德國當代藝術家海爾蓋特（Hell Gette）的油畫風格，遊走於傳統繪畫和數位藝術之間；強烈、略帶野性的繪畫筆觸，更讓人想起盛行於德國的「壞畫」品味，搭配「女神弒惡龍」這般強而有力的故事，建構出難以取代的創作個性。想要親賞這則藝術寓言？Hell Gette亞洲首個展《CTRL3R》現正於台北亞紀畫廊展出，現場集結她於洛杉磯駐村創作的一系列新作。

 

 

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遊走於虛實之間，手繪的數位景觀

油畫、雕塑是Hell Gette最主要的創作媒材，眾多作品中，名為「風景3.0」的繪畫類型尤其引人矚目。此系列巧妙將傳統風景畫中的「景觀」，轉化為老式電玩、Emoji、Photoshop等電繪工具所代表的數位「景觀」，結合了寫實與新表現主義弱化形式、強調情感的雙重特色。

今年開始，Hell Gette更在粗糙、由水彩手稿數位化後刻意留下的粗線輪廓之外，加入了油畫筆大膽塗抹的筆觸、大面積的有機色塊，讓「風景3.0」結合繪畫的意義、數位的視覺，而她本人則找到了一種消除具象與抽象、虛擬與現實之間界線的創作方式。而這次在亞紀畫廊展出的畫作，正是一系列洋溢「風景3.0」風格的作品。

 

 

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《CTRL3R》以系列畫作呈現冒險史詩

《CTRL3R》一名由兩個元素組成，分別是現代人非常熟悉的電腦鍵盤命令鍵「ctrl」，以及「控制器」（controller），而展覽以一幕幕油畫串接成冒險史詩般的電動遊戲，讓觀眾化身掌握操縱桿的玩家。

故事從一條龍、棕櫚樹與山脈共織的磅礴場景展開，並以三位女神——女精靈、藝術家、仙女——在激烈對決中成功戰勝惡龍作結。有趣的是，畫作中隱藏著推動故事發展的線索，那就是蘑菇、曲臂、劍、錢幣等Emoji符號！觀展時不妨留意這個細節，猜猜故事如何推進。

「數位主義的油畫刮刀」

Emoji在作品中扮演關鍵角色，因此Hell Gette特意以電繪軟體中的「塗污」（smudge）功能為靈感，透過繪畫將其再現。這些圖示的形象看似被模糊、卻也變相被突顯，為作品帶來新穎的拼貼手感；而Hell Gette所使用的技法彷彿「數位主義的油畫刮刀」，是遊走於虛實之間的創作工具，更印證了她對繪畫與數位媒介的嫻熟掌握。

 

 

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16世紀與21世紀的「女英雄」

畫作的敘事內容也很有意思，其中「女神弒惡龍」的情節，令人想起一幅16世紀名畫——《友第德割下何樂弗尼的頭顱》（Judith Slaying Holofernes），由義大利藝術家阿爾泰米西亞・真特萊斯基（Artemisia Gentileschi）創作。彼時女畫家極為稀少，這幅畫堪稱是第一幅出自女性藝術家的世界名作，畫中細緻描繪了女英雄友第德（Judith）與女僕合力暗殺亞述將軍何樂弗尼（Holofernes）的場景，被認為是一種對女性力量的描繪，強烈且非常具有衝擊性，也是對當時社會的控訴和抗議。

 

 

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?Artemisia Gentileschi?（@artemisia__gentileschi_）分享的貼文

如果仔細看《CTRL3R》畫作細節，會發現三位女神也具備強悍特質，像是仙女點燃火炬、燒光金錢，或藝術家長出了壯碩手臂、高舉著畫版等等。這些細節，或許可以被理解成Hell Gette不畏強權的宣言，也是她對女性創作者無論身處數百年前、或當今的藝術市場，總會面臨體制性障礙的省思。

《Hell Gette 海爾蓋特：CTRL3R》

展期｜2023.11.16－12.23

展場｜亞紀畫廊（台北市大安區敦化南路二段97號3F）

資料、圖片提供｜亞紀畫廊

 攝影是一場不斷穿梭於內外的旅程，既是對外在人事物的觀察，也反應創作者內心思考的探索過程。以街頭攝影為核心出發的《IN & OUT 內外之間》攝影展，集結陳尚平、李威辰、Emily Hsieh 等三位台灣當代影像的作品，以多樣的創作手法探討街頭攝影的轉化歷程，由傳統方式拍攝至AI共創，直到室內情境的物化詮釋，更展現內外交界的思考。12/6（五）至12/15（日）於鬧空間 NOW space、鬧房間 NOW room 展出！

內外交錯與穿梭的街頭攝影旅程

《IN & OUT 內外之間》攝影展探究街頭攝影的本質，聚焦攝影師與觀者在內外之間的交融過程，主視覺以「隧道」為隱喻，不只象徵著鏡頭的通道，更表達由外在景物通往內在意識的過渡，因為由外而內、由內而外的旅程，始終體現於攝影師與觀者的思考行為之中。簡言之，街頭攝影應非僅是將外在現實捕捉入鏡，而是拍攝者經由篩選和內化的創作過程，將街景透過內在理解後，經由影像輸出為藝術語言；觀者凝視作品時，也猶如進入影像構成的隧道，交揉個人經驗與情感，最終轉化為近身思索與回應。從外部街景，到攝影師的內在視角，再到觀者接收後之意識游移，可說是一個內外穿梭、交互反饋的多重轉換歷程。《IN & OUT 內外之間》便呈現了三位影像藝術家對此歷程的各自辯證。

兩層樓共計逾 50 幅作品，帶來三種截然不同的風格創作，首先以傳統街頭攝影的形式，細膩觀察街頭外部環境，進而跨度至以街頭攝影實驗創作 AI 生成藝術，嘗試擴增內外跨界之間的維度，最後則進入室內情境，探究拍與被拍的物化歷程與主從哲學。亦以展覽動線規劃、子主題策展與別出心裁的作品演繹形式，一步步引領觀者游移於內外邊界之間，嘗試置身交會、過渡與對話的可能。

三大子題翻玩街頭攝影的創作形式 陳尚平《內外同框》

位於 3 樓鬧空間展出動線開端的是街頭攝影家陳尚平的作品，其創作方式最接近於傳統意義的街拍。陳尚平長期在台北街頭進行拍攝，並從事都市觀察，著有攝影書《我在台北放框框》等，也於新活水網站撰寫「毛邊意識」專欄。本次帶來超過 20張作品，以《內外同框》為題，從中可見對台灣都市環境的細膩觀察與其自身狀態的交織融合。

「我在街頭拍攝時，會不斷在兩種身分間切換：一是偏重於解析外境的城市觀察者，另一則是尋求影像內在意味的攝影者。這兩種視角初時各自獨立，但隨著時間推移卻也逐漸融合，難以分割」。因此，此次展出作品既呈現台北人的環境態度，也滲透了攝影師的內在，表達出內外同框的交疊。

李威辰《虛實之間》

李威辰則以城市與鄉村的生活經歷為靈感，帶來了具實驗性的嘗試。將自身街頭攝影的作品與 AI 生成影像逐步結合，提出「在虛擬世界中街拍」的概念，擴展街頭攝影的可能性。在本次展覽子題《虛實之間》中，11幅作品從原始街拍逐漸過渡至AI生成的街景、模特兒外拍圖像對比，呈現真實、虛擬至超現實的模糊邊界，賦予街拍攝影新的敘事與審美維度，進一步顛覆觀眾對影像的認知與詮釋。

Emily Hsieh《主從關係》

展覽由外而內的探索，也於展覽空間、動線與作品內涵中體現。策展人 Emily Hsieh 於 4 樓鬧房間再由挑戰性的方式切入街頭攝影，藉《主從關係》提出攝影行為與模特之間觀看與被觀看的關係，並將身體自主權作為創作的核心議題，呈現出影像創作中權力交替的微妙瞬間。「模特兒的身體在商業攝影中通常被視為展示商品的道具，攝影師也往往居於主導角色。但在這個創作過程中，我們希望透過交替與互換的關係變化，共同完成此系列作品。」

在本次展覽 18 件作品中，Emily Hsieh 邀請街頭攝影師林國喬 KC Lin進入室內情境合作拍攝，她既將身體化為物件，全權交付給攝影師的視角，而在拍攝後保有討論、挑選、認定作品等主導權，藉此形式挑戰傳統人像拍攝之主從關係的意圖，並於創作的基礎上深入探討身體、意志與視覺再現的邊界。

空間裡外、意識內外的反覆交錯

《IN & OUT 內外之間》藉由三位創作者的作品，引領觀者從外部的街頭世界進入攝影師的內在視野，並在觀看過程中完成個人化的詮釋。展覽選址於台北相機街廓，地點與攝影創作媒材間的互動成為意外的彩蛋，也可說是場域與影像的一場對話。不妨通過影像的「隧道」，進入攝影師的內在視角，並與自身經驗相互交織，感受由外到內再由內而外的深層共鳴！

《IN & OUT 內外之間》攝影展

時間：2024.12.6(五)-12.15（日）

地點：鬧空間 NOW space & 鬧房間 NOW room

（台北市中正區延平南路58號 3樓&4樓）

開幕座談：12.7（六)）14:00-15:00 《創作者三方對談》

展覽講座：12.14（六）14:00-16:00 
演講主題：陳尚平《內外同框》、李威辰《AI中的街頭攝影》

贊助單位：鬧工作室 NOW studio @nowstudio.tw

主辦單位：Emily Liu of Art 工作室 @emilyliu_of_art

《大美不言》展覽遵循主題性探索的脈絡，共展出96件國立故宮博物院藏品、80件裝飾藝術博物館藏品和85件Van Cleef & Arpels梵克雅寶典藏珍品，透過傳統工藝的豐富內蘊，令觀者毋須依賴文字或語言來傳達意義，而是藉由視覺、情感與心靈的共鳴，感受設計背後的美學哲思，展現藝術無國界的雋永魅力。

「大美不言」出自《莊子・知北遊》，談天地間有自然之美，四時交替、萬物榮枯、都有定序，但卻不必言語。惟自然之美有其時空環境，未必可以隨時再現或任意轉移，於是人們取材如珍珠、珊瑚、琥珀、珍貴寶石及金屬礦物，透過藝術家的修飾與雕琢，成為可以隨身佩帶的珠寶及裝飾藝術。

本次展覽所規劃5個主題單元：「自然萬物」展示取法自然並以自然萬物為藍本的作品；「動靜有形」呈現動感與活力的設計；「奇幻仙境」則構築奇幻天地；「神祕莫測」揭示作品中隱藏的驚喜與奧祕；「五彩繽紛」展現製作上的色彩運用與巧妙技藝。《大美不言》特展更是國立故宮博物院國際合作的重要里程碑，同時開啟故宮百週年院慶的展覽，於台北及嘉義接力舉行。在獨有沉浸式氛圍的展場中，還可以體驗色彩之極致應用，透明玻璃及壓克力展台，營造出展件漂浮於空間中的視覺效果，在充滿色彩又晶瑩剔透的環境中，欣賞與感受作品之美。

自然萬物

第一個展區中，藝術家致力於再現動植物的美麗與和諧，瞬息萬變又亙古長存，脆弱嬌嫩與強大並存。花卉於東方文化傳統中經常用以象徵季節——梅花代表嚴冬、蘭花喻示春意盎然、蓮花象徵夏日盛景，而菊花則象徵秋高氣爽。故宮院藏〈剔紅菊花圓盤〉、〈銅胎畫琺瑯菊花紋方壺〉正是運用後者作為主要裝飾元素，圓盤正面雕刻5朵菊花，線條奔放有致，裝飾華麗，營造出生機盎然的視覺效果。茶壺則施以釉面抑或雕塑，均勻遍布呈現這種花卉，並列這兩件藝術品，便不難發現單一題材如何透過多樣的創作手法，呈現截然不同的藝術效果。

再看到巴黎裝飾藝術博物館館藏〈摺疊屏風〉、〈伊勢形紙〉，菊花與長壽的概念有密切關聯，亦與日本藝術備受崇敬的季節之一——秋天，密不可分，是裝飾藝術中常見的題材。在這些型紙上，花朵逼真的特寫，映襯著茂密的葉叢，捕捉花瓣在微風中飄逸婆娑的動態美。而屏風則於一面配飾山水圖景，另一面則繪有各式菊花。據說這面屏風很可能在1889年的巴黎萬國博覽會上展出，是日本首次參與的西方國際盛事。而使用了Van Cleef & Arpels梵克雅寶於1933年獲取專利的Mystery Set隱密式鑲嵌技術，〈CHRYSANTHEMUM胸針〉設計於上層採用黃K金隱密式鑲嵌紅寶石，下層則以鉑金鑲嵌鑽石，完美捕捉菊花綻放之美，並展現獨特紋理與細節，體現梵克雅寶卓越非凡的工藝造詣。

動靜有形

藝術作品如何以獨特方式展現輕盈活躍的生命力？此展區的51件作品體現藝術家出色的工藝，運用材質、技法和巧奪天工的機關，栩栩如生地表達動感效果。故宮院藏〈端石海天浴日硯〉儘管尺寸不大，整件作品的雕刻深淺起伏疏密有致，令渦流波瀾富有韻律感，起伏滾動的流線形塑造洶湧澎湃、氣勢磅礡的海洋氣勢。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈向竇加致敬雕塑〉，則為玻璃藝術大師Matei Negreanu巧妙玩轉運動的物理面向、非物質面向與無形的面向，營造形式與空間之間搖搖欲墜的平衡，他獨特的創作手法流露在作品表面流轉的光影效果、霧面質 感與半透明的特質，在80年代的法國玻璃工藝界別樹一幟。

而自1906年以來，Van Cleef & Arpels梵克雅寶便憑藉對黃金精湛的駕馭能力，以多樣的手法塑造作品的紋理與細節。〈煙盒〉上綴飾的起伏紋路，或稱「璣鏤雕花」（guilloché）工藝，乃是透過在黃金表面刻劃密集平行的波浪紋，營造出光影變幻的浮雕效果；時至70年代，〈歐普藝術御門手鐲〉運用「米蘭網」（Milanese mesh）工藝，於作品表面進行壓模處理，呈現錯落有致的波浪紋路，彷彿泛起了陣陣漣漪。

奇幻仙境

此展區共34件作品皆生動展現居住於夢境的奇形動物、奇美拉與混合生物的形態與符號，隨著時代與文化的演變而不斷蛻變。故宮院藏〈朱碧山款「張騫乘槎」銀槎〉指涉的正是漢代探險家張騫的故事，運用空心樹幹的形象描繪張騫從天界返回時乘坐的著名木筏。這件作品以簡潔流暢的線條雕琢乾燥樹幹的紋理，彰顯人物的平滑面容。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈蓋碗〉由法國銀匠Jean-Baptiste Odiot於1819年製造，握把上兩位身披羽翼的女性造型，象徵著羅馬女神維多利亞，支座還綴有羽冠獅頭裝飾與棕櫚葉紋。Odiot為這類蓋碗創造多款握把，蛇形和天鵝造型便是其二，包括此類蓋碗的大型餐具系列，為法國餐具工藝帶來卓著聲譽。

2010年的〈LUNA長項鍊〉，採用隱密的機關設計，可拆卸單獨作為胸針佩戴，它出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶「Les Voyages Extraordinaires」主題高級珠寶系列，影射了法國作家儒勒・凡爾納的小說《海底兩萬里》，講述尼莫船長和他的船員在潛艇「諾第勒斯號」內探索深海的故事。玉髓、月光石、黑色蛋白石和縞瑪瑙，營造一系列淡雅和深邃的漸層色調，彷彿海底世界的深邃無垠，彈奏豎琴的娜伊亞德女妖圖案凝聚了整件作品，鑽石琴弦宛如水滴般閃爍。

神祕莫測

即便一件實用物品的功能看似一目瞭然，但仍可能蘊藏一些奧妙玄機之處和鮮為人知的工藝技術，這個展區中的28件作品，件件都在挑戰觀者的視角。根據記載，乾隆皇帝在他的宮殿內擺設眾多如故宮院藏〈竹黃貼花百什件〉的奇趣盒，作品以竹片拼貼而成，集美觀與實用於一身，其採用多層隔間的設計，並在側面設有隱藏抽屜，用於存放各類物品，如鼻煙盒、扇子、玉器、瓷器等。打開這件百什件，猶如揭開一則祕密，工匠巧妙設計一種既能保護、又能展示這些藝術品的神祕奇趣盒。

巴黎裝飾藝術博物館館藏〈文件櫃與座椅成套的辦公桌〉，由建築師兼室內設計師雅克・阿德內特（Jacques Adnet）設計。黃銅裝腳模仿竹子的輕盈，呈現X型，不只增強結構強度，亦反映出亞洲藝術的影響，突顯當時法國傳統風格的地位，也令人想起18世紀典型的女用書桌「bonheur du jour」。

另外，於1933年獲得專利的百寶匣（Minaudière），是結合精緻美學和實用性的長形方盒，可收納粉餅、唇膏、梳子、香煙等。1935年的〈CURL百寶匣〉在邊緣內設有隱藏的鏡子和腕錶，隔層設計令人聯想到Walter Gropius和Eileen Gray等現代主義者的作品，而這些作品於蓋子上的裝飾：鐫刻的金色圖案、鑲嵌細工或漆飾，皆如此件設計，展現了豐富多樣的珠寶藝術，以及亞洲裝飾藝術對世家的影響。

五彩繽紛

色彩可忠實再現自然界最細微的暈影，也能為想像賦予生命，第五展區的81件作品，展示裝飾藝術的領域中，隨著技術和材質的演進，色彩光譜不斷發展的方式。故宮院藏〈碧璽佩〉、〈碧璽雙耳瓶〉、〈玻璃碗〉、〈紫水晶鐲〉、〈胭脂紅彩杯〉，其中有3件作品的色彩源自礦物質，而另外2件碧璽作品，則以精湛的鐫刻工藝見長，打造如意、蝙蝠、龍等圖案。玻璃碗的金紅色，是經由燒製前於紅色染料中，加入金粒呈現出的效果，而白色的部分則是透過琺瑯層打造，其中晶瑩透亮的粉紅色是這件作為酒器的玻璃碗，獨樹一格的罕見特色。

蛋白石水晶由骨灰、錫和砷組成，是19世紀法國水晶製造業的一大創新技術，而採用蛋白石水晶製造的產品，稱為「類蛋白石」（opaline），一推出即廣受歡迎。巴黎裝飾藝術博物館館藏〈戒指座〉點綴著小飾瓶的戒指架，充分展現當時生產作品琳瑯滿目的色彩：源自白蠟或砷的白色、金鹽的粉紅色、銅氧化物的藍綠色，以及銻的黃色。

20年代和30年代Van Cleef & Arpels梵克雅寶將目光轉移至紫水晶和石英等寶石，〈猴飾桌鐘〉上有著一隻環抱幼猴的紫水晶靈猴，停憩於縞瑪瑙和黃K金組成的分層圓形底座上，而時間則顯示在長方形的開口處，周圍環繞著琥珀砌成的菱形圖案，點綴閃爍鑽石；結構整齊、具幾何造型的〈煙具套組〉皆由玫瑰石英製成，火柴盒採用黃K金點綴，鑲嵌凸圓式車工藍寶石，呈現強烈對比的色彩，呼應了30年代的建築和室內設計的風格。

《大美不言》展覽經由多元的藝術形式，展示了無言之美的力量。這種美不依賴於語言的敘述或解釋，而是透過視覺與心靈的雙重感知，觸動觀者的內心深處。展覽的每一件作品都是一個靜謐的世界，等待著觀者以心靈去感受與體驗，正如「天地有大美而不言，四時有明法而不議，萬物有成理而不說」，真正的美隱於無聲無形之中，卻直擊人心。

焦點展品一次看！

〈洋彩玲瓏轉旋瓶〉——國立故宮博物院／陶瓷，清　乾隆皇帝（1736-1795）

此件乾隆時期瓶器的結構特別複雜，由4個相互銜接的旋轉部件組成。瓶身裝飾極為豐富，繪有五彩祥雲紋、紅色蝙蝠、如意紋（雙環相向纏繞，末端對稱）以及蓮花和芭蕉葉紋。裝飾輔以精緻的鏤空，形成兩對雙龍攫持蓮花和靈芝的圖案。這些不同的裝飾元素在瓶身旋轉中層疊交錯，變化繁複。此件作品的工藝技巧、機關裝置以及裝飾圖案，概括本次展覽的5大主題。

〈布洛瓦帶蓋長頸壺〉——巴黎裝飾藝術博物館／瓷器、琺瑯、鍍金，法國塞弗爾國家瓷器廠（1736-1795）

這件來自布洛瓦的長頸水壺是19世紀法國奢華製品上乘之作。當時塞弗爾國家瓷器廠將餐具等物品供應至整個歐洲，並受到法國文藝復興的啟發，揉合卓越的技術專長和知名藝術家才華。壺的底色和堆花裝飾（pâte-sur-pâte）手法則受到亞洲陶瓷的啟發，展現製造廠探索工藝的技術。

〈Zip項鍊〉——巴黎裝飾藝術博物Van Cleet & Arpels Collection／黃金、鉑金、祖母綠、鑽石（1952）

前衛的〈Zip Van〉項鍊出自Van Cleef & Arpels梵克雅寶開創性的設計，靈感源自飛行外套和軍服上的拉鍊，後來於30年代時引入時裝設計。世家洞悉時尚動態，巧妙將此設計機制運用於珠寶創作。此項鍊於1938年獲得專利，1950年出產，其中滑動自如的流蘇式拉鍊頭，使得這件作品具備多樣佩戴方式，拉開時可做項鍊佩戴，拉闔時則可轉換為手鍊。這件1952年製的〈Zip〉項鍊，綴飾著由黃金製成的心形圖案，並點綴祖母綠寶石和鑽石，流露動感與神祕感，充分展現出世家所擅長的可轉換式珠寶的設計與偏好。

_{文｜張瑋涵　攝影｜La Vie　圖片提供｜《大美不言》典藏精粹特展}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》