藝術的火花常發生在跨文化、跨領域間的碰撞，即將於 11 月 20 日～12 月 1 日在臺北表演藝術中心登場的「2023 Camping Asia」， 串聯起亞洲、歐洲、非洲的藝術家與相關科系學生， 其中更有引領全球當代藝術指標性人士帶來的多檔精采演出。 

2023 Camping Asia 靈感源自營隊的形式概念，由臺北表演藝術中心、法國國家舞蹈中心及香奈兒共同合作，以「Asia亞洲」為核心，汲取法國與台灣的表演藝術經驗，打造出深具在地特色的 Camping Asia 。邀請11個地區21位藝術家、16所藝術院校超過120位師生參加，並推出豐富多樣的表演藝術營隊課程，包含表演節目、工作坊及各式活動，實踐跨文化、跨領域 「Open for All」的理念。

以拓展藝術教育為核心價值，Camping Asia 讓學生直接跟世界各地的藝術家們工作、交流，成為培育新世代人才的重要平台。而受邀藝術家們除了授課及帶領工作坊，也將帶11檔結合舞蹈與多樣藝術形式的表演節目，並開放一般觀眾購票欣賞。La Vie率先精選亮點演出，邀請大眾走入跨域舞作的想像！

《我是紅》 美感流動下的審美批判

大膽鮮明又帶點挑釁，開幕大秀——肯亞藝術家萬吉魯‧卡穆尤（Wanjiru Kamuyu）帶來的《我是紅》（Portraits in Red），以鮮紅色布幔轉化為舞者的衣裙、面具及第二層肌膚，每一次的舞動即形塑出流動感，美的標準就在其間流轉。除喚醒觀眾對美的多義性想像，亦對女性身體物化及異化、乃至種族和社會偏見所塑造的審美標準提出質疑。萬吉魯‧卡穆尤透過演出挑戰主流審美觀，對於長久以來被歐美時尚產業所主導的美學標準，引導觀眾進一步省思與批判。

《扮仙》 為傳統與現代開展對話 

扮仙，是進行廟會活動或傳統戲曲前重要的開場戲，因受年輕族群減少祭祀神明、本土文化被網路影視媒體取代的影響，漸漸式微。闖劇場創辦人黃懷德演出作品《扮仙》，以醉八仙為靈感，融合傳統藝術與現代舞，在歷史記憶及性別認同交錯的多重思考中，透過觀察台灣的過去與現在，進而發展出全新的身體語言，讓傳統與現代再次展開對話。 

《深林》 從「腳譜」探索的原始面貌 

當腳踏上土地，人類與山川大地的連結便由此產生。由太魯閣族原住民藝術家瓦旦‧督喜所創立的TAI身體劇場，承襲祖先對自然大地的智慧及身體記憶，其演出作品《深林》強調了腳與土地的關係，記錄60多式 的「腳譜」，透過臉上蒙著紅色布巾的舞者，踏在如河流般橫過舞台的銀箔上，於傍晚與黑夜的交替間，舞出人類的狂喜與顫慄。藉由這獨特的舞蹈，探索《深林》深處的人類面貌。 

《迷幻長日》 多變矛盾中的不屈意志 

城市與鄉村的碰撞會譜出什麼火花？首次來到亞洲的奧地利表演藝術家西蒙‧梅爾（Simon Mayer），既是舞蹈家也是音樂家，在表演《迷幻長日》（SunBengSitting）中結合多變化的藝術媒材，無論是優雅的小提琴及粗獷的電鋸，或當代舞蹈與民俗舞蹈的交融， 透過呈現城市與鄉村的矛盾，探討城市與鄉村、家鄉與異地、框架與自由，並表現出西蒙‧梅爾不肯屈服於類別和傳統的意志。 

《Game On》 從競爭探尋自我的獻舞 

競爭，是所有人一生中必然面對的處境，對舞者來說尤其如此。曾獲得 2022 年日本橫濱舞蹈大賽 評審團獎的台灣編舞家劉奕伶，此次獻上的舞作《Game On》，將焦點放在「競爭」所帶來的被定義、被抉擇、被決定離去或留下、認識別人及了解自己的議題，更將主題延伸至與他人和自己的較量。與別人的比賽會結束，與自己的較量卻無窮無盡；無論哪一種，都要拿出 Game On 的勇氣！

《跳舞吧！如果你想進入我的國家》 身分不平等下的敘事獨舞 

恐怖分子與舞者，這兩者之間有何關聯？日本行為藝術家松根充和（Michikazu Matsune）展演的《跳舞吧！如果你想進入我的國家》（Dance, If You Want to Enter My Country!），以幽默中不失挑釁的獨舞，檢視身分歧視和監控的陰暗面。作品靈感源於多年前一名非裔美國舞者入境以色列時，因穆斯林名字在通關時被攔查，被迫在邊境安全人員面前跳舞，以證明自己的身分。松根充和以生成假護照頭像、過海關時的側錄片段與舞蹈，引領觀眾思考作為全球公民所存在的身分不平等問題。 

《開箱 No.2》人生旅途的開箱與重新詮釋 

經歷時光淘洗的藝術家，開箱後會是什麼模樣？由印尼著名的行為藝術家麥拉蒂‧蘇若道默（Melati Suryodarmo）呈現的《開箱No.2》（Unpacked No.2），以「講演式展演」 表演形式，將過去20年的創作融合、重構後，組建出新的詮釋，展示過去表演的物件、遺物和碎片。開箱的物件見證了與之共處的人，並傳達意義、 歷史和情感；人生旅途中的打包與卸下也是人處境轉變的軌 跡，透過作品觸動觀者對身體和環境間的界線展開探索。

文｜陳采萱　圖片提供｜臺北表演藝術中心　

更多精彩內容請見 La Vie 2023/10月號《當時尚遇見藝術》

由沿岸制作於2023年發起的品牌「p.n.g.」，帶來的首檔企劃展覽《招牌：》（SIGN: Promotional Narrative Guidance），透過重新定義「招牌」於社會中的角色，以不同面向角度深入探究，逐一拆解招牌在社會長期累積的文化意涵。本展於3月22日至3月30日於 PPP 時尚藝文空間展出。

p.n.g. 為沿岸制作發起之品牌，希冀作為反射生活價值概念的萬花筒，以社會學研究為本的設計品牌，透過對於生態、社會文化、歷史、政治、科技與哲學議題的關注，加以解構與設計轉譯，挑戰人們認知當今社會的想像。而《招牌：》作為p.n.g.的首檔展覽，期盼從自身關注的議題開始，研究梳理而後簡化成大眾可以消化的內容，也期待在未來能夠與更多專業的研究單位合作，一起使關注的議題被看見。

什麼是招牌？

《招牌：》從議題的根本「什麼是招牌？」展開，透過展覽的四個子題切向——「Promotional」、「Narrative」、「Guidance」、「Aesthetic Iteration」，揭示著「招牌作為一種審美價值觀的映照」。而在此次的議題研究中，得以發現招牌的形式與概念逐漸萌芽，建構在「商業活動」的形塑之下，p.n.g.試圖回溯著人類歷史上的「第一個招牌」，透過勾勒出招牌的「前世今生」，描繪招牌在社會中的文化表現，其符號如何建立出共通語言，表述招牌背後的目的並與大眾產生連結。

Promotional／招牌象徵不斷傳達我是誰

展覽第一區「Promotional」，陳述著招牌被視為一種外顯的店家名片，既可以等於品牌本身，更可以透過招牌形體的表現設定，形成一種對外的溝通語言，與社會普遍價值觀進行連結。當招牌在回應「我是誰」的同時，它所指涉的形象本身，也試圖透過各種大聲喧嘩的方式，在社會群體中強調個性、突顯自我。同時，展區藉由三部不同敘事角度的影片：〈台灣招牌的現況〉、〈為什麼會有這樣的招牌？〉、〈我們怎麼認知現在的招牌？〉」詮釋大眾、招牌廣告店家、以及普遍現況的視角論述，提供觀眾不同觀點論述的可能，試圖回應「臺灣招牌從何而來？」。

Narrative ／招牌進行式

展覽第二區「Narrative」，展示著「手繪招牌」、「霓虹燈」、「發光招牌」、「動態招牌」各別呈現的形體，與當下所形構出來的「字體」與「顏色」不同，代表著每個時代反映的價值觀論述，而這些梳理過後的審美結果，完整地融合成我們現今看見的城市街景。《招牌聚落》藝術裝置，乘載我們對於「招牌即為一城市聚落」的想法。聚落（settlement），象徵著人們聚集所形成的所在地，而招牌則是人類社會活動所演進與推動的，我們現今所見的街景，充斥著各種不同的招牌個體，聚集所形成的城市是一個龐大、歷史悠久的聚落，附載著數百年來的人類活動、思考的痕跡。

招牌聚集所形成的城市街景，也正恰好回應著社會、群體與個人之間的交互關係。p.n.g.透過招牌的轉變歷程與系統性的歸類、勘查，釐清不同招牌樣式所產生的緣由與時代背景長遠的影響，於此「臺灣招牌年表」則作為計畫中舉足重要的內容之一，透過相互對照的臺灣／國際歷史與招牌時代演變，成為了每個時間段的連續關係，同時也有著不同程度的斷層存在，臺灣招牌年表作為探究臺灣招牌的一種途徑，提供一個更宏觀、全面的視角使我們建構起招牌與臺灣審美價值觀的年代地層。

Guidance／這是招牌嗎？

展覽第三區「Guidance」，以招牌其中一項意義——指引（Guidance），作為城市中的指引標示，作為店家被大眾認知的載體。然而梳理招牌的歷史脈絡中發現，招牌作為一種城市中的符號象徵，它原始所代表的符徵與形式，在歷經時代變革後逐漸弱化，取而代之的是，當面對社會狀態與科學技術的更替後，延伸變化出的全新樣貌——包括：招牌呈現形式、使用語彙、被認知的意涵，這類型的招牌超越傳統招牌的純指引性功能，轉以另一種意涵的指引為訴求，成ㄊ城市空間或個人經驗的一部分。〈聲音招牌〉則代表著這樣的轉變，以聲音作為招牌符號，透過聲音的震動與傳播，將聲音招牌具象化，那些習以為常的聲音招牌存在於我們的之間，建構起我們對於這些商家的想像與認知。

Aesthetic Iteration／招牌是隨處可見的時代縮影

展覽第四區「Aesthetic Iteration」，透過提問「觀看招牌時所形成的評斷，其背後建構起來複雜、多元、難以分辨的『價值觀體系』是什麼？」展開，以社會學、哲學的論點切入，為一個龐大的疑問提出不同觀點，釐清我們如今所形塑的審美架構與認知從何而來。

城市街景更代表著不同時代的緊密交錯，透過招牌的內容，恰如其分地表達當下時代的脈絡與城市語言，仿佛招牌即是一龐大的岩石地層，以時間序列的方式，縝密地將美學價值觀逐一疊加，成為一種濃縮的美學價值觀。〈街道地層〉全新藝術裝置，即是源於此概念下產生，透過將「地層柱」的概念延伸為審美價值觀的迭代，將「招牌」視為表達當下社會現況的媒介，以各種招牌材質為地層的視覺語彙，剖析招牌地層柱的過程，如同揭示著臺灣招牌歷史的演進，以及社會價值觀、審美觀的累積。

在資本主義與商業模式橫行的社會下，人們其實在無形之中透過選擇購買的商品，來逐漸塑造自己成為某種形象。而這些選擇累積起來，形成個人在社會中的定位與認同。「我們穿上別人以成為自己」，這句話闡述著一種弔詭的矛盾現象——在追求獨特性的過程中，是透過選擇與組合既有的社會符號來建構自我。因此，p.n.g.也特別邀請藝術家陳青琳，透過繪畫的方式，進一步轉譯「我們穿上別人以成為自己」的概念，將街道上的招牌融入「自己」，呈現著所謂的成為自己；而在陳青琳充滿奔放、自由的創作中，我們看見招牌符號融匯社會之中的意象，也在觀看招牌的同時，望見自己。

《招牌：》SIGN: Promotional Narrative Guidance
展覽日期：2025年03月21日（六）～2025年03月30日（日）
展覽時間：週一至週日 10:00-19:00
展覽地點：PPP時尚藝文空間（台北市中山區中山北路二段26巷2號1樓）
參觀資訊：免費參觀

_{資料提供｜p.n.g.、文字整理｜Adela Cheng}

臺北市立美術館兒童藝術教育中心（北美館兒藝中心）於3月22日起，推出全新教育計畫「靜 • 物」。本次計畫以「靜物」為主軸，由館內策展人王瑋婷策劃，展出王亮尹、吳思嶔、走路草農／藝團、邱承宏、張義雄、莫伊塞斯‧巴瑞歐斯、郭柏川、劉啟祥、賴九岑9組藝術家作品，涵蓋繪畫、雕塑、錄像與空間裝置等多元藝術形式，其中更包含多件北美館典藏作品。邀請大小朋友透過藝術重新審視日常物件，開啟對「物」的多重想像與體驗。

「靜物畫」（Still Life）在17世紀荷蘭黃金時代，發展為獨立繪畫類型。當時，隨著經濟繁榮，美食佳餚、異國絲綢、精緻瓷器等成為畫家筆下的熱門題材。然而，靜物畫的歷史可遠溯至古希臘，並在不同時期與地域背景下衍生出多樣的象徵意涵。本展透過「物與物的關係」、「時光定格」與「物的再創造」三個子題，拆解靜物畫的多重面向，引導觀眾探索藝術家如何運用構圖平衡、凝結時間與情感，並轉化日常經驗，讓尋常的靜物在嶄新視角中，展現更多未曾想像的可能。

「物與物的關係」

藝術家透過靜物擺設之間「物與物的關係」，巧妙營造畫面的比例與構圖，不僅成為召喚記憶、激發想像的媒介，也是本展的起始點。前輩藝術家郭柏川的《蘋果與花布》色彩飽滿鮮明，融合後印象派、野獸派的用色及精神，不僅展現對家鄉臺南燦爛陽光的回應，西方油彩顏料與中式宣紙的結合，成為思索東西融合的代表作品；張義雄1950年代的作品《吉他》以強烈的黑色線條勾勒畫面，將吉他、樂譜、花瓶等桌上物件呈現出如剪紙般的拼貼效果，作品反映藝術家當時所承受的生活壓力與內心鬱悶，也展現他對畫面構圖的精心佈局與用色技巧。《香蕉恐龍》來自瓜地馬拉的藝術家莫伊塞斯‧巴瑞歐斯，描繪恐龍在巨大的香蕉上爭吵，隱喻中南美洲長期依賴香蕉為主要經濟出口作物的情況下，未曾止息的權力鬥爭。

「時光定格」

光線在靜物作品中扮演關鍵性的角色，「時光定格」探討其中隱含的時間概念。《最後的願望》是藝術家王亮尹以著名的流動筆觸與滴流色塊，描繪生日蛋糕的外包裝及櫻桃，透過這些物件喚起觀眾對回憶與願望的聯想，營造情感與自我對話的空間。同樣取材自日常經驗，劉啟祥《桌下有貓的靜物》描繪一隻花貓趴伏在桌下層板，桌上擺放著柚子、柿子與佛手瓜等蔬果，光線自畫面右上方灑落。透過藝術家的視角，觀眾彷彿與藝術家一同凝視日常一隅，感受光影流動間的寧靜與詩意。

「物的再創造」

在「物的再創造」子題中，將自身經驗轉化為獨特觀點的藝術形式，探索物件在不同情境中的全新意義，進而激發觀者的多元聯想與情感共鳴。吳思嶔的單頻道錄像作品《I have a good doggy》靈感來自於他在工作室附近撿拾到狗的頭骨，以影像紀錄使用樹脂土逐步還原狗的肌肉與皮膚，最終塑造成迪士尼卡通中的布魯托，作品在自然物與人造物之間展開辯證，突顯生命中荒謬與幽默的本質。賴九岑《零大於壹Ⅲ》組件以微觀視角呈現拆解後的玩具，讓圖像遊走於具象與抽象之間，營造出似曾相識卻又陌生的視覺驚喜。本次展覽更首度將藝術家筆下的玩具零件與作品並置展出，深化對物件與記憶的探索。

現地製作的《採光》隧道由邱承宏精心打造，以混凝土石刻版畫形式呈現，細膩刻畫植物及光影紋理，觀眾可戴上頭燈觀看隧道裡的微觀、日常，思考現代化進程中，人與風景、景觀的關係轉變；另一件作品《水泥動物園》重現1970、1980年代常見於臺灣校園、公共遊樂空間的水泥動物塑像，樸拙的造型及表情曾經是許多觀眾的集體記憶。走路草農／藝團《靜物劇場》以充氣裝置呈現靜物畫常見的描繪對象，將芒果、釋迦和蓮霧等水果主題裝飾瓶身，探索被譽為「水果王國」的臺灣與受青花瓷影響而發展出「台夫特藍」的荷蘭之間的關聯。作品透過視覺轉譯歷史、訊息與符號，激發對「臺灣製造」的認同與新記憶。

推出工作坊與互動演出

另外，本次教育計畫，特別自作品延伸規劃4個互動裝置區域，將小工作坊轉化為「靜物畫，從擺設開始」空間體驗室，讓觀眾能實際動手參與，探索物件與人的關係。展期間除了舉辦多場定時導覽、團體導覽，亦與囝仔人、末路小花劇團、影像創作者陳含瑜合作推出「想像驚奇箱」、「顛倒物件玩玩看」、「多重感覺探索」、「行動代號：現在正好」及「Photogram 物件投影」等5個適合不同年齡層的工作坊與互動演出，相關資訊與報名辦法請關注北美館兒藝中心官網或北美館臉書粉絲專頁。

靜 • 物 Still Life
展期：2025.03.22－2025.08.31
地點：臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

_{資料提供｜北美館、文字整理｜Adela Cheng}