攝影這項已存在200多年的技藝，在受到AI撞擊的此刻，將擦出什麼樣的奇觀？La Vie 11月號封面邀請「bigflowerdeer」主理人鹿虹、紅花以AI 算圖創作，本身即是攝影與新媒體藝術背景的兩人，也與我們分享投入算圖世界後的實驗心路。

2023年的現在，AI算圖已非新鮮事，但點開Instagram上名為「bigflowerdeer」的帳號，實拍般的光感、城市街頭場景、不落於鳳眼或單眼皮刻板印象的亞洲人像，會讓你驚訝於Midjourney竟也能如此寫實。畢竟這套奠基於大量資料庫的算圖AI，從2022年5月開放使用後，作品還是以歐美繪畫感居多。

「bigflowerdeer」由攝影師鹿虹、紅花共同創立，兩人於今年6月開始進入AI算圖領域。新媒體藝術和設計背景的紅花，早從Midjourney第1代就開始關注，「更新到第4代的時候，大家突然很在乎，照片的真實感可以做到什麼程度？」等到第5代推出，紅花發現光感、空氣中的透視、底片感等都大幅進化，加上剛好要幫Midjourney AI台灣社團版主林思翰推廣線上課程，決定親自入場。鹿虹笑說：「她算圖算到三更半夜，我還不理解她在幹嘛，結果隔天我用了之後，連續一個禮拜都算到三更半夜。」他稱過程就像是走進「精神時光屋」，「攝影創作是實驗與實踐的過程，Midjourney實驗了一些難以達到、但想要完成的畫面。」

想算出很難實際拍到的畫面

以紅花來說，她算的圖像幾乎都是「在台灣很難拍到的」，對馬戲團和遊樂園很感興趣的她，因為台灣較少理想的場景，所以就會在算圖裡實驗。她的作品也常見大片花海，畢竟台灣很難找到位置、數量、排列組合都符合理想狀態的場景，不然就是會有模特兒躺在花海裡凹陷下去的問題。鹿虹的算圖則常和動漫相關，倒也不是局限於宮崎駿、新海誠等關鍵字，而是會有類似《獵人》奇犽的念能力、《海賊王》惡魔果實等元素。

以攝影師的工作流程來比喻，鹿虹說他們算圖的出發點可以分成兩種，「一種是腦中已經有構圖，再去執行；另一種比較開放，給AI一些指令，看它能給你什麼。這也和拍攝時引導模特兒很像，不同模特兒的反饋都不一樣。」因此相較於Stable Diffusion可以算出很逼真的人物、連續多張穩定的圖像，他們都更喜歡Midjourney算奇幻場景的能力與隨機性。有次紅花下了「水晶球裡的遊樂園」給Midjourney，但跑出來的圖像卻像是「魔法建築系課堂」，不在原本預設內的畫面也很有趣。

封面創作幕後！不同於實拍的Midjourney合作案

這次La Vie也邀請他們以AI創作封面，為傳達攝影因科技飛快進展產生的奇觀感，編輯部先選定他們在Instagram上的一張作品，構圖是小孩在城市街頭、看見魚飄浮空中的驚奇；但該圖片的光感偏暗，希望能以此為基準調整並創造新作。鹿虹說，最初La Vie喜歡的那張作品，他下給Midjourney的指令大約是「很多河豚在東京街頭飄浮」、「小孩在街頭夢遊」，由很多字義類似的關鍵字，不斷拼湊嘗試而成。例如想要生成像河豚般圓圓胖胖的魚，他下過「chubby fish／bubble fish／round fish」，以及飄起來的動作「float／fly」，都是不同結果；想要很多隻魚，many和a lot of數量也不同；想要亞洲臉孔小孩，可以下Asian或Japanese，年紀可以規範幾歲，或單純寫young child，動作則是「running／sleepwalking／wondering」。他說，創作就是不斷選擇，各種排列組合都得去嘗試的過程。

針對這次封面，鹿虹一共嘗試了5批算圖。在保持上述構圖與人物元素的基準上，第1批加入「cinematic」（戲劇性）的關鍵字，但造成畫面色調變得太過濃郁，好像有懸疑情節要上演。因此第2批加入「sunlight」（陽光），以及應La Vie要求不希望人物有過多豐富的情緒，多了「noemotion」（無表情）。接下來的第3、第4批，分別下達指令「穿制服」、「平視（焦距35mm）」，而因應第4批算出來的人和魚都偏「兇」，最後第5批加入「cute」讓整體可愛一點。

從與攝影師常規的合作流程來看，往往是針對細節調整後決定最終的照片，但這次的封面照其實是來自第2批。「你下越多指定，AI無視的也越多。」紅花說，Midjourney會自行決定每一個指定的重要次序，如果想控制魚飄浮的位置，那光感、人物狀態的指令可能會被忽略。因此她認為AI算圖合作案，邏輯和攝影完全不同，攝影能在某一個基礎上持續修改，「Midjourney不能對過去的某一張圖、某一個細節太過執著，要把每一次都當成新的圖看，因為每一次都偏向綜合感官的變化。目前雖然已經推出局部修改的功能，但結果依然難以控制到理想狀態，AI對我來說是從0%到60%，後期還是需要大量人工調整。」

Photoshop何嘗不是過去的AI ？

其實魚也算是鹿虹的小彩蛋，因為他私底下很愛釣魚，總想讓平常出現在大海的魚群們飄浮空中。但這個這乍看超現實的構圖，背後仍有攝影實際執行的邏輯，例如真的在街上架設超大型透明魚缸，就能拍出魚群悠游城市的畫面，只是成本太過高昂。「我們的算圖作品，通常都能看得出來是我們本來就感興趣的事與主題。」紅花說，現在使用AI算圖的人很多，但很容易辨別創作者究竟是有自己的脈絡，還是被AI拖著走。兩人都很喜歡一位名為Takeru的創作者（Instagram帳號：maneki.metropolis），算圖產量很高，氛圍從未來感到近期的宗教與神話感，但都和服裝材質有關。這就是出於創作者自身的興趣與對畫面有慾望，再透過AI實驗出來。

只要創作者夠清楚自己的脈絡，他們就不認為會被AI取代，畢竟如果連創作者自己的創作動機都不穩定，不論實拍或算圖，都很難在市場上生存。鹿虹說：「算圖AI或文字AI，對我們來說就像Photoshop一樣，就是一個工具。底片時代其實也有『Photoshop』，只是他們是用暗房。現在的Photoshop對於過去的人而言，何嘗不是另外一種AI？」對於AI算圖是否會取代攝影，紅花則提到，攝影不是只有商案，更多的還是生活中的影像，每個人都會為某些時刻留下照片。相機也好，AI也罷，操作機具的始終是人，有想留影的念頭與慾望，攝影就持續存在。

 AI算圖創作Tips！

1. 交叉使用放大軟體

Midjourney的原始圖為「200KB、畫素1024 x 1024」，如果有實體輸出的需求，就要使用AI放大軟體。鹿虹和紅花目前會交叉使用3種軟體：Topaz Photo AI、Gigapixel AI，以及Photoshop的內建軟體。

2. 藝術風格很重要

要完成Midjourney圖像，除了元素、色調、視角等等，也可以加入「藝術風格」，例如王家衛、新海誠、宮崎駿，都是很好辨別的關鍵字。

3. 名為「權重」的指令

權重也可以理解為比例，例如你想要的元素是「女孩和花」，這個功能可以控制畫面裡女孩和花各占比多少，如果花的比例很大，可能會產生「一朵花包覆著女孩」。

4. 關鍵字是會被忽略的

Midjourney不會滿足使用者所有的關鍵字，會選擇性忽略某些指令，需適時自己檢查哪些指令是無用的。

5. 適時和ChatGPT 同事討論

針對下給Midjourney的指令，可以請問ChatGPT：「如果我要用圖像生成什麼樣的一張圖，你會下什麼指令？」或者請ChatGPT規範術語，因為有時人類可以理解的文字並非電腦能懂。

6. Stable Diffusion vs Midjourney

相較於Midjourney，Stable Diffusion可以訓練出穩定的模組，通常用來算肖像，也可以算出一系列看似「拍同一個人、但有不同光感與角度」的照片，但場景趣味性較低。

bigflowerdeer

鹿虹（Instagram帳號：luhonghsu）、紅花（Instagram帳號：bigredflower）共同經營的AI算圖主題帳號。兩人皆為攝影師，於2023年6月踏入AI算圖領域，用影像拼湊對世界的想像。IG：bigflowerdeer

文｜張以潔　圖片提供｜bigflowerdeer

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

巴黎龐畢度藝術中心即將閉館5年整修，德國藝術家Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》作為落幕之作，即日起至2025年至9月22日進駐中心內公共資訊圖書館，以其標誌性策展概念「自剖」近40年創作歷程，展示多樣化藝術實踐。同時，展覽合作夥伴Celine首度與中心攜手推出在特定日期向公眾免費開放的「Accès Libre par Celine」計畫，邀你7月3日、8月28日及9月22日共赴這場毫（萬）無（般）準備之旅。

巴黎龐畢度藝術中心（Centre Pompidou）由已故英國建築大師Richard Rogers、普立茲克建築獎得主Renzo Piano設計的原始建築，即將於2025年至2030年閉館改造，並在此前請來了德國藝術家Wolfgang Tillmans呈獻意義非凡的最後一舞。龐畢度中心3館之一的公共資訊圖書館（BPI）2樓、總面積達6,000平方公尺的空間，於是全面交到這位當代影像藝術家手中，憑他的原創性構想開辦個展：圍繞圖書館兼備的「建築」和「知識傳播場所」雙重身分展開創作與對話，打造能與作品相互呼應並激發思考的沉浸式空間。

Wolfgang Tillmans近年陸續進駐多個全球頂級藝術機構舉辦重要回顧展，如2017年於倫敦泰德現代藝術館（Tate Modern）、2022年於紐約現代藝術博物館（MoMA）；2018至2022年間更在非洲進行了一場名為《Fragile》的大型巡迴展，作品足跡遍及金夏沙、奈洛比、約翰尼斯堡、阿迪斯阿貝巴、雅溫德、阿克拉、阿比讓、拉哥斯等城市。

此次睽違20餘年回訪巴黎機構級別場館，展覽題名《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備（RIEN NE NOUS Y PRÉPARAIT - TOUT NOUS Y PRÉPARAIT）》，由法國國立現代藝術博物館（龐畢度中心3館之二）主任策展人Florian Ebner，偕Olga Frydryszak-Rétat、Matthias Pfaller兩位助理策展人共同規劃。全區展品橫跨Wolfgang Tillmans將近40年創作歷程，一步步將觀者「誘入」他以多樣化藝術構築的迷人之境。以下分3大關鍵字簡析其作品脈絡，並穿插帶來編輯精選的25張影像。

#01 自剖

轉化空間結構，突出展品意涵

此次展覽揭示了Wolfgang Tillmans攝影作品的一個橫切「面」，呈現順序依循的是空間結構，而非「線」性時間。展出內容融合錄像、音樂、聲音作品，以及龐大的印刷品收藏和個人物品。Wolfgang Tillmans巧妙利用圖書館本身的基礎設施，突出其創作與此一知識多元共存場所之間的相似性，更勝以往地體現了藝術家對空間的直接介入——這是他自1990年代中期以來的策展標誌：一方面轉化現有結構，一方面發明出全新展示形式，藉此構造出一個包羅萬象的裝置場所，重新定義攝影展覽的可能性。

#02 尋根

捕捉物質世界的脆弱不安，以自有審美語言追探人文主義

1968年出生於德國雷姆沙伊德的Wolfgang Tillmans，在其藝術生涯中不斷挑戰可見性邊界，捕捉物質世界既脆弱迷人、又令人不安的瞬間。他也進行無相機攝影，致敬將被淘汰的感光材料所擁有的純粹性或不純粹性。從早期對天文現象的觀察，到對1990年代次文化的記錄，再至如今融合錄像和音樂等多元創作，Wolfgang Tillmans形塑出自成一體的審美語言；而這種緊貼時代的探索，不僅推動他不斷追探人文主義與共存的當代表達形式，亦對當代藝術以外的領域產生深遠影響。

#03 反思

今昔之作並呈——我們對此毫（萬）無（般）準備

通過將早期檔案與最新創作並呈於展覽中，Wolfgang Tillmans回應了自1989年以来持續主導全球局勢的辯證狀態：那些曾經艱難爭取來的社會進步與自由，如今再次面臨質疑。展覽標題「我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備」作為藝術家自身多年來珍視的一種表達，可被理解為對我們對時間、現實，以及如何塑造現實，這般複雜感知的反思。

集藝術家文本與訪談，《Tillmans Reader》同步發行

《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》為Wolfgang Tillmans自2002年在東京宮（Palais de Tokyo）進行大型裝置後，睽違23年於巴黎機構級別場館的首個個展。展覽將配套發行圖錄，以及匯集藝術家多篇文本與訪談內容的擴展版《Tillmans Reader》法文出版物。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

2025大阪世博於4月13日～10月13日登場，為期半年的展期，無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念，但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下，該怎麼克服？面對各個場館，又要如何找到自己的獨特視角？這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材，不藏私分享拍攝經驗與技巧！

若問2025大阪世博是否「好拍」？答案為是，但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首，到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA，再到隈研吾、平田晃久、Foster + Partners、Lina Ghotmeh等一線建築師，每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多，天氣亦不可控，實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定，會場不得攜帶大型行李（以600mm×400mm×900mm為限），且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多，舉凡場館、表演、世博大景等等，白天與夜晚亦有不同景致，因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下，設備的選擇就得非常精準。

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身，其具備雙卡槽、高畫素等特點，能給予專業攝影師穩定支援；加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能，亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用：16-25mm的廣角鏡頭，可以同時容納展館和人潮，呈現世博各場館的氣勢與張力；中長焦選擇70-200mm，能壓縮景物作為畫面的前景或點綴；而針對現場的多變狀況，40mm的定焦鏡機動性高，且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體，成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前，先觀察建築特性

來到世博，每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察，本屆世博許多場館色系都偏白、灰，甚至選用鏡面材質，這類顏色與材質的建築會反映天空色調，善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面，彷彿建築與天空融合在一起，就算遇到陰雨，也能在不同的天空顏色映照下，形成晴天拍不出的氛圍。他也補充，這張照片拍攝於傍晚，快門非常慢，此時相機的防手震功能就很重要。

而在拍攝「韓國館」時，為呈現外牆上裸視3D的震撼效果，他選用16-25mm的廣角鏡頭，且蹲在地上拍攝，運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

在展館拍攝上，蔡耀徴也建議，「視線不要只放在單一場館，可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例，他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下，可以反射出旁邊的「西班牙館」，因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內，展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡，他解釋，介於廣角與中長焦之間的40mm焦距，很適合在有限的室內空間裡發揮，且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利，使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說，拍攝「瑞士館」展覽時，裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

場館裡面可不只有展覽，在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞，各國家館也會不時在戶外空間展演，成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作，蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時，就在台上眾多舞者中，快速對焦到主角。

巧妙運用人潮與前景，創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館，來到這個5年一度的國際展會，勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說，世博現場免不了人群眾多，若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景，建議在會場尋找制高點，並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

蔡耀徴也強調，不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢，善加利用反而能為畫面加分。其中，讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀，與黑色人群剪影形成對比，以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」，除了單純拍攝其木構之美，蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物，讓大屋根通透的木頭結構成為前景，造就獨特視角。

夜晚拍攝要注意什麼？

最後不可錯過的是夜晚，開放到晚上10點的世博，幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光，且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說，拍攝夜景時，機身的對焦需要精準，且拉高ISO後畫面品質也要維持水準；加上夜拍經常需要透過後製調整，因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察，就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態，以照片的形式定格留存。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴}