2023 台北「白晝之夜」即將於 10 月 7 日回歸，以「起義吧！」為主題，共有 3 大展區、6 大主題，集結25件跨媒材藝術裝置作品，超過35場演出節目，總計近100組藝術家及團隊參與，活動地點集中於信義區，涵蓋國父紀念館、市議會、市政府，加上松菸、台北 101、ATT 4 fun、故宮等共同響應，打造台北市中心最大的藝術廣場。

2023 白晝之夜主題「起義吧」不僅代表地理位置上的信義區，更邀請每一位參與者，不論年齡、性別、背景，透過藝術行動深度挖掘與講述土地上的故事，讓繁榮喧囂的商業市中心，轉化成一個有思考、有重量的文化中心，對世界傳達出我們的聲音與態度、自由與開放。

2023 白晝之夜 六大主題、活動亮點一次看

① 國際視野：本屆白晝之夜邀請到法國攝影師 JR、巴西藝術家 Néle Azevedo，以全球議題為創作核心，並邀請市民一起在這個夜晚中共創。

✴《Inside Out Project》千人市民攝影行動 ✴

《Inside Out Project》為法國街頭影像藝術家 JR 發起的拍攝計畫，以標誌性的黑白拍攝風格為基礎，召集群眾在公共場所張貼巨型的個人黑白相片，轉化為公共藝術作品，鼓勵大家發掘在地故事和議題，在過去十年間，總計有來自 152 個不同國家和地區、累積超過 50 萬人次參與。

本次《Inside Out Project》攝影車首次來到臺北，將邀請民眾以「Born Free 生而自由」為題，拍下巨大的人像照片，張貼在台北各大地標建築物上，集體守護、表達城市的自由與多元。《Inside Out Project》將率先自 9月20日起巡迴臺北六大地點，包含自由廣場、陽明山冷水坑、松山慈祐宮、松山文創園區、西門町、台北 101，拍攝名額有限，將以現場排隊順序為準。

✴《Minimum Monument》最小的紀念碑 小冰人藝術行動 ✴

國父紀念館區域將由巴西研究學者 Néle Azevedo 帶來的《Minimum Monument 最小的紀念碑》小冰人藝術行動，製作三千個手工切割的冰雕人形，邀請民眾在白晝之夜當天，在有限的時間內，一同把小冰人放置在國父紀念館前的階梯上。隨著時間自然融化並稍縱即逝的小冰人，更像是給臺北、臺灣和全世界人民的一記警鐘，也讓人們直接體會到全人類都在一起面對的未來處境。

② 藝術公園：由朋丁 Pon Ding 策劃、攜手 13 位國內外藝術家，在國父紀念館翠湖周圍打造實驗型藝術公園。

✴ 買不到藝術公園 ✴

由朋丁 Pon Ding 團隊策劃的「買不到藝術公園—遊湖計畫」，邀請民眾在什麼都買得到的信義區，與藝術家來談談各種買不到的人生議題。從主題藝術裝置和互動參與展演出發，探究夢、水資源、自我觀照、善與惡、經濟動物權、公共空間再定義、身體主張等議題，在這個只存在一晚的藝術聚落當中，所有人都是平等的。其中，由藝術家賴舒勤帶來的「如果你叫醒我，我會告訴你一個剛剛的夢」作品，現場特設多張床墊，讓大家一起來用最舒服的姿勢躺著欣賞表演。

③ 自由街頭：有 Wild Open Arts 沉波立見與 4 位頂尖塗鴉藝術家，在 20 公尺高空進行的 24 小時不間斷創作；以及連續 6 小時、超過 30 人接力的喜劇脫口秀，加上馬戲、音樂、舞會等豐富演出。

✴ 24 小時 Live Painting ✴

由策展人張鐦方策劃、邀集四位享譽國際的街頭藝術家，以街頭視覺藝術獨有的接圖文化，一起在市府松智路側 18 公尺高的牆上盡情塗鴉！街頭視覺藝術家一向透過作品進行公共對話，而大型作品的創作，除考驗型態及個人風格的展現，也讓藝術家對內進行更多自我對話，思索內在精神及其自身所代表的文化內涵。於白晝之夜當天將完整呈現 24 小時的 Live Painting，除了對應了街頭視覺藝術的特性，「正在生成的」街頭視覺藝術，也讓這份生命力加倍地活靈躍動。

✴ 星空市政廳 ✴

認真與輕鬆並不衝突，理性與感性可以並存。以民主的肥皂箱作為初衷，卡米地俱樂部發起「星空市政廳」，邀請超過30位喜劇演員一起聊聊自由的台北，笑談他們對台北、市政、生活、年輕人，甚至世界議題的想法與吐槽，還開放觀眾一起上台參與，可以情緒發洩，也可以暢抒己見，所有的聲音，都直達市政廳。

④ 佔領府會：打開平日的政府辦公場域，議事廳化身劇場、貓進駐市長室、市府大廳變成深夜 Live House，全都能自由駐足觀賞。

✴ 貓市長「毛容容」佔領中 ✴

日本羊毛氈藝術家佐藤法雪以人身比例放大創作的擬真貓頭空運來臺，成為貓頭人身的「毛容容」角色，透過僻室 Houce Peace劇團規劃創作的行為藝術演出，在白晝之夜當天擔任一日貓市長，不但有就職典禮、線上就職演說，還以 3D 實境直播以及限量開放參與的方式，在市長室與網友及市民互動，當晚也將走出市長室巡視白晝之夜，在藝術廣場上與大家相見。

✴ 開箱市議會 ✴

白晝之夜將用藝術開箱市議會，音樂結合馬戲肢體的演出，首次以市議會作為表演藝術與行動參與的場域，有展現身體多樣性的 kikiball 舞會、議事廳上演莎士比亞的經典名劇、在市民廣場上以雙層巴士為舞臺的跨界演出，跟隨鼓聲的節奏，倒立雜耍，顚倒眾生以隱喻的手法展現議事民主，由下而上翻轉日夜，挑戰想像的疆界。

✴ 臺北大歌廳 時代DJ金曲 ✴

從 70 年代的美軍俱樂部時期、80 年代的 KISS 和戴安娜、90年代 Spin、Roxy，千禧年的 Room 18、Luxy，到相對近期的操場及final，每一個世代都有青春、音樂，和整夜跳舞的夜晚。由 Legacy 知名音樂策展人阿舌策劃的「臺北大歌廳」，邀請從 70 年代到當代的著名 DJ，從台北各年代指標性的夜生活場所出發，復刻這些經典的音樂，將市府一樓大廳化為舞池，盡情搖擺，徹夜狂歡。

⑤ 一夜影展：白晝之夜這晚，將仁愛路變成一家電影院！

✴ 快車道電影院 ✴

街道是城市交通的血脈，承載了大大小小事件，但我們從來就沒有機會停駐在快車道上，感受城市的脈動和紋理。策展人吳凡以青春叛逆與學運為題，與國家電影及視聽文化中心共同合作，在這一夜佔領快車道，在樹蔭之下的躺椅電影院中，回味各種青春的經典、吶喊、犧牲與叛逆，在年代流轉間看見社會的變遷與變異，也看見每一個青春的身影。

⑥ 議題響應：這一夜，與台灣猛禽研究會舉杯暢談都市猛禽保育、與 Greenpeace 綠色和平在一夜藝術狂歡中理解減塑與氣候變遷、與家樂福和有趣市集一起聽聽經濟動物福利

✴ 充滿起義精神的餐飲市集 ✴

在盛大的市集中，台灣猛禽研究會將與信義區周邊 BAR PUN、Ron Xinyi、Bar Digout、無向、CÉ LA VI Taipei、Sidebar、Bodega、Draft Land 共8間酒吧合作打造「猛禽酒吧」，也加入循環杯的使用，向民眾提倡重複使用的環保理念。此外，還有烏克蘭藝術家Tania Yakunova 設計的起義頭帶、北一女中儀隊校友隊演出，邀請市民一同「起義」！

2023 台北白晝之夜「起義吧！」

活動期間｜2023年10月7日 18:00 至 10月8日 06:00

活動地點｜國父紀念館、台北市議會、台北市政府

場域響應｜松山文創園區 SCCP Taipei 、 台北101 、 ATT 4 FUN 等

資料來源｜白晝之夜 Nuit Blanche

雕塑藝術家何宇森個展《骨骼與根莖》即日起至2025年4月12日於谷公館展出，展覽由8件全新雕塑與相呼應的架上創作組成。長滿細毛的面容、柔軟坍塌的側臉、如毛怪的不知名生物體、下肢與植物交纏的健美先生……，何宇森將消融的人體雕塑骨架與根莖意象結合，以寫實的手法，創造出現實世界裡的超現實人物，挖掘隱於形體之下的內在力量。

骨骼與根莖，糾纏而生的力量

《骨骼與根莖》系列作品的出發點來自偶然的瞬間。陽光灑進工作室放置已久的油土人體雕塑，雕塑在光和熱的作用下逐漸融化，形體慢慢消失，最終露出裡面的骨架。這個過程，好像是關於生命的，也好像是關於結構本身的。融化的一刻，骨架，或者說支撐結構，開始變得突出，成了形體最後的痕跡，成了某種持續的力量。

作品以金屬和樹脂為材料塑造，同時使用了翻模技術。何宇森將這些消融後的骨架重新塑型，讓它們和根莖的形態融為一體。在塑造過程中，骨架和根莖之間慢慢滲透彼此，逐漸模糊了邊界；而翻模的過程，彷彿是一種記錄，將暫時性的形體固定下來，但那又不是靜止的——因為那些形態本身是在生長的。而隱藏在形體和結構裡的，是人們很少關注、藝術家希望能召喚出的內部力量，而不只停留在形體的表面。

「讓材料自己說話，塑形的過程由材料引導」

何宇森的雕塑語彙獨特，他的創作聚焦於材料與形態之間的關係，藉由流體材料的液化與固化過程，探索雕塑材料與造型的不同樣態，並挖掘物質世界中的隨機性與未知可能，試圖在自然與人工之間找到平衡。

他曾在展覽自述中寫道：「我喜歡讓這些材料自己說話，讓它們的重力、流動和凝固自然發生，像是塑形的過程由材料來引導。」就如《南方雪》系列雖以植物形象為創作起點，作品像是從一根乾枯的花開始生長，不銹鋼骨架是其支撐；但創作過程中，何宇森讓流動的石膏與水混合，形成不可預測的狀態，讓石膏的曲線、鋼索的拉力、多層漆面的散光共同塑造作品。他認為這並不是在「復刻」植物，而是在建構一種新的結構和形態。《骨骼與根莖》系列也承襲同樣精神，讓消融的人體雕塑骨架與根莖糾纏、生長，表現出人的肉體與內心世界連結的狀態——時而堅韌發達，時而纖細柔弱。

《骨骼與根莖 Skeletons and Rhizomes》

展期｜2025.03.01－04.12

地點｜谷公館（台北市松山區敦化南路1段21號4樓之2）

營業時間｜週二至週六 11:00－19:00，每週日、週一公休

在一部動畫中，背景美術通常被視為功能性大於藝術性的存在，但從2007年至今，德國策展人Stefan Riekeles持續探索、推廣這個領域，將一幀幀本沉默的風景帶進歐美也展回日本，而畫面中的建築，更是他關注的核心——這其中，是什麽讓他著迷？

20年前，世紀剛翻篇的2005年，Stefan Riekeles首次造訪日本。來自德國的青年立即被眼前截然不同的文化與美感所吸引，但還想不到，除了現實世界，即將對自己敞開大門的，還有更深邃無邊的另一個次元。

當時，他渴望能停留更久，卻眼看要沒有經費，恰巧一位正策劃動畫展覽的友人遞來邀請，順勢成為研究助理的Stefan，人生初次接觸日本動畫，便奇妙地走進東京多家動畫工作室，走進動畫幕後製成的核心。

一次，在《攻殼機動隊》（1995）美術指導小倉宏昌的工作室，那座虛構的2040年代巨型賽博龐克城市，以原作手稿的方式鋪展在他面前，極其複雜細膩的畫工和細節布局，憑空創造出一個既真實又異質的世界，那一刻，Stefan強烈意識到，「它們不只是動畫中的功能性元素，本身就是了不起的藝術。」

但大眾普遍將動畫背景視為敘事的一部分，更關注最終的影像效果。不忍無數精美畫作，在動畫上映後似乎就這樣結束生命，Stefan動念，並在往後的日子漸漸確立方法：透過策展和出版，保存、推廣這個在日本動畫藝術中被低估的面向。

建築會說話

隨著逐年在動畫美術世界中的踏察與研究，Stefan也開始特別在意起其中的「建築」，「建築不只是裝飾布景，更能傳遞出作品的世界觀，直接影響觀眾如何感受故事的基調。 」

2016 年，Stefan於柏林建築製圖博物館策展《Anime Architecture》，並促成同名書籍（中譯：《日本經典動畫建築：架空世界&巨型城市》）在2020年出版，收錄近400張的珍貴草稿、原圖、分鏡、取材照片，空前地揭開了1988～2010年代日本科幻動畫經典的背後，美術設定與場景設計的面紗。

其中的作品，多是賽博龐克題材與風格，何以選題？Stefan解釋，「正因為賽博龐克動畫往往很依賴『建築景觀』來表達複雜的主題，它們本身就是一種敘事工具，能體現人們對於現代化的焦慮，也探索人性與科技之間的交互作用，創造出一個個既反映現實社會問題、又帶有沉浸感的世界。」

Stefan舉例，導演押井守便善用建築來營造氛圍與情緒，在《攻殼機動隊》中，他大量使用標誌性的「純背景」畫面，其中的2040年代城市「新濱市」，混合了真實的香港市景和未來主義元素，「狹窄擁擠的街道、被雨水浸透的都市景觀，讓人產生迷失感，營造疏離和脫節的氛圍，呼應了故事對身分認同和科技發展的探討。」

而 《AKIRA》（1988）中，設定在2019年的城市「新東京」（Neo Tokyo），則充滿高聳的摩天大樓、破敗的街區，氛圍狂亂，同時呈現出「進步」和「崩潰」，反映日本經濟繁榮時期快速都市化的集體焦慮，也鏡射出電影「破壞與重生」的主題，其中的建築設計則是受丹下健三等現代主義建築師之作影響。

還有靈感來自1927年德國同名科幻默片的《大都會》（2001），在人類與機器人共存的未來，導演林太郎將閃閃發光的烏托邦和工業化的反烏托邦並置，「這種二元性反映出社會的不平等，也是對不受控的技術革新的批判。」Stefan分析，「在其中，建築作為視覺意象，象徵城市的控制者和勞動階層間日漸擴大的鴻溝。」

從手繪到數位

Stefan坦言，自己迷戀的日本動畫，更多是誕生自手繪時代——那些繪者一筆一畫，用鉛筆、筆刷、廣告顏料在紙張上實現的創作，讓城市景觀除了敘事功能，更多了一層真實性和藝術價值。

而自1990年代末起，數位工具興起，數位繪畫、3D建模和CGI技術讓製作流程更加高效，也提升了視覺的錯綜層次。他舉例，《大都會》和《惡童當街》（2006）便是混合手繪技術和數位工具完成，畫面前所未有地細膩，「不過，儘管數位工具能實現更高的實驗性和精準度，有時卻缺少手繪的溫度和不完美——而這種帶有手感、甚至是個人化的質地，也正是我和許多合作藝術家（Stefan視動畫背景為一門藝術，也以『藝術家』稱背景美術師們）一致認為的、『前數位時代』動畫所擁有的情感厚度。」

有趣的是，Stefan曾問小倉昌宏，他是否能憑藉畫風指認出自己的作品？但即便如他一樣經驗豐富、50年來繪製過成千上萬幅動畫背景的藝術家，常常也難以篤定某幅畫是否出自自己之手。

「我參訪諸多動畫工作室的其中一個目的，就是試圖釐清哪幅背景畫是由誰負責——這比想像中難得多！」Stefan感嘆，雖然繪者各有風格，但要在動畫中創造一個虛擬世界，是一項龐大的、需仰賴大量協作的工作，往往需一整個背景團隊在美術指導的帶領下緊密合作， 讓每一幀背景都達到一致的水準、呈現出統一的視覺風格。

「事實上，小倉老師的不確定，恰恰證明了一個動畫團隊的成功。」他點出，這種合作性是動畫作為一種藝術形式的重要特徵之一，也凸顯了純藝術畫家和動畫美術指導之間的一大差異，「前者發展與眾不同的個人風格，而後者則必須抑制個人性，為作品創造統一的視覺語言。」

2021年，Stefan創辦Riekeles Gallery，致力提升動畫背景美術師的個人創作地位，強調其作品的技術性和藝術價值，同時獨家發行、販售高品質複製作，希望讓這門藝術形式受到更多關注。如今畫廊代理4位藝術家——小倉宏昌、大野廣司、水谷利春、草森秀 一，前三者都出身傳奇動畫美術指導小林七郎的「小林Production」，在那裡，他們養成透過簡約畫風帶出敘事深度的創作語言。

Stefan解釋，目前畫廊作品多聚焦賽博龐克主題，是因他個人對「動畫建築」研究計畫的著力，但這些藝術家們皆善於創造多樣的世界觀，畫廊即將更廣泛地展售他們其他畫風的作品，如近期即展出大野廣司在《魔女宅急便》中繪製的古樸海港小鎮風光；畫廊今年更將迎來多位新藝術家的作品，6月將展出林孝輔的《謝謝你，在世界的角落找到我》、《蒼鷺與少年》，他也正在籌劃《神隱少女》、《藍色恐懼》等背景擔當山本二三的回顧展，將其首次帶至歐洲。

矛盾與心動

在Stefan20年來策劃的多場展覽中， 2023年於日本谷口吉郎．吉生紀念金澤建築館的《動畫背景美術中的城市景觀》展，無疑是特別的——作品們回到了它們的原產國，但不再以隱身動畫中的一個環節，而是純藝術的角色被定格、單獨欣賞。Stefan分享，當時許多日本動畫業內人士，包括部分原畫藝術家，都對於這樣的詮釋感到好奇與驚喜。

自認是一位外來者（outsider）的他觀察，相比動畫產業已經和商業娛樂高度連結的日本，來自異文化、特別是歐美的觀眾，更傾向將背景美術視為獨立的藝術作品，能跳脫情節欣賞它們的工藝與細節。

但同時，他也以「做家務」比擬動畫建築的成功，「總是做得不夠好時，你才會注意到——它們還是必須支撐故事、激發預期的情感共鳴，且不能分散觀眾的注意力。」正是如此的矛盾性讓動畫背景迷人，也激發Stefan持續鑽研下去。他也相信，動畫建築富想像力又具功能性的設計，展現了空間結構能如何形塑氛圍和情感，也能為現實世界的建築設計帶來啟發。

那探索了20年後，好奇此刻什麼樣的動畫建築會讓這位研究者心動？

「老實說，這麼多年都待在『反烏托邦世界』，我現在更渴望多一些綠意和療癒——我想這也是為什麼在長期接觸《AKIRA》後，《魔女宅急便》會這麼吸引我的原因。」沒變的是，他始終對押井守曾說的一句話深感共鳴：「角色背後沉默的世界，才是導演傳達核心理念的地方。」而其中的建築，就是Stefan提煉給大家的，走入那個世界的密碼。

Stefan Riekeles

策展人，專注於動畫藝術領域，2021年創立位於德國波茨坦的Riekeles Gallery，致力保存與展示手繪動畫背景美術。2011年策展「Proto Anime Cut：Spaces and Visions in Japanese Animation」，是歐洲首個呈現經典日本動畫原始概念設計與背景美術的展覽；2020年出版 《Anime Architecture》 一書，現已成為動畫藝術愛好者的重要參考文獻。其策展項目還包括「AKIRA - The Architecture of Neo Tokyo」(柏林，2022；美國，2024)及「Cityscapes in Anime Background Art」（日本，2023）。

_{文｜李尤　圖片提供｜Riekeles Gallery}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/3月號《建築還能怎麼觀看？》