《大嘻哈時代 2》不僅讓許多個人特色鮮明的台饒新血被大眾看見，其節目整體呈現的細節和質感，因形塑出能量豐沛的新世代嘻哈美學，而掀起現象級討論，更於第 58 屆電視金鐘獎中接連奪下燈光獎及美術設計獎。負責節目主視覺、Logo、動畫的2DOGG，以及操刀由節目衍生的《六號餐 MEAL NO.06》音樂企劃視覺的吳建龍，一起坐下來聊聊，當台灣嘻哈音樂開始大眾化和娛樂化，有哪些生猛的幕後創意。

「對我來說Hip hop很尋常，它只是服務於人群和生活，一些比較廣為人知的經典標語如『Keep it real』，其他文化也會傳遞類似的精神。」高中時期開始，2DOGG就和學長在校外的街舞社練舞、鑽研嘻哈音樂，大一到洛杉磯UCLA遊學，秉持對西岸幫派饒舌的熱愛，一大早搭公車去Slauson Super Mall朝聖，「還想把貼在電線桿上的WC（William LaShawn Calhoun Jr.）專輯海報撕下來收藏，但整個街區只有我和朋友兩個矮小的亞洲人，實在是太害怕。」看待嘻哈如今在台灣聲量創下新高，他表示為了讓大眾快速辨識以往不熟悉的文化，視覺上趨於模板化是在所難免的發展。他以日本潮流教父、A Bathing Ape創辦人NIGO為例，之所以離開自己一手創立的品牌，正是意識到獲得成功之後，已不再能憑藉個人喜好和不斷擴張的商業需求對抗。

如同捲土重來的Y2K風潮，當好的設計被主流市場擁抱，變得氾濫而喪失獨特性，引發審美疲勞，再經過一段時間，某些設計師從被人逐漸遺忘的風格中獲得靈感，運用於創作中，由此迎來復興。「到底什麼是嘻哈？先前接受龍虎門有個嘻哈設計師的採訪，自己就一直在思考其實嘻哈很難被定義，它跟龐克、搖滾也有相通之處，簡單講應該是一種生活樣貌。」自認「從小到大都很不嘻哈」的吳建龍，欣然同意2DOGG前面所述，嘻哈這個主題從10～20年前演變至今，已擁有越來越多元的表現手法，「高浩哲、李紅、瘦子這些音樂創作者，都分別用讓人耳目一新的方式詮釋嘻哈文化，打開不同扇門，讓大家願意進來了解。」置身流行音樂產業中，總是對新鮮事懷抱好奇的吳建龍，透過大量對話、彼此玩在一起，深度認識這些饒舌歌手，才完成專輯設計。疫情期間，他還和朋友共同成立融合嘻哈與3D視覺元素的品牌「首都銀樓」，比照銳舞派對的概念，不定期不定點舉辦表演及販售T-shirt等。至於總是深深被次文化吸引的他，是否會擔心從小眾走向主流將變得索然無味？吳建龍回應：「小時候也許會，現在我覺得只要你還喜歡它原本帶給你的感動，那就沒關係。」

其他像2DOGG和吳建龍私底下關注的新生代饒舌音樂人，如：包夜冰郎、6yi7、Gummy B、YOUNG JOPPA、Rawbone Beatz等，在創作上所展現的企圖心及生命力，也感染了他們，無形中為生活壓力帶來釋放。「我很喜歡美國嘻哈廠牌Def Jam創辦人Rick Rubin在製作音樂時，總是非常真誠和有機，他在YouTube上有段和歌手André 3000的訪談，挖掘音樂人在名聲大噪後，所不得不面對的痛苦和掙扎。」從美國設計師James Victore，日本漫畫家水木茂、Kanye West紀錄片《Jeen-Yuhs》到網路媒體工作者NardwuarServiette講述的音樂史等，都啟發了 2DOGG，尤其漫畫家阿推借鑒歐洲精美的畫風並融合美式流行文化梗，在作品中隱藏許多彩蛋細節，更深深影響他。「以前習慣從社交、認識新朋友中找靈感，但近年想多花時間在自己身上，窩在家打電動帶給我的體驗和滿足已不亞於電影，無論是說故事的方式、美學概念，還是UI介面，很多可以參考和學習。」吳建龍在《NBA 2K24》、《柏德之門》、《電馭叛客 2077》這些遊戲中，既從工作中抽離，同時又沉浸於以想像力建構的世界。

聽到2DOGG提及彩蛋，吳建龍稱讚起《大嘻哈時代2》的視覺設計，「洋溢美式氣息，圖像式的直觀表達，轉場畫面還有天空標都做得很精緻！」2DOGG則羞赧地感謝節目製作公司「我的檔期」的謝乾乾願意信任他，從表演穿插訪問的轉場動畫，到最後幾乎所有視覺都放手交給他，儘管第一次踏入電視圈什麼都不懂，在緊迫至極的死線（deadline）下邊做邊學，「嘗試偷渡很嘻哈、很indie的文化梗進去，例如在發想每個關卡的片頭動畫名稱，有一關是讓選手抽籤不同節奏的BPM去即興創作，我把每分鐘節拍數『Beat Per Minute』改成『Beat Yall Per Minute（分分鐘幹掉你）』帶入攻擊性和武鬥感。」即使撞得頭破血流，若還有下次，2DOGG說：「這次以表現1990年、2000年的嘻哈文化為主，之後希望放進更多華語或台灣俚語，有時候英文只是看起來帥，大家不一定能理解內涵。」

痛苦中雕琢創作，磨難也是嘻哈核心本質

而音樂除了是聲音的創作，更是文化和藝術的體現，因此專輯封面通常承載了各式各樣的訊息，包括經由圖像、色彩、文字，以傳遞專輯的內容、歌手的性格等等。吳建龍認為，這幾年字體確實有越來越被重視，代表大家開始在乎美感，不管好壞，有人討論就是一件好事，但他也發現亞洲業主十分抗拒中文，一旦遇到中文字，客戶往往堅持要另外設計字體，否則寧可不要放。吳建龍透露，自己傾向使用現有字型並增添質感，「選字是一門細膩的功夫，有時候安安靜靜表達，不一定要做得很張牙舞爪，再過幾年，甚至連文字都不用放會更好，欣賞音樂需要的是入口而不是地圖，交代太清楚會壓縮想像。」吳建龍說以前讀復興美工時，學生都會被體罰或作品被當眾撕爛，他依然每天畫圖，以為只要會畫畫就可以做好設計，入行後才驚覺排版是另一座須費盡心力攀頂的山峰。

這讓2DOGG想到，於舊金山藝術大學（AAU）念平面設計研究所時，在畢業製作提報通過後，因為嚴重的種族歧視、語言能力差異、同儕間的高度競爭，長期累積的焦慮和壓抑爆發，他突然倍感倦怠，「當時被學校警告，如果再不去上課就會被開除學籍，得必須即刻離開美國，否則就是非法居留。系上副主任Hunter Wimmer知道我想轉系後，某天約我一起散步去中國城吃午餐，途中跟我闡述設計的本質，包括好的設計不能只獨攬一個元素，有些設計師非常精通字型，卻不懂得協調、搭配，也聊到人活著的理由， 讓我受益良多。」AAU因培育出眾多藝術設計領域人才而享譽國際，但這位Mr. Hunter看過太多學生畢業後賺進大把收入，坐享名車豪宅、和超模結婚，然而他們卻迷失於物質，不再對設計有愛，忘記設計有多好玩。「我曾經在課堂上跟另一名教授說，我將來想改變嘻哈文化的書籍裝幀設計，當場被罵得狗血淋頭，他說你是亞洲人又不是黑人，你有打女人嗎？你有吸毒嗎？你憑什麼？大家一片靜默，我還是硬著頭皮回嘴：『可是西岸嘻哈教父Snoop Dogg的製作人跟經紀人也不是罪犯啊，為什麼我當 罪犯才能做Hip hop？』」

Hell or Heaven？動盪中人人富貴險中求

以往都是將音樂視覺化的2DOGG，近期首度嘗試從視覺概念出發並轉化成歌曲，他和高雄的beat maker小柯攜手，自主創作混合了「Chopped and Screwed」（運用倒轉及剪貼）、美國南部嘻哈、幫派饒舌，和Techno曲風的mixtape，實現真正的 「唱反調」；而納悶「明明現在越來越少人買實體專輯，不知道自己為何能靠唱片裝幀設計維生」的吳建龍，持續穩健輸出，今年以瘦子E.SO的《EARTHBOUND》入圍金曲獎最佳裝幀，首都銀樓10月初則和日本RAVE RACERS、SPOILSPORTS舉辦「首都運動」派對，最後我們聊到AI所帶來的助益，「如果擔心會被取代，就真的會被取代，多學習多應用，激勵自己多方嘗試。」吳建龍這樣給出自己的正解。

2DOGG（蔡祥煌）

插畫家及平面設計師，2016年畢業於舊金山藝術大學傳媒系研究所， 曾與許多台灣嘻哈音樂廠牌、音樂 人，及餐飲空間合作，如:顏社、 貓下去敦北俱樂部、國蛋、夜貓 組、兄弟本色、頑童等，並以《大 嘻哈時代2》獲得第58屆電視金鐘獎美術設計獎。IG@twodoggtsai

 吳建龍 

1985年出生，畢業於復興商 工美工科，曾任職於OUTER SPACE及究方社，與設計師畢 展熒共同成立「Blob Club」 工作室，作品類型涵蓋唱片專 輯、電影海報設計、演唱會視 覺、MV標準字、展覽活動視 覺等，5度入圍金曲獎最佳專 輯裝幀設計獎，並以第54屆金 鐘獎視覺設計獲得德國iF設計獎。IG@fkkwu

文｜張瑋涵

圖片提供｜2DOGG、吳建龍

採訪場地協力｜顏社

更多精彩內容請見La Vie 2023/11月號《新時代的攝影修煉》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN