今年你到北美館看了幾檔展覽？是在《一一重構：楊德昌》探尋導演的創作脈絡，或於《勒內．布里：視覺爆炸》看一代攝影大師紀錄的20世紀動蕩歷史，抑或步入《無垠之森》看藝術家對村上春樹名作的解讀？錯過無妨，明年的北美館依舊精彩，以下盤點2024年7檔展覽！

臺式面容如何發展而成？《摩登生活：臺灣建築1949–1983》

臺灣各地的市容，是討論熱度從未減退的議題；如今的臺式面貌，是如何發展而成？本展聚焦探討1949年國民政府遷臺後至1983年間，影響臺灣建築發展脈絡的議題事件與生活文化因子。這30多年間，臺灣政府接受美援，引進西方的現代經驗；同時維護、發揚中華文化，在公共建築領域大規模引用中國復古風格。展覽將以6項子題：「美援」、「中國復古」、「中國現代」、「在地現代」、「非典型」及「新生活」逐一爬梳，揭示臺灣逐漸走出政治意識型態影響的陰影，邁向生活自由的摩登時代。

《摩登生活：臺灣建築1949–1983》

展期｜2024.03.23－2024.06.30

用詩意光線折射政治現實｜《威廉．肯特里奇 William Kentridge》

作為當今備受矚目的當代藝術家，出身南非的威廉．肯特里奇（William Kentridge），擅長以多媒體藝術將素描繪畫、影像、雕塑、視聽裝置、文學、表演等藝術形式結合，透過獨特的創作語彙，針對種族、社會和政治等南非現實議題提出深刻思辨；他的作品多以隱喻、象徵式的詩意空間，審視歷史的權力與剝削，探究生命的正義和自由。

藝術家在臺灣的首次大型個展，由北美館與英國皇家藝術學院（Royal Academy of Arts）合作策劃。透過梳理威廉．肯特里奇40年來的創作脈絡，從早期素描到廣為人知的素描定格電影、跨域舞台製作⋯⋯精彩展露在一個特殊的政治、社會環境下，創作是如何穿越隔閡，並淋漓道出藝術對意義的探究執著以及其曖昧模糊的相對必要。

《威廉．肯特里奇 William Kentridge》

展期｜2024.05.04－2024.09.01

對水墨半世紀的執著｜《許雨仁回顧展》（暫名）

許雨仁曾師從台灣現代藝術先驅李仲生，啟發他追求創作自由、探索自我，並遠赴美國親炙現當代藝術，發展自己認可的絕對原創。創作數十年，許雨仁曾投入石雕、水墨、油畫等媒材，惟對於水墨本質的探究、筆墨表現的開創從未間斷；他以當代觀點執筆持墨，開創「細筆斷虛線」獨特筆法，確立個人風格。這場藝術家50年創作生涯首次回顧型展覽，將整合手稿、素描、早期實驗性作品，呈現其創作脈絡與個人精神。

《許雨仁回顧展》（暫名）

展期｜2024.05.18－2024.09.08

4檔台灣新生代藝術家個展

新生代創作者以敏銳的觀察力和各自殊異的藝術語境，與時俱進地回應當代議題。其中倪祥個展《大家都來看你了》取自居家照護的親身經驗，以詼諧的手法探討高齡、陪病關係的身心負荷，與面對死亡離去的無措感，再現隱沒於社會角落的長照議題。

陳以書個展《假山水》系列繪畫，運用石塊物形的堆疊構圖，將「假山」的概念植入畫景。另納入當今烏俄戰爭議題，提供觀者思索關於國界／國土、界線／定位的問題。

徐瑞憲個展《之間(II)》以烏克蘭的「Tsina Viyny（戰爭的代價）」活動為切入點，募集台灣各地上百台二手嬰兒車，透過機械動力啟動聲音檔案，呈現和記錄這個歷史時期，並反思如何依然保有明亮的生命意涵。

蔡咅璟個展《帝國的標本》探究臺灣日治時期所遺留的物種標本，因歷史與環境變遷而產生不同的價值與意涵。作品以技術展現的載體成為召靈的科技義肢，提供另一種觀看標本和過往事件的可能。

TFAM年度個展：倪祥、陳以書、徐瑞憲、蔡咅璟

展期｜2024.07.27－2024.10.20

在睡夢中探尋世界｜《2021臺北獎首獎：林彥君》

藝術家將展出她於睡夢狀態時找尋、研究與聆聽到的萬物環境共存之記憶，以聲音、雕塑及瞢暗建構介於此地與彼地之間的過渡地帶。

《2021臺北獎首獎：林彥君》

展期｜2024.12.07－2025.03.02

屬於或不屬於？女性藝術家群展《飛地：一部自傳的誕生》

展名取自人文地理概念「飛地」，原意指的是某個地理區劃境內有一塊隸屬於他地／他國的區域，如阿拉斯加之於美國。這樣的「內囿性」被北美館用來比喻一種心理狀態，映照女性藝術家豐富的內在情狀與特質，並延伸文學中常見的自傳式敘事，呈現女性創作者的多重生命經驗，藉此呈現藝術家在不同階段的創作脈絡與生命關照。

《飛地：一部自傳的誕生》

展期｜2024.10.05－2024.12.15

深入了解臺灣美術史中的獨特角色｜《膠彩．台灣》（暫名）

「膠彩繪畫」在臺灣美術現代化發展中的角色十分特殊，其傳習自日本的膠彩畫系，一直是北館的重要收藏方向。展覽在延展的時間軸上，進行藝術家及其創作的發掘，嘗試聚合臺灣膠彩繪畫的發展圖譜，呈現當中累積的創作能量，探看創作者們是否自原生來源、外在激盪等的吸納與反芻中重新詮釋出新樣貌，用作品書寫膠彩繪畫在臺灣的開枝散葉。

《膠彩．台灣》（暫名）

展期｜2024.10.12－2025.02.02 

資料、圖片提供｜臺北市立美術館

觀看作品時你會習慣先閱讀作品說明嗎？有時候，語言（文字）並不能完全表達藝術家的想法，試著用感覺來理解，而不僅是依賴語言的解釋，觀展過程中可能會有不一樣的發現。

台北當代藝術館（當代館）於2025年1月17日至5月4日推出「No Language」展覽，由黃彥穎擔任策展人，邀集14組臺灣中生代與新生代創作者，突破語言表達的束縛，透過視覺、觸覺與共同經驗的連結，帶領觀眾感受藝術純粹而直觀的力量，發掘日常生活中微小的不平凡。

所有語言的確都是抽象的，只不過某些語言比其他的來得更抽象。 —喬治．歐威爾（George Orwell）

策展人黃彥穎說明：「科學家可以告訴我們大象溜下滑梯的重力加速度，但他沒辦法告訴我們這為什麼好笑，我想『No Language』大概就是在說這個。這個展覽並非是一場藝術創作對抗語言系統分類的陳述過程，而是針對藝術家如何在物質中追求精神性、在詮釋中追求啓發性，以及在現實中追求超越性的身影。」

從日常的縫隙打開無窮的想像空間

入口處展出陳松志《奢侈的墮落》，展檯上畸形有機的口香糖團塊散發著人工香氣，藝術家將過往「咀嚼」的行為轉化為「踩踏｣，引發對感官秩序的深刻思考。

黃萱《隨著風》以樹枝和風扇表現風的動態，《一小部分的霧島》將撿拾的石頭嵌入二手鞋底，延續記憶的旅程，《Flat #3》探討變形物品帶來的陌生感，而《經過》則透過飛機雲的數位影像，將不同時空的日常經驗串聯。

蘇育賢的作品以日常生活的荒誕瞬間為出發點，將瑣碎記憶幻化為如夢般的景象，讓平凡生活散發浪漫光彩。

李婷歡《As the Light Went Through It》將燈光、物件與不同質地的影像進行錯置，透過光影與記憶的交疊，挖掘平凡景象中的感性張力。

日常景象與社會集體意識

江忠倫《很久很久以前》探索記憶、風景與物品之間的微妙關聯，以抽象的畫面和符號結構，帶領觀眾進入藝術家記憶中的電影場景。

劉文瑄擅長以細膩的物質性表現形體與媒材的可能性，展出的三件作品以紙張為主要媒材，巧妙地展現藝術家對自我不同階段的詮釋，其中《媽媽咪呀》是自2011年創作以來，首次公開展出。

陳萬仁《這不是一個幌子》擷取城市街道招牌使人眼花撩亂的印象，行人、腳踏車騎士在招牌間移動穿梭，反映當代社會資訊過載與視覺衝擊的現象，從而喪失對深度與細節的關注。

空間物件與感官的對話

吳聯吟《健身房》將健身器材視為現代身體的雕塑，以器材訓練局部肌肉的功能性加以延伸，重新佈署精神化的身體造型。

陳為榛《夾板實驗場：熱幾何》使用塑膠浪板、磁磚、木板等裝潢材料，建立裝潢工程中「內部」與「未完成」的視野，在冷峻形式的線條基礎上，將有機的路徑介入幾何造型的秩序。

黃海欣《動物園》系列以繪畫記錄動物園沒看到動物或動物正在睡覺的景象，用幽默而真實的方式呈現集體經驗與期待之間的落差。

何彥諺《席地而坐》源自藝術家在學運期間久坐於柏油路面，促使其重新觀察日常中未曾留意的地面質感，將腳底接觸的路面、木地板及球場地面材質轉化為壁面，邀請觀眾以觸覺或其他感官，探索身體如何感知情感與記憶的痕跡。

崔廣宇《系統生活捷徑─表皮生活圈：城市精神》用一系列荒謬的測試行動來挑戰都市空間中的隱形規範，提出不同的觀點重新呈現城市空間的使用方式，進而審視自身與周遭環境的關係。

黃立穎《轉折》以石墨、色鉛筆為媒材繪製於樓梯間，上下移動時能夠看見作品隨著光影進行變化，讓時間不再是線性概念，而是身體動態與空間感知的交織。

廖建忠《運転生活終點站3.0 K-us》用廢棄的冰箱、洗衣機、除濕機、電鍋、熱水瓶等多種家電改造為遙控車，幽默地批判現代消費文化及其隱藏的代價。

另外，展覽期間也將舉行藝術家面對面、工作坊與多場導覽活動，邀請觀眾透過不同互動式活動一同化身為自己的旁觀者，專注於那些平時忽略的細節，在生活中發掘全新的感受。各項活動訊息可至當代館官網查詢。

台北當代藝術館新年首展「No Language」
展覽時間：2025/01/17 （五）～05/04（日）
展覽地點：台北當代藝術館       
更多資訊可至展覽網頁查詢

_{資料提供｜台北當代藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

「我創作的核心是透過重新打造、去除原有敘事，將世界變成一座模型；此時世界變成寓言，而整個作品計畫就是隱喻。製作模型是一種文化技藝，沒有它我們就無法見證一切。」──托瑪斯．德曼

創作主題涵蓋人文歷史和自然風光，時間軸從二戰到千禧年後，德國藝術家托瑪斯．德曼（Thomas Demand）透過紙雕塑和攝影層層「再製現實」——他以紙材模型精細地重建紀實影像、日常生活中的場景，透過鏡頭拍下模型後再將其摧毀，最終以大尺幅攝影輸出呈現作品。這一道道儀式不僅詰問攝影被認為客觀、真實的既定觀念，也思考當影像乘載著創作者的觀點，現實與重現之間的距離為何？

臺北市立美術館 （北美館）現正展出《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》，展覽由美國策展人道格拉斯．佛格（Douglas Fogle）策劃，匯集藝術家從1990年代至今近70件作品，呈現其30年融合雕塑與攝影的創作實踐。

反思德國戰後社會｜《專室》、《檔案》

德曼的創作題材多取自知名歷史或社會事件的報導照片，重現影響西方或甚至全球局勢轉折的關鍵時刻。他的早期作品觸及他未曾親身經歷、透過圖像認識的德國歷史，如《專室》重現1944年希特勒險遭暗殺、被炸毀的房間，本作參考的原影像對二戰後的德國學生來說絕不陌生，它時常出現在教科書中，也被視為反抗的象徵。

此階段的代表作還有《檔案》，其靈感來自納粹所支持的電影導演蘭妮．萊芬斯坦（Leni Riefenstahl），他的作品在納粹垮台後全被查禁，只能封存於紙盒當中。德曼藉由重製這段現實，反思歷史上因政權輪替等社會轉變而被噤聲、無法為人所知的種種故事。

重建國際重要新聞場景｜《控制室》、《避難所》

德曼也將視野從德國拓展至世界，重建多起國際重大新聞事件的場景，例如《控制室》重現311大地震後福島核電廠廢棄的控制室 ，原影像是張手機拍下的照片，出自災後東京派遣至福島搶救的小組人員，畫面中垂落的天花板、脫離控制的機器畫面等，都暗示著「控制室」早已成了「失控室」。

另一系列作品《避難所》，則重現美國國家安全局洩密者艾德華．史諾登（Edward Snowden）逃亡至俄羅斯時曾落腳的飯店房間，當時他在莫斯科尚未啟用的飯店躲藏整整五個星期，期間難以與外界聯繫。策展團隊為本作造了一座外觀如半成品的環形展間，步入其中，會發現作品尺度大到讓人感到空間擁擠、侷促，兩者之間的比例失衡，這並不是失誤、而是藝術家刻意為之，希望讓觀者身歷其境，感受史諾登被揭穿後失去方向、逃亡時極度不安的情緒。

紙張的多重角色與意義｜《文件夾》、《辦公室》

對德曼來說，紙張不只是創作媒材，他也時常在作品中探討紙材在各個事件中所扮演的角色，及其象徵的意義，比如作為展覽主視覺的《文件夾》，重現川普2017年就任美國總統前召開記者會中，為證明他已交出名下企業經營權、不為商業利益左右執政方針而堆疊於現場的文件，當時因記者無法就近查看文件內容，質疑文件夾內全是白紙的質疑聲浪四起，在此紙張成為陰謀論和一場政治大戲的主角。

在另一件作品《辦公室》中，畫面重現1989年柏林圍牆倒塌之後，人們闖進東德秘密警察辦公室的場景，這裡存放了大量人民因政治因素被監控、被消失的紀錄，在此紙張不只乘載歷史，更成了執政著監控人民的冷血證據。策展人道格拉斯．佛格導覽時提到，原照片的紙張上寫滿了字，但德曼在重建場景時刻意將字跡抹除，由此更能感受到影像是帶有「個人觀點」的，得以塑造人們看待政治、社會、歷史與世界的看法。

探索人造與自然世界的分界｜《花見》、《森中空地》、《石窟》

人類文化如何詮釋與再現「自然」，以及人造和自然世界的分野，一直是德曼感興趣的創作主題。橫跨此次展間出入口牆面的壁紙攝影作品《花見》，為觀者打造沉浸式環境體驗，其中德曼用紙製作出無數的櫻花，以稍縱即逝的花期冥想生命短暫與周而復始的本質。

《石窟》的場景由36噸的硬紙板製作而成，藝術家收集並研究數百張世界各地禮品店銷售的石窟明信片，建造出真實大小的石窟及其中經過數千年累積而成的鐘乳石，最終落於攝影的圖像便是人們集體對石窟印象的濃縮，這件是德曼作品中唯一被留存下來的模型，現陳列於米蘭Prada基金會。

耗時重建日常景象，反思數位時代影像的意義

2008年，德曼開始把關注焦點從宏大的歷史議題轉移到生活題材上，創作「日常」系列作品。創作手法與過往相同，不過這系列作品的影像來自他日常中偶遇、用手機拍攝的一隅即景，如丟在層架上的空優格冰淇淋杯與粉色塑料湯匙、放在水槽邊緣的肥皂塊、門縫下滿出來的信件堆，以及塞在鐵絲圍欄孔洞的咖啡外帶杯等。

「日常」系列為德曼以尋常視覺元素譜寫的自述，讚頌生活中蘊含無限意趣的平凡細節，同時濃縮他對歷史的理解：歷史不僅是世界各地的恢弘事件，也同樣包含個體生命的凡常絮語。而有鑑於手機拍照功能的普及以及大眾對於在社群媒體分享影像的痴迷，藝術家透過耗時精心重製他生活中詩意而平凡的瞬間，邀請我們反思這些快速生成和傳播、充斥於當代社會的影像。

紙雕塑動起來，以嚴謹重構失序的逐格動畫

定格動畫則是德曼對動態影像構成的探索，在展場中一座紅色布幔建構的迷你劇院中播映。《太平洋豔陽號》取材自一段網路上瘋傳的監視錄影機畫面：在紐西蘭海岸遭熱帶風暴巨浪襲擊的郵輪船艙內，桌椅、儲物櫃、紙盤、電腦顯示器等物件輪番向兩側滑動的滑稽景象，德曼花了三年時間，用紙和紙板一絲不苟地逐格重現這些失控混亂的時刻。

跨建築、時尚界，演示紙為建構世界的基礎

2011年，德曼在洛杉磯蓋蒂研究所（Getty Research Institute）駐館期間，開始「模型研究」系列創作。他從以往用雕塑重構世界的技法，轉而聚焦在建築與時裝設計師的紙質模型初稿，擷取其中局部與抽象元素：不論是20世紀美國最具影響力的現代主義建築師之一John Lautner或當代SANAA建築師事務所等人具現構想的模型，還是以極具雕塑感設計聞名的服裝設計師Azzedine Alaïa的奇特設計紙板，這些影像揭示了紙如何成為構建世界的基礎。

德曼的作品乍看近似真實世界的攝像，卻了無人跡，仔細審視更會發覺是用紙張和硬紙板重現；透過在原影像與最終準攝影「分身」之間進行層層重製與轉譯，暗示即使歷史以影像的形式潛伏在大眾的個人與集體記憶中，我們對所謂真相的認知始終存在著斷差。他的創作探討紙張如何以其脆弱的質地承載影像與記憶，無論是關乎人們的日常點滴，或是宏大的歷史事件；更進一步，作品突顯攝影影像與真實世界之間互為表裡的對位關係，同時探問影像文化的慣性與認知悖論。

 《托瑪斯．德曼：歷史的結舌》

展期｜2025.01.18－05.11

地點｜臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室