立設計工作室「AYOND」。作為備受矚目的設計新星，2020年獲得日本平面設計師協會（JAGDA）新人賞，從145位新銳設計師中脫穎而出，獲得當年度評審的最高票支持。受聶永真邀請，他於5月來台擔任今年高雄「青春設計節」視覺傳達設計類的評審，並為系列講座主講人之一，以「持續創作」為題，和青年學子分享自身投入設計工作以來的心路歷程。

自稱「不是菁英」的日本設計超新星

乍看之下擁有亮眼且一帆風順的經歷，他卻形容自己「不是菁英」。佐佐木俊提到，在大學畢業後，他以進入知名的廣告代理商為目標，卻未能獲得青睞，最終只進入了中型的廣告設計公司。他說：「許多獲得知名廣告代理商、企業錄取的同班同學立刻在業界大放異彩，當時看著他們，我的內心焦躁不已。」為了粉飾這樣的焦慮感，在工作空檔或休假時，他持續不懈地動手創作「無意義的圖像」，並將這些個人創作投稿於網路平台。

日復一日積累之下，開始從網路上收到一些設計委託案件，也是在這個時期有機會和日本著名詩人最果夕日（最果タヒ）合作，才終於逐漸累積自身知名度，在30歲得以辭去廣告公司的工作，成立設計工作室。之後，他第一次將作品投稿於JAGDA所發行的設計年鑑「Graphic Design in Japan」，一舉獲得2020年的新人賞。他提到：「當時感受到身為平面設計師的經歷陷入瓶頸，為了打破現狀才報名了JAGDA新人賞，沒想到順利獲選。」

從Logo到書封　跳脫框架與刻板印象的設計

任職於廣告設計公司、頻繁地將個人作品投稿於Tumblr平台時，有一天收到了出版社編輯來信，詢問他是否願意擔任詩人最果夕日新作《致瀕死系的我們》（死んでしまう系のぼくらに）的書封設計。這成為日後與最果夕日長年合作的開端，也是讓當時默默無名的佐佐木俊受到注目的轉捩點之一。佐佐木俊提到，那是他第一次收到書封設計的委託，抱著十分緊張的心情著手設計。「也因為是初次挑戰，從最一開始就決定不要受限於『詩集』的框架。」設計書封時，他特別重視書名與設計的相互呼應，讓設計的作用不單止步於闡釋書名的字義，而是將兩者成為相輔相成、密不可分的存在。這些理念也反映到作品上，可見他巧妙地融合鮮明的色彩圖形與複雜變形的字體，讓書名本身也成為書封設計中不可或缺的要素之一。問及他是如何形成此一獨特設計風格，他解釋：「我只是發揮了在美術大學所打下的平面設計基礎，特別重視包含色相的運用、構圖的疏密程度等部分。」

和詩人最果夕日的合作，在2021年的《最果夕日展》時跳出平面，佐佐木俊擔任了展場空間與周邊商品的設計。在展場中，佐佐木俊與最果夕日將詩作從書中解放，不僅只是放大印刷詩詞，而挑戰了唯有立體空間才能成立的展示方式。包含從天花板垂吊單行詩，讓人們穿梭往來時，構築各自獨有的詩篇；抑或是在圓錐體上纏繞詩句，創作出沒有起點亦沒有終點的循環詩作。佐佐木俊說：「與其讓大家在展場讀詩，我們更希望讓觀眾『感受』詩的存在。」

佐佐木俊另一個為人熟知的作品，則是他在2021年替日本NHK紅白歌合戰新設計的紅白漸層Logo。NHK紅白歌合戰迄今舉辦70餘年，長年來以性別將歌手分為紅組、白組相互競賽歌藝，承襲已久的節目Logo也是以紅白圓圈為主軸，以示雙方抗衡之意。為了回應大眾對於以男女分組的質疑聲浪，2021年的NHK紅白歌合戰以「多樣性」（COLORFUL）為主題，取消過往紅、白組主持人分立的設定，委託佐佐木俊設計新的節目Logo，並擔任整體視覺總監。「當收到這個邀請時，我知道我唯一需要做的只有模糊紅白兩色之間的界線。只要在中間交疊漸層，就可以明確地傳達節目想要強調的訊息。」佐佐木俊說，最初其實準備了較為保守的設計，在提案時半試探地提及漸層概念時，沒想到受到節目方肯定，也才有最終紅白漸層Logo的誕生。

個人創作是一種自我審視的過程

作為專業設計師之餘，佐佐木俊定期參與亞洲最大規模的藝術書展《TOKYO ART BOOK FAIR》，在商業設計外，亦投注精力於個人獨立創作之中。其中以「車子」為主題的小誌（Zine）《SUPER DUPER PAPER DRIVER》，描繪了形狀與顏色不一的車子在紙上奔馳的模樣，讓讀者翻看的同時，心情也隨之躍動起來。佐佐木俊說他其實沒有駕照，所以才將這本刊物雙關命名為「PAPER DRIVER」，同時意指紙上創作與日文中「徒有駕照卻不會開車的人」之意。他對車子亦沒有概念，但也正因為沒有抱持著特殊情感才能夠自由地發揮，創作出獨一無二的世界觀。獨立刊物日後發展為在代官山蔦屋書店的主題個展，更受到福音館書店的邀請，在2022年出版了《BURUBABIBUN 車子的繪本》（ぶるばびぶーん くるまのえほん）一書。

問及他是抱著什麼樣的心境製作個人創作時，他回答道：「我認為個人創作是一種再確認的過程。從創作中釐清自身作為設計師的資質、自己的興趣所在、還能夠發揮什麼可能性。」他也提到，因為少了他人的優劣評斷，從事獨立製作比起商業委託案還要來得痛苦許多，也得花上更大量的時間才能完成。

佐佐木俊曾在代官山蔦屋書店多次舉行個展，也因為這個緣分，2022年底蔦屋書店桃園藝文店開幕時，邀請了佐佐木俊進行展售。今年5月，他亦獲邀擔任高雄「青春設計節」視覺傳達設計類的評審而首次造訪台灣。問及對台灣的印象，他回答：「我是聶永真的粉絲，最初在IG上收到他的邀請時，內心十分開心。其實在台期間剛好是我的生日，沒想到台灣設計師們替我準備了生日驚喜，其他的評審老師們也都非常開朗、很好相處，讓我立刻喜歡上了台灣。」

從平面的Logo、書籍、展覽與樂團公演海報設計，近年佐佐木俊更開始挑戰動態視覺、展場空間設計與繪本創作。儘管已獨立開業、作品獲獎肯定，更在海外累積起一定的知名度，佐佐木俊卻像個大男孩似地，持續將目光放在創作一事上。他說：「我不是一個好的經營者，如果我有那個手腕的話，我會更努力地賺大錢，但我總是滿腦子只想著如何做出更好玩的設計⋯⋯」他的這番話，讓我們更期待這位設計界的新星，未來會帶來更讓人眼睛為之一亮的繽紛、迷幻設計。

佐佐木俊（Shun Sasaki）

平面設計師、藝術總監。2010年畢業於多摩美術大學平面設計學系，2016年成立工作室「AYOND」（アヨンド）。負責詩人最果夕日《夜空總有最大密度的藍》等作品的書封、展場空間設計。擔任2019年《設計的居所》展（東京國立近代美術館）、2021年《爬梳200年歷史》展（秋田市文化創造館）、2021年NHK紅白歌合戰節目Logo的視覺設計與藝術總監。近年也投入Zine獨立出版與繪本創作。獲獎紀錄包含2014年的「GOLDEN BEE AWARD」、2020年的「JAGDA新人賞」。 網站：ayond.jp

企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞

圖片提供｜Shun Sasaki

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當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN