你聽過「藝術銀行」（Art Bank）嗎？此概念最早起源於加拿大，為支持自己國家的藝術家，由政府提供資金購藏藝術作品，並以租賃的形式出租給公部門、法人團體或民間企業，增加作品流通、被普羅大眾看見的機會，繼澳洲、南韓，臺灣也有自己的藝術銀行！

藝術銀行計畫由文化部推動，始於2013年，現由臺灣美術基金會擔任執行者，為臺灣唯一以收藏作品方式扶持潛力藝術家之公設機制，執行長林平說明：「臺灣是亞洲少數擁有藝術銀行的國家之一，除了鼓勵創作，透過專業委員綜合評估機制，購藏具發展潛力的藝術創作，另一個主要目的是推廣全民美學，讓藝術走入人們的生活！」

不只是「租賃」，創意合作讓藝術成為各種生活日常的陪伴

今年屆滿10周年，藝術銀行已購藏超過2,921件臺灣當代藝術作品，並不斷拓展租賃模式與其他單位合作的可能性，營造多樣的藝術欣賞環境，執行長林平分享：「我們希望延伸租賃服務，增加運用作品的光譜，例如與駐美國臺北經濟文化代表處的合作，即不僅限於大使館的主題策展，更成功至當地專業畫廊展出，達到藝術文化走入民間的外交目的；與大毅老爺行旅酒店的合作，將不同樓層的電梯梯間規劃為如美術館的主題展間，更邀請藝術銀行購藏的藝術家為飯店現地創作，這些都超越了租賃範疇。」

談到藝術銀行未來的方向，林平提到媒合的角色也很重要，在租賃、主題策展、圖像授權、公共藝術之外，作為藝術的媒合平台引介人才，如先前為醫院安寧病房空間改造的媒合，或更進一步促成作品收藏，「我們租賃出去的作品可能會出現在銀行、公司的會議室、建案的大廳等各種場域，當藝術創作不僅只是美術館中的展覽品，更輕鬆自然地走入大眾的日常生活中，每天都可以看到時，能不能和藝術品日久生情？讓人人都成為『潛力收藏家』。」另一點則是提供完整的專業服務，「藝術銀行裡不僅有專業的藝術租賃規劃／策展師、空間評估師（空間安全風險、環境是否適合展出），還有作品修護師，未來希望在中部成立修護站，對外提供專業的修護服務。」當收藏藝術作品後續的展示、修護服務都完善時，藝術才能更加普及。

在尋常食衣住行的日常生活場景中

《帶一片風景走》

藝術銀行10周年，呼應其核心精神「相信藝術作品可以成為一種『日常陪伴』進入人們的生活」，於根據地臺中舊城區舉辦了主題展覽計畫《帶一片風景走》，從「近身」出發，邀請5位來自不同領域的生活風格創造者擔任提案人，提出一間與生活息息相關的在地店家，包括七柒工作室（金工）、SHUClub酒吧、臺中李方艾美酒店、迷途|理髮&咖啡、柳梢青餐廳，並依照每個店家的空間性質挑選一組藝術作品，成為店內一景。當這5家充滿日常生活氣息的店面，與藝術銀行串連成一條舊城區的藝術散步地圖，像是在日常裡添增了非日常的探險趣味，讓人們在日復一日的作息中，以另一種新鮮視角「帶走一片生活風景」。

執行長林平說：「這個展最有趣的地方在於，我們特別邀請了藝術家余政達，以其創造的虛擬國際網紅『法咪咪Fameme』身份，一一造訪這5間店家，並拍攝成5齣鮮活的城市生活短劇，於藝術銀行一樓的裝置櫥窗內播放，以影像形式讓故事同時發生於網路與現實世界，騎樓上也設置了座椅與綠植，大眾可以在此休憩和觀看，宛如街頭電影院，貨真價實地成為你生活的一部分。」

文博會登場

《上半場比數10：10》(10周年計畫裡的當代藝術策展)

藝術銀行在2023文博特展展期，呼應總策展主題《野生臺灣》，並作為10周年展覽計畫《帶一片風景走》的延伸，邀請資深策展人胡永芬策劃了《上半場比數10：10》特展。談到展覽核心，胡永芬從藝術銀行在面對公眾時的定位出發，「希望讓大眾看到臺灣藝術家的實力，並認知到其價值。」回顧這10年來的歷程，除了為國家保存重要潛力藝術家作品的任務之外，藝術銀行更見證了臺灣藝術家們創作過程中的成長及流變。「實際上，10年的時間對於藝術家生涯而言並不算長，從藝術銀行購藏支持的潛力創作者們、年輕藝術家來看，就如同是運動賽事的上半場剛結束，漫長的下半場才正要開始，但能夠堅持10年在這條路走下去、持續發表創作者，為數並不多。」

胡永芬說明：「優秀的藝術家一生都是與自己戰鬥，內在與現實、過去與現在的戰鬥。我們從藝術銀行10年來的收藏裡，挑選出40位長期觀察以來具有潛力的藝術家們範疇涵蓋畫作、雕塑、影像創作等，將過去購藏的舊作品作為起點，再透過與藝術家們的密切討論，選出一件足以印證其成長幅度、傳達當下創作發展狀態的新作。」展場空間設計減少一次性的施作物，以可重複使用的組合鋼架架構出不同區塊，並以雙色對照，藍代表舊作、黃為新作，如同「鬥陣俱樂部」（Fight Club）中站上自己與另一個自己的擂台，讓觀者可以從兩件作品的對位，想像或感受藝術家一路走來的創作脈絡，甚至是內在的變化、掙扎與成長。

若說臺中舊城區的《帶一片風景走》展覽主軸為「讓藝術走入生活」，於臺北的臺灣當代文化實驗場中展出的《上半場比數10：10》，則為當代藝術範疇的主題策展，兩地兩展分別展現出藝術銀行10年來深耕經營的多元樣貌，藝術是可親的，是日常陪伴的，同是也是極具專業性、啟發性的，充滿有機的生命力。

藝術銀行

https://artbank.tfaf.org.tw/default.aspx

《帶一片風景走》

藝術銀行櫥窗及各店家，展出時段各有不同，請至官網確認。

2023.04.15～2024.04.14

《上半場比數10：10》

策展人：胡永芬

參展藝術家：王午、王鼎曄、方偉文、呂浩元、何采柔、何孟娟（+陳肇驊）、李育貞、李燕華、吳權倫、周代焌、東冬侯溫、林冠名、邱承宏、袁慧莉、郭奕臣、許哲瑜、梁祐寧、張育嘉、張哲榕、張靜雯、黃彥超、黃海欣、黃琬玲、黃蘭雅、陳文祥、陳伯義、陳松志、陳依純、陳怡潔、陳飛豪、陳漢聲、陳萬仁、陳嘉壬、陳曉朋、陳擎耀、楊子弘、詹莊軒、劉耀中、蕭筑方、蘇煌盛(按姓名筆劃排序)

展覽時間：2023/09/22-2023/10/01

展覽地點：空總原址/臺灣當代文化實驗場  圖書館展演空間、通信分隊展演空間

展覽與活動詳情：https://www.facebook.com/twartbank

文 | 黃阡卉   圖片提供 | 臺灣美術基金會

《大美不言》展覽遵循主題性探索的脈絡，共展出96件國立故宮博物院藏品、80件裝飾藝術博物館藏品和85件Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏珍品，透過傳統工藝的豐富內蘊，令觀者毋須依賴文字或語言來傳達意義，而是藉由視覺、情感與心靈的共鳴，感受設計背後的美學哲思，展現藝術無國界的雋永魅力。

「大美不言」出自《莊子・知北遊》，談天地間有自然之美，四時交替、萬物榮枯、都有定序，但卻不必言語。惟自然之美有其時空環境，未必可以隨時再現或任意轉移，於是人們取材如珍珠、珊瑚、琥珀、珍貴寶石及金屬礦物，透過藝術家的修飾與雕琢，成為可以隨身佩帶的珠寶及裝飾藝術。

本次展覽所規劃5個主題單元：「自然萬物」展示取法自然並以自然萬物為藍本的作品；「動靜有形」呈現動感與活力的設計；「奇幻仙境」則構築奇幻天地；「神祕莫測」揭示作品中隱藏的驚喜與奧祕；「五彩繽紛」展現製作上的色彩運用與巧妙技藝。《大美不言》特展更是國立故宮博物院國際合作的重要里程碑，同時開啟故宮百週年院慶的展覽，於台北及嘉義接力舉行。在獨有沉浸式氛圍的展場中，還可以體驗色彩之極致應用，透明玻璃及壓克力展台，營造出展件漂浮於空間中的視覺效果，在充滿色彩又晶瑩剔透的環境中，欣賞與感受作品之美。

自然萬物

第一個展區中，藝術家致力於再現動植物的美麗與和諧，瞬息萬變又亙古長存，脆弱嬌嫩與強大並存。花卉於東方文化傳統中經常用以象徵季節——梅花代表嚴冬、蘭花喻示春意盎然、蓮花象徵夏日盛景，而菊花則象徵秋高氣爽。故宮院藏〈剔紅菊花圓盤〉、〈銅胎畫琺瑯菊花紋方壺〉正是運用後者作為主要裝飾元素，圓盤正面雕刻5朵菊花，線條奔放有致，裝飾華麗，營造出生機盎然的視覺效果。茶壺則施以釉面抑或雕塑，均勻遍布呈現這種花卉，並列這兩件藝術品，便不難發現單一題材如何透過多樣的創作手法，呈現截然不同的藝術效果。

再看到巴黎裝飾藝術博物館館藏〈摺疊屏風〉、〈伊勢形紙〉，菊花與長壽的概念有密切關聯，亦與日本藝術備受崇敬的季節之一——秋天，密不可分，是裝飾藝術中常見的題材。在這些型紙上，花朵逼真的特寫，映襯著茂密的葉叢，捕捉花瓣在微風中飄逸婆娑的動態美。而屏風則於一面配飾山水圖景，另一面則繪有各式菊花。據說這面屏風很可能在1889年的巴黎萬國博覽會上展出，是日本首次參與的西方國際盛事。而使用了Van Cleef & Arpels梵克雅寶於1933年獲取專利的Mystery Set隱密式鑲嵌技術，〈CHRYSANTHEMUM胸針〉設計於上層採用黃K金隱密式鑲嵌紅寶石，下層則以鉑金鑲嵌鑽石，完美捕捉菊花綻放之美，並展現獨特紋理與細節，體現梵克雅寶卓越非凡的工藝造詣。

動靜有形

藝術作品如何以獨特方式展現輕盈活躍的生命力？此展區的51件作品體現藝術家出色的工藝，運用材質、技法和巧奪天工的機關，栩栩如生地表達動感效果。故宮院藏〈端石海天浴日硯〉儘管尺寸不大，整件作品的雕刻深淺起伏疏密有致，令渦流波瀾富有韻律感，起伏滾動的流線形塑造洶湧澎湃、氣勢磅礡的海洋氣勢。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈向竇加致敬雕塑〉，則為玻璃藝術大師Matei Negreanu巧妙玩轉運動的物理面向、非物質面向與無形的面向，營造形式與空間之間搖搖欲墜的平衡，他獨特的創作手法流露在作品表面流轉的光影效果、霧面質 感與半透明的特質，在80年代的法國玻璃工藝界別樹一幟。

而自1906年以來，Van Cleef & Arpels梵克雅寶便憑藉對黃金精湛的駕馭能力，以多樣的手法塑造作品的紋理與細節。〈煙盒〉上綴飾的起伏紋路，或稱「璣鏤雕花」（guilloché）工藝，乃是透過在黃金表面刻劃密集平行的波浪紋，營造出光影變幻的浮雕效果；時至70年代，〈歐普藝術御門手鐲〉運用「米蘭網」（Milanese mesh）工藝，於作品表面進行壓模處理，呈現錯落有致的波浪紋路，彷彿泛起了陣陣漣漪。

奇幻仙境

此展區共34件作品皆生動展現居住於夢境的奇形動物、奇美拉與混合生物的形態與符號，隨著時代與文化的演變而不斷蛻變。故宮院藏〈朱碧山款「張騫乘槎」銀槎〉指涉的正是漢代探險家張騫的故事，運用空心樹幹的形象描繪張騫從天界返回時乘坐的著名木筏。這件作品以簡潔流暢的線條雕琢乾燥樹幹的紋理，彰顯人物的平滑面容。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈蓋碗〉由法國銀匠Jean-Baptiste Odiot於1819年製造，握把上兩位身披羽翼的女性造型，象徵著羅馬女神維多利亞，支座還綴有羽冠獅頭裝飾與棕櫚葉紋。Odiot為這類蓋碗創造多款握把，蛇形和天鵝造型便是其二，包括此類蓋碗的大型餐具系列，為法國餐具工藝帶來卓著聲譽。

2010年的〈LUNA長項鍊〉，採用隱密的機關設計，可拆卸單獨作為胸針佩戴，它出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶「Les Voyages Extraordinaires」主題高級珠寶系列，影射了法國作家儒勒・凡爾納的小說《海底兩萬里》，講述尼莫船長和他的船員在潛艇「諾第勒斯號」內探索深海的故事。玉髓、月光石、黑色蛋白石和縞瑪瑙，營造一系列淡雅和深邃的漸層色調，彷彿海底世界的深邃無垠，彈奏豎琴的娜伊亞德女妖圖案凝聚了整件作品，鑽石琴弦宛如水滴般閃爍。

神祕莫測

即便一件實用物品的功能看似一目瞭然，但仍可能蘊藏一些奧妙玄機之處和鮮為人知的工藝技術，這個展區中的28件作品，件件都在挑戰觀者的視角。根據記載，乾隆皇帝在他的宮殿內擺設眾多如故宮院藏〈竹黃貼花百什件〉的奇趣盒，作品以竹片拼貼而成，集美觀與實用於一身，其採用多層隔間的設計，並在側面設有隱藏抽屜，用於存放各類物品，如鼻煙盒、扇子、玉器、瓷器等。打開這件百什件，猶如揭開一則祕密，工匠巧妙設計一種既能保護、又能展示這些藝術品的神祕奇趣盒。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈文件櫃與座椅成套的辦公桌〉，由建築師兼室內設計師雅克・阿德內特（Jacques Adnet）設計。黃銅裝腳模仿竹子的輕盈，呈現X型，不只增強結構強度，亦反映出亞洲藝術的影響，突顯當時法國傳統風格的地位，也令人想起18世紀典型的女用書桌「bonheur du jour」。

另外，於1933年獲得專利的百寶匣（Minaudière），是結合精緻美學和實用性的長形方盒，可收納粉餅、唇膏、梳子、香煙等。1935年的〈CURL百寶匣〉在邊緣內設有隱藏的鏡子和腕錶，隔層設計令人聯想到Walter Gropius和Eileen Gray等現代主義者的作品，而這些作品於蓋子上的裝飾：鐫刻的金色圖案、鑲嵌細工或漆飾，皆如此件設計，展現了豐富多樣的珠寶藝術，以及亞洲裝飾藝術對世家的影響。

五彩繽紛

色彩可忠實再現自然界最細微的暈影，也能為想像賦予生命，第五展區的81件作品，展示裝飾藝術的領域中，隨著技術和材質的演進，色彩光譜不斷發展的方式。故宮院藏〈碧璽佩〉、〈碧璽雙耳瓶〉、〈玻璃碗〉、〈紫水晶鐲〉、〈胭脂紅彩杯〉，其中有3件作品的色彩源自礦物質，而另外2件碧璽作品，則以精湛的鐫刻工藝見長，打造如意、蝙蝠、龍等圖案。玻璃碗的金紅色，是經由燒製前於紅色染料中，加入金粒呈現出的效果，而白色的部分則是透過琺瑯層打造，其中晶瑩透亮的粉紅色是這件作為酒器的玻璃碗，獨樹一格的罕見特色。

蛋白石水晶由骨灰、錫和砷組成，是19世紀法國水晶製造業的一大創新技術，而採用蛋白石水晶製造的產品，稱為「類蛋白石」（opaline），一推出即廣受歡迎。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈戒指座〉點綴著小飾瓶的戒指架，充分展現當時生產作品琳瑯滿目的色彩：源自白蠟或砷的白色、金鹽的粉紅色、銅氧化物的藍綠色，以及銻的黃色。

20年代和30年代Van Cleef & Arpels梵克雅寶將目光轉移至紫水晶和石英等寶石，〈猴飾桌鐘〉上有著一隻環抱幼猴的紫水晶靈猴，停憩於縞瑪瑙和黃K金組成的分層圓形底座上，而時間則顯示在長方形的開口處，周圍環繞著琥珀砌成的菱形圖案，點綴閃爍鑽石；結構整齊、具幾何造型的〈煙具套組〉皆由玫瑰石英製成，火柴盒採用黃K金點綴，鑲嵌凸圓式車工藍寶石，呈現強烈對比的色彩，呼應了30年代的建築和室內設計的風格。

《大美不言》展覽經由多元的藝術形式，展示了無言之美的力量。這種美不依賴於語言的敘述或解釋，而是透過視覺與心靈的雙重感知，觸動觀者的內心深處。展覽的每一件作品都是一個靜謐的世界，等待著觀者以心靈去感受與體驗，正如「天地有大美而不言，四時有明法而不議，萬物有成理而不說」，真正的美隱於無聲無形之中，卻直擊人心。

焦點展品一次看！

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉——國立故宮博物院／陶瓷，清　乾隆皇帝（1736-1795）

此件乾隆時期瓶器的結構特別複雜，由4個相互銜接的旋轉部件組成。瓶身裝飾極為豐富，繪有五彩祥雲紋、紅色蝙蝠、如意紋（雙環相向纏繞，末端對稱）以及蓮花和芭蕉葉紋。裝飾輔以精緻的鏤空，形成兩對雙龍攫持蓮花和靈芝的圖案。這些不同的裝飾元素在瓶身旋轉中層疊交錯，變化繁複。此件作品的工藝技巧、機關裝置以及裝飾圖案，概括本次展覽的5大主題。

〈布洛瓦帶蓋長頸壺〉——巴黎裝飾藝術博物館／瓷器、琺瑯、鍍金，法國塞弗爾國家瓷器廠（1736-1795）

這件來自布洛瓦的長頸水壺是19世紀法國奢華製品上乘之作。當時塞弗爾國家瓷器廠將餐具等物品供應至整個歐洲，並受到法國文藝復興的啟發，揉合卓越的技術專長和知名藝術家才華。壺的底色和堆花裝飾（pâte-sur-pâte）手法則受到亞洲陶瓷的啟發，展現製造廠探索工藝的技術。

〈Zip項鍊〉——巴黎裝飾藝術博物Van Cleet & Arpels Collection／黃金、鉑金、祖母綠、鑽石（1952）

前衛的〈Zip Van〉項鍊出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶開創性的設計，靈感源自飛行外套和軍服上的拉鍊，後來於30年代時引入時裝設計。世家洞悉時尚動態，巧妙將此設計機制運用於珠寶創作。此項鍊於1938年獲得專利，1950年出產，其中滑動自如的流蘇式拉鍊頭，使得這件作品具備多樣佩戴方式，拉開時可做項鍊佩戴，拉闔時則可轉換為手鍊。這件1952年製的〈Zip〉項鍊，綴飾著由黃金製成的心形圖案，並點綴祖母綠寶石和鑽石，流露動感與神祕感，充分展現出世家所擅長的可轉換式珠寶的設計與偏好。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

作為臺北最早發源地，中正、萬華二區擁有豐碩的商賈文化與深厚的人文底蘊，雖然舊時街景不再，這裡至今仍以城中商圈、西門町的華燈景象聞名。2024北美館「街事美術館」聚焦中正及萬華一帶的歷史風華，透過北美館典藏作品賞析、當代藝術家帶領的共創工作坊，再現彼時的生活記憶。

臺北市立美術館一年一度舉辦的「街事美術館」計畫，主題圍繞「臺北人的365日常」，每年都會進駐城市裡的不同區域，走入社區進行藝術推廣公眾計畫，邀請當地居民重探臺北在地的人文面貌。「街事美術館」今年選定中正區與萬華區，攜手臺北市中山堂管理所（中山堂）合作，以《城中轉身術》為主題，呼應熙攘流動的城市氛圍。

3幅館藏帶出今昔城景對比

中正區昔日建有臺北府城，代表著臺北發跡的起源；萬華區則是大家琅琅上口「一府、二鹿、三艋舺」中的「艋舺」，隨著19世紀後期臺灣經濟中心北移，艋舺便因而興起，奠定今日臺北發展的根基。

為了這次《城中轉身術》主題，北美館自館藏中尋找與中正區、萬華區當地相關的作品，最終選出鄧南光《台北，北門口平交道》（1941）、張照堂《萬華I》（1978）與龍思良《懷念西門町》（1993），並將這三件平面作品以原尺寸數位輸出，於中山堂展示。三件作品中有繪畫、也有攝影，雖創作於不同時期，卻都呈現出該區域過往的樣貌，不約而同地喚起歷史意識與生活記憶。欣賞作品之餘，參觀者也能將之與當今週遭街景對照，感受城市的多樣變化。

藝術家 x 在地居民，共創城區記憶與想像

2024街事美術館《城中轉身術》也邀請當代藝術家崔廣宇與許家禎，分別企劃多場共創工作坊。崔廣宇引領參與者觀察當地環境與街景的轉變，探索夢想與日常生活的交會，並藉由藝術行動提出對於在地的再造想像，呈現一系列關於生活奇想的錄像作品；許家禎則透過實地踏查、田調訪談，蒐集承載老店商家的回憶之物，將其印製成卡牌，並藉由桌遊的提問、解析環節，引導參與者一同探索城區的過往，進而拼湊出虛實交錯的集體記憶。

2024街事美術館《城中轉身術》

展出地點｜臺北中山堂2樓「第一展覽室」（臺北市中正區延平南路98號）
展覽期間｜2024年11月16日至2025年3月2日
開放時間｜週一至週五9:30至17:00 （以中山堂官網最新消息為準）
入場方式｜免費開放