以「路上觀察」的題目約訪彡苗空間實驗，得到要走逛大稻埕的回答。但這個早已太過知名的景點，還能觀察出什麼新意？就讓彡苗以空間設計師之眼，帶領我們探訪前店也開箱後廠，從大稻埕頭走到尾，從觀察推演到創作。

對設計師來說，路上觀察是興趣還是職業病？彡苗空間實驗的答案兩者皆是。由樂美成、羅開、鄭又維成立於2017年的彡苗，從地景遊樂裝置「XYZ嬉遊中－城市搖擺」，到兩廳院表演藝術圖書館、春室The POOL、阿霞飯店新品牌ASHA等空間設計，沒有貫串每件作品的「彡苗風格」，而採因地制宜、因應業主制宜的手法，每次設計都是對品牌、業主或當地地域的觀察結果。

「我們有點像是把以前愛觀察的習慣，回推到設計案上。」樂美成談起自己的觀察習慣，以前出國喜歡當背包客，還曾加入廢墟社團到處探索，但隨著工作時間漸長與經驗增長，現在會把觀察重點放在「還沒嘗試過」的作品操作元素，例如沒有接觸過的材料或工法。「我的觀察都偏職業病。」鄭又維說，走進餐廳的第一件事不是看菜單，而是先觸摸桌椅材質；走在街上視線也放在建築外立面，觀察冷氣空調等設備如何被收納或遮蔽。羅開則會在前往工地、搭高鐵的通勤途中，因暫離工作與前往不熟悉的區域而放大好奇心。「我們也花很多時間在網路，也是另一種路上觀察。像我雖然還沒去過韓國，但從設計作品、影集觀察到，他們的城市規劃、開放空間做得很好。」

日常觀察到創作脈絡的轉化

彡苗工作室所在的大稻埕，就相當能滿足設計師的觀察慾望。「大稻埕有很多東西是復刻不出來的。」樂美成說，縱使網路觀察能看遍各種案例，但大稻埕是充滿五感的街區，裡頭的氣味、觸覺都得親身接觸才能體會。羅開也認為，「現在做設計，比較難挑戰的風格是繁複，怎麼搭配異材質、又可以抓到好的平衡。」而大稻埕就充滿舊時建築，她常常會注意浮雕等紋理，都反映了匠人的藝術創造性，讓她反思如何在現今設計時間不斷被壓縮的狀況下，仍能為造型賦予更細緻、更裝飾性的設計，或是添入更複雜的材質和手法。鄭又維則在觀察表象外，更在意背後脈絡，總是留心大稻埕新開設的店面，是以什麼方式進駐。畢竟大稻埕有深厚的文化和歷史，現存店面也已有一定顏色基調，「一間新店能配合這個脈絡發展，並長出自己的個性，就非常厲害；有些店以品牌原有的風貌進入，那我會去思考它是怎麼和大稻埕這個街廓對話？也會設想如果由我們操作，會用什麼切角做設計思考？」

細觀彡苗的作品，風格雖然明確，但都與品牌本身或地區調性貼合，又設法在其中做出亮點。座落台南三井的阿霞飯店新品牌ASHA，一進門就可見復古樓梯，讓老顧客連結回老字號阿霞飯店的空間感；而阿霞飯店從街邊的攤販起家，彡苗就觀察攤位形式，將原來為了調整高低落差而墊在攤車腳下的磚頭元素融合在設計中。操刀兩廳院表演藝術圖書館時，第一件事就是跟著兩廳院窗口走一圈前、後台空間，最後也擷取了兩廳院的紅色大眾印象、屋頂形式的燈具做局部點綴，並讓場館淘汰後的舞台地板再次回到圖書館內使用。樂美成說，「這樣的操作方式，也幸運地讓彡苗的商空案能被看見，我們不想過度強調自己的設計風格，希望業主投入的資金、時間，能獲得符合本身品牌的印象和需求。其實我們工作的本身，就是觀察。」

 彡苗的大稻埕觀察學aka串門子！

亮點1：原生者的超在地觀察

路上巧遇燈光設計工作室瓦豆創辦人江佶洋（下圖左），他直說大稻埕這幾年改變超多，80、90年代台北市經濟中心轉到東區，西區的大稻埕相對下滑，但近年又輪轉回來。加上近年傳產二代或三代接班，以及彡苗等年輕團隊進駐，讓現今生活在大稻埕的小孩子，接觸到傳統產業以外的待人接物方式。

亮點2：大稻埕公園守護神

彡苗原本的辦公室在大稻埕公園旁，轉角有一間大正11年登錄、保有「太子樓」屋頂型式的安西街周宅，正立面為一門二窗，全為紅磚斗砌，正面無騎樓（亭仔腳），反映清代典型無亭仔腳的店屋模式。大稻埕公園聽聞也是其屋主周順吉先生爭取建立，並擔任園長至今。

亮點3：藤椅店怎麼會賣海鮮拉麵？

招牌寫著「崑山藤椅．海鮮拉麵」，彡苗剛搬到大稻埕時也一度搞混，有案子需要藤製品還曾致電詢問。老闆娘解釋，最早申請營業登記時是「崑山藤椅店附設小吃部」，老師傅退休後就一直是海鮮拉麵店，每到夏天的確常常接到「能不能修理藤椅」的電話（笑）。這裡的麵和粥都好吃，而且彡苗保證，絕對不是因為今天拍照才放這麼多料，平時就這麼多！

亮點4：大膽介入還是溫和融入？

近年許多前場名店紛紛插旗大稻埕，彡苗喜歡觀察這些獨具風格的品牌怎麼進入特色強烈的大稻埕，並設想如果自己來操刀空間又能怎麼做。「新東陽」相當接地氣，一改品牌予人的紅色印象，以黑色主調融入周圍店家；「DoGa」則是以較現代的設計風格大膽介入。彡苗說，設計方法沒有對錯，只要能在大稻埕生存的都是好品牌。

亮點5：串門子的最高境界！

在大稻埕絕對少不了「人」的觀察與互動。彡苗舊辦公室僅18坪，隨團隊擴編已沒有會議空間使用，就常到瓦豆借空間開會。這次路過瓦豆鐵定是要上去串門子的，因為兩方經常合作，也常造訪瓦豆測試燈光效果。樂美成說：「串門子的最高境界，就是坐在老闆的椅子上，抱著他的合夥人！」

亮點6：揭開神祕的後廠面貌

大稻埕是台北最標準保存「前店後廠」的區域，房子特別狹長，前方作為販售，後方則是生產。塊根植物專賣品牌「0343 CONSERVATORY」，近年也將陶藝設計品牌「Object by 1218」的工廠設在大稻埕。如大家熟悉的小島裡、Bito、風尚旅行社等眾多駐地大稻埕的文化與設計公司，儼然讓大稻埕在現今成為全台創意能量重要的後廠。

彡苗空間實驗

由一群所學建築與景觀的設計師組成，持續在空間設計、策展空間、劇場舞台、空間裝置等各型態創作領域耕耘並延伸。作品包含兩廳院表演藝術圖書館、春室The POOL、阿霞飯店ASHA、XYZ嬉遊中－城市搖擺等等。曾獲金點設計獎、金邸獎、日本Good Design Award等獎項。IG：seedspacelab

文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵

更多精彩內容請見 La Vie 2023/8月號《路上觀察學》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN